Hace algunos años, esperaba con mucha ansiedad estas fechas, debido a los recuentos que solían hacer las radios sobre la que se consideraba la mejor canción del año (o la más popular). Era la ocasión perfecta para disfrutar de verdaderas creaciones, un año que recuerdo con verdadero placer es 1983, por la gran cantidad de buenos temas que nos dejó. Aunque hace 17 años llegó a mis manos una lista del año 1970, para ser más específico de la Revista Billboard y quedé francamente alucinado ¿la razón?, las canciones de dicho “ranking” eran casi todas espectaculares, por citar algunas de las primeras: Raindrops Keep Fallin' on My Head, I'll Be There, Bridge Over Troubled Water, My Sweet Lord/Isn't It a Pity, American Woman, Let It Be… ¿impresionante, verdad?
Bueno, si tuviésemos que hacer una selección del año 2010 ¿con qué nos quedamos? ¿Lady Gaga? ¿Katy Perry? ¿Kesha? ¿Usher?, con el respecto de los gustos ajenos, pero no creemos que eso merezca pertenecer a una lista mínimamente decente, las ventas no crean calidad, sólo engordan la billetera de quienes interpretan canciones infumables pero con millones de visitas y de descargas.
En una entrevista reciente, Phil Collins comentó que: “probablemente no es "la persona adecuada para juzgar" la música actual, pero, de la última ceremonia de los Brit Awards, ha dicho: "Escuché música, pero no escuché ninguna gran canción".
"Probablemente Lady Gaga sea muy buena, pero no me dice nada", ha sentenciado.
Sobre este tema Mick Hucknall (Simply Red) fue tajante en sus declaraciones sobre los artistas de pop actual, especialmente aquellos que obtienen fama a fuerza de hacer ‘covers’…
“Aquellos que son merecedores de mi admiración fueron artistas primero y celebridades después… se convirtieron en celebridades gracias a su talento.
Me he vuelto sumamente alérgico a lo que viene sucediendo desde la década de los ‘80. Hubo un cambio brusco hacia lo bien que te veías, dejando de lado la habilidad que la persona poseía… entramos en una zona de gran mediocridad”, comentó.
“Es muy decepcionante formar parte de una industria que, básicamente, se ha convertido en una competencia de karaoke”, agregó.
Por ahora dejamos la controversia, y hemos seleccionado para la ocasión, lo que consideramos son los 6 mejores videos de nuestro blog para este año 2010, no ha sido nada fácil, debido a que el hacer este espacio ha servido para mi enriquecimiento musical de una manera que nunca pensé. Que disfruten de la buena música y pasen una feliz entrada de año 2011.
miércoles, 29 de diciembre de 2010
viernes, 24 de diciembre de 2010
MERRY CHRISTMAS DARLING
La navidad siempre es una época especial en todo el mundo y siempre me trae recuerdos especiales, en especial la música de Bing Crosby y The Carpenters. Con respecto al dúo de Richard y Karen Carpenter, desde el inicio de sus carreras los hermanos Karen y Richard Carpenter tuvieron entre sus planes grabar un disco de navidad, pero no fue sino a fines de la década de los setenta (1978) cuando lanzaron su primer álbum navideño, "Christmas Portrait" (Retrato de Navidad).
Un detalle de los discos de navidad es que muchos artistas han aprovechado el tirón que esto puede suponer a sus carreras, por los fáciles resultados de las ventas, pero no siempre se han preocupado por hacer llegar un material de calidad, pero esto no pasó con The Carpenters, que entregaron uno de los mejores discos de navidad que existen, por varias razones, entre ellas por la bellísima e incomparable voz de Karen, que durante todas las pistas del álbum nos da muestra de lo que disfrutó haber hecho este disco de impecable calidad, con arreglos notables.
Todas las canciones del disco son estupendas, pero hemos elegido parte de la letra de nuestra favorita “Merry Christmas Darling”, compuesta por Richard Carpenter y Frank Pooler:
"Las felicitaciones de Navidad
han sido ya enviadas
La Navidad ya está aquí
pero aún tengo un deseo que realizar
uno especial para tí
Feliz Navidad, cariño
Estamos separados, eso es verdad
Pero yo puedo soñar y en mis sueños
Navidad la paso contigo
Estas fiestas son felices
siempre hay algo nuevo.
Pero todos los días son una fiesta
cuando estoy cerca de tí.
Las luces en mi árbol
... me gustaría que las vieras
Deseo todos los días
Los leños en el fuego
me llenan de deseo
de verte y de que te quedes
Yo te deseo Feliz Navidad
Feliz año nuevo, también
Tengo sólo un deseo en mi árbol de nochebuena
Deseo estar contigo..."
Un detalle de los discos de navidad es que muchos artistas han aprovechado el tirón que esto puede suponer a sus carreras, por los fáciles resultados de las ventas, pero no siempre se han preocupado por hacer llegar un material de calidad, pero esto no pasó con The Carpenters, que entregaron uno de los mejores discos de navidad que existen, por varias razones, entre ellas por la bellísima e incomparable voz de Karen, que durante todas las pistas del álbum nos da muestra de lo que disfrutó haber hecho este disco de impecable calidad, con arreglos notables.
Todas las canciones del disco son estupendas, pero hemos elegido parte de la letra de nuestra favorita “Merry Christmas Darling”, compuesta por Richard Carpenter y Frank Pooler:
"Las felicitaciones de Navidad
han sido ya enviadas
La Navidad ya está aquí
pero aún tengo un deseo que realizar
uno especial para tí
Feliz Navidad, cariño
Estamos separados, eso es verdad
Pero yo puedo soñar y en mis sueños
Navidad la paso contigo
Estas fiestas son felices
siempre hay algo nuevo.
Pero todos los días son una fiesta
cuando estoy cerca de tí.
Las luces en mi árbol
... me gustaría que las vieras
Deseo todos los días
Los leños en el fuego
me llenan de deseo
de verte y de que te quedes
Yo te deseo Feliz Navidad
Feliz año nuevo, también
Tengo sólo un deseo en mi árbol de nochebuena
Deseo estar contigo..."
domingo, 12 de diciembre de 2010
30 AÑOS
Hace 30 años, un 8 de diciembre de 1980, al regresar a casa después un paseo con mis padres, puede ver a través de la televisión unas imágenes que -conforme cambiaba de canal- eran casi las mismas en todos lados, las de unos músicos con el cabello largo y la barba como señal de identidad. Lo que vi era algo que en su momento me llamó la atención por la cobertura, pero luego de muy poco tiempo, comprendí a cabalidad de lo que se trataba.
Ese día los medios de comunicación del mundo entero difundían “la noticia”, el asesinato de John Lennon a manos de un fanático llamado Mark Chapman, quien le disparó 4 veces, eran las 10:30 pm. , frente a la casa del artista, en el ahora mítico “Dakota Building”, desde donde fue trasladado al Hospital Roosevelt, hasta que los médicos certificaron oficialmente su muerte a las 11:15 pm del mismo día.
La noticia de la muerte de John Lennon recorrió el mundo en escasas horas, las lágrimas de todos esos seguidores que habían crecido compartiendo el sueño de John se mezclaron con las de las miles de personas que se congregaron frente a la casa del artista. El cuerpo de Lennon fue incinerado días después y las cenizas fueron entregadas a su viuda Yoko Ono, quien anunció que no se celebraría ningún funeral e invitó a sus seguidores a rezar por él y a compartir diez minutos de silencio en Central Park el 14 de diciembre. Más de doscientas mil personas acudieron al acto en Nueva York, sus cenizas fueron esparcidas en el parque aunque centenares de actos tributo tuvieron lugar en otras ciudades del mundo.
Poco antes de morir, después de un retiro voluntario, y tras varios años sin haber editado nada, Lennon regresó con el disco “Double Fantasy”, el mismo que fue recibido con entusiasmo por el público que no lo había olvidado. Una copia de ése álbum fue el que le autografió a Chapman, a las 5 de la tarde del mismo 8 de diciembre de 1980.
30 años pueden parecer poco tiempo o mucho, dependiendo del cristal con que se mire o de la persona que piense en ello, pero todo este tiempo no ha hecho más que aumentar la fama y la leyenda de uno de los músicos más grandes de la historia, líder de la agrupación más grande del siglo XX, evidentemente nos referimos a “The Beatles” y creador de inolvidables temas. Se le puede catalogar de muchas maneras: Icono, genio, mito, luchador por la paz (adjetivo trillado a nuestro entender), etc., pero por sobre todas las cosas fue un músico que marcó la pauta de muchos artistas. Y lo mejor que podemos hacer es admirar y recordar su legado.
Ese día los medios de comunicación del mundo entero difundían “la noticia”, el asesinato de John Lennon a manos de un fanático llamado Mark Chapman, quien le disparó 4 veces, eran las 10:30 pm. , frente a la casa del artista, en el ahora mítico “Dakota Building”, desde donde fue trasladado al Hospital Roosevelt, hasta que los médicos certificaron oficialmente su muerte a las 11:15 pm del mismo día.
La noticia de la muerte de John Lennon recorrió el mundo en escasas horas, las lágrimas de todos esos seguidores que habían crecido compartiendo el sueño de John se mezclaron con las de las miles de personas que se congregaron frente a la casa del artista. El cuerpo de Lennon fue incinerado días después y las cenizas fueron entregadas a su viuda Yoko Ono, quien anunció que no se celebraría ningún funeral e invitó a sus seguidores a rezar por él y a compartir diez minutos de silencio en Central Park el 14 de diciembre. Más de doscientas mil personas acudieron al acto en Nueva York, sus cenizas fueron esparcidas en el parque aunque centenares de actos tributo tuvieron lugar en otras ciudades del mundo.
Poco antes de morir, después de un retiro voluntario, y tras varios años sin haber editado nada, Lennon regresó con el disco “Double Fantasy”, el mismo que fue recibido con entusiasmo por el público que no lo había olvidado. Una copia de ése álbum fue el que le autografió a Chapman, a las 5 de la tarde del mismo 8 de diciembre de 1980.
30 años pueden parecer poco tiempo o mucho, dependiendo del cristal con que se mire o de la persona que piense en ello, pero todo este tiempo no ha hecho más que aumentar la fama y la leyenda de uno de los músicos más grandes de la historia, líder de la agrupación más grande del siglo XX, evidentemente nos referimos a “The Beatles” y creador de inolvidables temas. Se le puede catalogar de muchas maneras: Icono, genio, mito, luchador por la paz (adjetivo trillado a nuestro entender), etc., pero por sobre todas las cosas fue un músico que marcó la pauta de muchos artistas. Y lo mejor que podemos hacer es admirar y recordar su legado.
lunes, 6 de diciembre de 2010
WALL OF SOUND
Hace unos meses, a través de TV2 (España), pude ver el documental sobre el legendario productor Phil Spector “La agonía y el éxtasis de Phil Spector”, un “docudrama”, entrevista exclusiva, con vídeos refulgentes (Ronettes, Crystals, Ike & Tina Turner, The Righteous Brothers, John Lennon) .
Fueron 100 minutos de ego, del resultado de una mitología llena de canciones bellísimas, históricas. El creador del “Wall Of Sound” no es el mejor ejemplo de la mesura. Una y otra vez invoca los nombres de Leonardo da Vinci, Bach o Miguel Ángel, a los que considera sus pares y dice: “Me animaba el mismo espíritu que a Galileo. Yo también quería cambiar la noción que tenemos del universo”.
Pero a diferencia del científico italiano, él fue condenado por el asesinato de la actriz Lana Clarkson.
Ahora yendo al tema estrictamente musical, Spector (nacido en 1940) revolucionó la música con el "Muro de Sonido" (Wall of Sound), que consiste en grabar múltiples pistas de acompañamiento, superponiéndolas hasta crear un sonido compacto y algo apabullante. La técnica de Spector ha tenido una gran influencia sobre otros músicos que han experimentado con el estudio como instrumento musical, como The Beatles (que lo llamaron para hacerse cargo de las grabaciones de Let It Be) o Brian Wilson.
Canciones como ‘Da doo ron ron’, ‘Unchained melody’, ‘High mountain, deep river’, ‘He’s a rebel’, ‘Then he kissed me’, ‘Uptown’ o ‘Spanish Harlem’ nutren la médula del mejor pop. Aunque, al margen de sus intuiciones, dotes de mando y demás, conviene recordar que compartió estudio con arreglistas sublimes (Jack Nitzsche), compositores en racha (Jeff Barry, Ellie Greenwich, etc.) e inolvidables vocalistas.
La lista de los artistas a quienes produjo, así como los discos y sencillos que realizó es tan apabullante como su técnica. Gente como The Righteous Brothers, The Beatles, John Lennon, Leonard Cohen, George Harrison, Ike & Tina Turner, los Ramones, canciones como "Be My Baby" , "You've Lost That Lovin' Feelin'”, "Unchained Melody","My Sweet Lord", "let it be", "Imagine","Proud Mary" , "Do You Remember Rock 'n' Roll Radio?",etc. , son parte del legado de este mito de la música.
Fueron 100 minutos de ego, del resultado de una mitología llena de canciones bellísimas, históricas. El creador del “Wall Of Sound” no es el mejor ejemplo de la mesura. Una y otra vez invoca los nombres de Leonardo da Vinci, Bach o Miguel Ángel, a los que considera sus pares y dice: “Me animaba el mismo espíritu que a Galileo. Yo también quería cambiar la noción que tenemos del universo”.
Pero a diferencia del científico italiano, él fue condenado por el asesinato de la actriz Lana Clarkson.
Ahora yendo al tema estrictamente musical, Spector (nacido en 1940) revolucionó la música con el "Muro de Sonido" (Wall of Sound), que consiste en grabar múltiples pistas de acompañamiento, superponiéndolas hasta crear un sonido compacto y algo apabullante. La técnica de Spector ha tenido una gran influencia sobre otros músicos que han experimentado con el estudio como instrumento musical, como The Beatles (que lo llamaron para hacerse cargo de las grabaciones de Let It Be) o Brian Wilson.
Canciones como ‘Da doo ron ron’, ‘Unchained melody’, ‘High mountain, deep river’, ‘He’s a rebel’, ‘Then he kissed me’, ‘Uptown’ o ‘Spanish Harlem’ nutren la médula del mejor pop. Aunque, al margen de sus intuiciones, dotes de mando y demás, conviene recordar que compartió estudio con arreglistas sublimes (Jack Nitzsche), compositores en racha (Jeff Barry, Ellie Greenwich, etc.) e inolvidables vocalistas.
La lista de los artistas a quienes produjo, así como los discos y sencillos que realizó es tan apabullante como su técnica. Gente como The Righteous Brothers, The Beatles, John Lennon, Leonard Cohen, George Harrison, Ike & Tina Turner, los Ramones, canciones como "Be My Baby" , "You've Lost That Lovin' Feelin'”, "Unchained Melody","My Sweet Lord", "let it be", "Imagine","Proud Mary" , "Do You Remember Rock 'n' Roll Radio?",etc. , son parte del legado de este mito de la música.
sábado, 20 de noviembre de 2010
YOU´VE GOT A FRIEND
Hace algunos años, mientras veía un capítulo de mi serie favorita "The Wonder Years", escuché una maravillosa canción llamada “You've got a friend”, interpretada por James Taylor. Es que el episodio en cuestión trataba de la amistad inquebrantable de dos niños, algo que sería permanente durante el resto de sus vidas. No tarde mucho tiempo en averiguar la traducción de la letra y el nombre de la compositora, mi admirada Carole King. El tema originalmente era parte del disco “Tapestry” y contiene una letra extraordinaria, parte de ella dice:
"Cuando estés triste y nerviosa,
Y necesites una mano amiga,
Y nada, nada te vaya bien,
Cierra los ojos y piensa en mí,
Y pronto estaré allí,
Para alegrar tus nubladas y oscuras noches".
No puedo negar que es una de mis canciones preferidas, que me tocó de una manera especial desde un primer momento. Lo cierto es que la música puede ser un excelente vehículo para transmitir emociones justas y nobles, para decir que el mundo puede ser mejor y que no hay “montaña lo suficientemente grande” como manifiestan Marvin Gaye y Tammi Terrell en esa inolvidable declaración de intenciones llamada “Ain't no mountain high enough”, que fuera también parte de la banda sonora de “Remember the Titans”.
Me pregunto cómo hace una artista para encontrar la inspiración en el momento justo, para expresar las palabras necesarias, para manifestar sentimientos de reflexión de cosas verdaderamente importantes y que la superficialidad pase a segundo plano. Me pregunto cómo hicieron Paul Simon y Art Garfunkel para crear “Bridge over Troubled Water” y de esta manera transmitir sentimientos tan honestos y profundos, sin caer en la sensiblería barata.
Que podamos disfrutar de estos momentos de reflexión a través de la música y de canciones atemporales y que trascienden modas y estilos.
"Cuando estés triste y nerviosa,
Y necesites una mano amiga,
Y nada, nada te vaya bien,
Cierra los ojos y piensa en mí,
Y pronto estaré allí,
Para alegrar tus nubladas y oscuras noches".
No puedo negar que es una de mis canciones preferidas, que me tocó de una manera especial desde un primer momento. Lo cierto es que la música puede ser un excelente vehículo para transmitir emociones justas y nobles, para decir que el mundo puede ser mejor y que no hay “montaña lo suficientemente grande” como manifiestan Marvin Gaye y Tammi Terrell en esa inolvidable declaración de intenciones llamada “Ain't no mountain high enough”, que fuera también parte de la banda sonora de “Remember the Titans”.
Me pregunto cómo hace una artista para encontrar la inspiración en el momento justo, para expresar las palabras necesarias, para manifestar sentimientos de reflexión de cosas verdaderamente importantes y que la superficialidad pase a segundo plano. Me pregunto cómo hicieron Paul Simon y Art Garfunkel para crear “Bridge over Troubled Water” y de esta manera transmitir sentimientos tan honestos y profundos, sin caer en la sensiblería barata.
Que podamos disfrutar de estos momentos de reflexión a través de la música y de canciones atemporales y que trascienden modas y estilos.
sábado, 6 de noviembre de 2010
YESSONGS
Siempre he considerado que las actuaciones en vivo de un grupo son su prueba de fuego, es decir, que es en el directo que se puede demostrar “de la madera por la que están hechos”. Es evidente que las falencias y limitaciones de un artista, que se ven disfrazadas o cubiertas en un estudio de grabación, saltan a la vista y se perciben por los oídos, cuando los músicos o cantantes se deben enfrentar a un público, no necesariamente exigente, y también es evidente que ni la tecnología es capaz de cubrir la carencia de calidad interpretativa o voz, así como tampoco de la ejecución de los instrumentos. Ejemplo típico de esto, las actuaciones de las “Boy Band”.
Ahora, por el otro lado, encontramos a los “grupos de verdad”, ejemplos de magistral ejecución, y una clara muestra de dar lo mejor de sí. Una de estas bandas fue YES, clásica agrupación de Rock Progresivo, quienes en 1973 lanzaron el que es el mejor disco en vivo de esta corriente, y uno de los mejores de la historia en cualquier género; nos referimos – como no- al clásico "Yessongs", un álbum que se grabó durante la gira “Close To The Edge”. No es de extrañar la calidad de la grabación por varias razones, la principal de ellas, que Yes estaba conformada por una constelación de músicos: Jon Anderson en la voz, Steve Howe en guitarra, Chris Squire con el bajo, Bill Bruford tocando la batería en 2 canciones del disco, Alan White en el resto, y a cargo de los teclados el Maestro Rick Wakeman, considerado como el más destacado tecladista de rock de la historia.
Dado que el álbum contiene las mejores canciones del grupo a partir del “The Yes Album”, se podría decir que este un disco de grandes éxitos, además que las versiones en vivo son fieles – y mejores- a los temas originales en estudio. Todos los temas son excepcionales, aunque a nivel personal siempre nos queda en la memoria el solo de guitarra de Howe al final de "Siberian Khatru" y la velocidad del teclado de Wakeman en "Roundabout", por otro lado "Yours Is No Disgrace" y "Starship Trooper" son un prodigio de ejecución del grupo al completo.
Nosotros siempre nos daremos tiempo para escuchar este mágico disco, sin artificios, tan sólo música maravillosamente ejecutada.
Ahora, por el otro lado, encontramos a los “grupos de verdad”, ejemplos de magistral ejecución, y una clara muestra de dar lo mejor de sí. Una de estas bandas fue YES, clásica agrupación de Rock Progresivo, quienes en 1973 lanzaron el que es el mejor disco en vivo de esta corriente, y uno de los mejores de la historia en cualquier género; nos referimos – como no- al clásico "Yessongs", un álbum que se grabó durante la gira “Close To The Edge”. No es de extrañar la calidad de la grabación por varias razones, la principal de ellas, que Yes estaba conformada por una constelación de músicos: Jon Anderson en la voz, Steve Howe en guitarra, Chris Squire con el bajo, Bill Bruford tocando la batería en 2 canciones del disco, Alan White en el resto, y a cargo de los teclados el Maestro Rick Wakeman, considerado como el más destacado tecladista de rock de la historia.
Dado que el álbum contiene las mejores canciones del grupo a partir del “The Yes Album”, se podría decir que este un disco de grandes éxitos, además que las versiones en vivo son fieles – y mejores- a los temas originales en estudio. Todos los temas son excepcionales, aunque a nivel personal siempre nos queda en la memoria el solo de guitarra de Howe al final de "Siberian Khatru" y la velocidad del teclado de Wakeman en "Roundabout", por otro lado "Yours Is No Disgrace" y "Starship Trooper" son un prodigio de ejecución del grupo al completo.
Nosotros siempre nos daremos tiempo para escuchar este mágico disco, sin artificios, tan sólo música maravillosamente ejecutada.
lunes, 25 de octubre de 2010
ALTURAS DE MACHU PICCHU
Hoy es hora de hablar de MACHU PICCHU, pero es difícil de definir algo tan abrumador… una obra maestra del hombre, maravilla atemporal, monumento a la inteligencia del ser humano, etc., tantas frases que sirven para intentar de alguna manera calificar lo que significa un monumento, que es motivo de auténtico orgullo nacional para los peruanos, pero también para aquellos que no lo son, que al haber conocido el monumento incaico por antonomasia, se han sentido sobrecogidos con este puente que une el cielo y la tierra.
Uno de estos personajes fue el poeta chileno Pablo Neruda. Es el sentimiento de subyugación, ejercido por la grandeza de la creación humana, que él atestigua en las ruinas de Machu Picchu, en Perú, sobre el glorioso pasado indígena de América Latina, el que le lleva a escribir Alturas de Machu Picchu, en donde se tratan temas como las miserias humanas, la muerte y el dolor que la majestuosidad a menudo causa en quienes la forjan.
El poeta chileno y universal, escribió Alturas de Machu Picchu durante la década de los 40 y esto pasó a formar parte, como una sección del libro de poesía Canto General, publicado en 1950.
Ahora bien, ¿qué relación existe entre Alturas de Machu Picchu de Neruda y la música?, pues que este poema llegó a ser musicalizado en 1981, a través del disco del mismo nombre, que era el séptimo álbum de estudio de la mítica banda chilena Los Jaivas, un grupo que hizo una notable fusión de ritmos folklóricos latinoamericanos con rock progresivo. El disco, que fue realizado a insistencia del productor peruano Daniel Camino, es realmente excepcional, además de fiel al contenido del poema original del artista. Es necesario resaltar, en este caso, un tema antológico llamado "La Poderosa Muerte", con una duración de 11:12 min. que extrae líricas de varios cantos del poema, y se compone de ritmos y estilos variados, incorporando extractos de marchas, cuecas y rock progresivo, entre otros, unidos por solos extensos de guitarra eléctrica, piano y teclado minimoog, además de la extraordinaria percusión a cargo del legendario Gabriel Parra.
Pero si el disco es magistral, también lo es el especial televisivo, que Los Jaivas realizaron en 1981, en Machu Picchu, y que se llevó a cabo por medio de una co-producción de Canal 13 de Chile y Radio Televisión Peruana entre el 9 y el 12 de septiembre de 1981, y estrenado el 8 de octubre del mismo año. Este programa que se ha llegado a convertir en un documento histórico. Habría que añadir, que el especial contó con la presentación del famoso novelista Mario Vargas Llosa.
El video de este mítico programa televisivo es impresionante, desde varios puntos de vista. Para empezar, la majestuosidad del recinto, por otro lado, la alta calidad de las imágenes, fotografía, edición y post-producción no deja resquicio a ninguna duda, estamos frente a una OBRA MAESTRA.
Para terminar, unas palabras del poeta: “ Machu Picchu se reveló ante mí como el perdurar de la razón por encima del delirio, y la ausencia de sus habitantes, de sus creadores, el misterio de su origen y de silenciosa tenacidad, desencadenaron para mí la lección del orden, que el hombre puede establecer a través de los siglos con su voluntad solidaria...”
Uno de estos personajes fue el poeta chileno Pablo Neruda. Es el sentimiento de subyugación, ejercido por la grandeza de la creación humana, que él atestigua en las ruinas de Machu Picchu, en Perú, sobre el glorioso pasado indígena de América Latina, el que le lleva a escribir Alturas de Machu Picchu, en donde se tratan temas como las miserias humanas, la muerte y el dolor que la majestuosidad a menudo causa en quienes la forjan.
El poeta chileno y universal, escribió Alturas de Machu Picchu durante la década de los 40 y esto pasó a formar parte, como una sección del libro de poesía Canto General, publicado en 1950.
Ahora bien, ¿qué relación existe entre Alturas de Machu Picchu de Neruda y la música?, pues que este poema llegó a ser musicalizado en 1981, a través del disco del mismo nombre, que era el séptimo álbum de estudio de la mítica banda chilena Los Jaivas, un grupo que hizo una notable fusión de ritmos folklóricos latinoamericanos con rock progresivo. El disco, que fue realizado a insistencia del productor peruano Daniel Camino, es realmente excepcional, además de fiel al contenido del poema original del artista. Es necesario resaltar, en este caso, un tema antológico llamado "La Poderosa Muerte", con una duración de 11:12 min. que extrae líricas de varios cantos del poema, y se compone de ritmos y estilos variados, incorporando extractos de marchas, cuecas y rock progresivo, entre otros, unidos por solos extensos de guitarra eléctrica, piano y teclado minimoog, además de la extraordinaria percusión a cargo del legendario Gabriel Parra.
Pero si el disco es magistral, también lo es el especial televisivo, que Los Jaivas realizaron en 1981, en Machu Picchu, y que se llevó a cabo por medio de una co-producción de Canal 13 de Chile y Radio Televisión Peruana entre el 9 y el 12 de septiembre de 1981, y estrenado el 8 de octubre del mismo año. Este programa que se ha llegado a convertir en un documento histórico. Habría que añadir, que el especial contó con la presentación del famoso novelista Mario Vargas Llosa.
El video de este mítico programa televisivo es impresionante, desde varios puntos de vista. Para empezar, la majestuosidad del recinto, por otro lado, la alta calidad de las imágenes, fotografía, edición y post-producción no deja resquicio a ninguna duda, estamos frente a una OBRA MAESTRA.
Para terminar, unas palabras del poeta: “ Machu Picchu se reveló ante mí como el perdurar de la razón por encima del delirio, y la ausencia de sus habitantes, de sus creadores, el misterio de su origen y de silenciosa tenacidad, desencadenaron para mí la lección del orden, que el hombre puede establecer a través de los siglos con su voluntad solidaria...”
lunes, 11 de octubre de 2010
MR. LUCKY... MR. MANCINI
En escena un hombre tecleando una vieja máquina de escribir, con muchos papeles arrugados en el piso, ¿qué ha escrito?, lo siguiente: “There was once a lovely, very frightened girl. She lived alone except for a nameless cat “/ Había una vez una chica encantadora, muy asustada. Vivía sola a excepción de un gato sin nombre. De pronto, los acordes de una guitarra se empezaban a escuchar, acompañados de una dulce voz femenina “Moon River”, es lo que primero se oye, y el escritor deja lo que está haciendo para asomarse por la ventana del departamento neoyorkino, y averiguar de dónde viene la melodía tan atrayente. En el piso inferior, una hermosa mujer, con una guitarra, sentada en el borde de su ventana e interpretando una de las canciones más hermosas en la historia del cine. La escena –inmortal- pertenece a la película de Blake Edwars “Breakfast at Tiffany's”. La mujer que se ve en escena, era la inigualable –hasta ahora- Audrey Hepburn, quien interpretaba un tema pensado en ella y compuesto para ella, por el maestro Henry Mancini y Jonny Mercer.
Aunque tengo la tentación de escribir sobre nuestra idolatrada Audrey , en este caso, es de Mancini sobre quien trataremos hoy.
El músico de origen italiano, nacido en Cleveland (Ohio)el 16 de abril de 1924, y que curiosamente comenzó a trabajar en películas de serie B de los estudios Universal en 1952, hizo historia al componer algunas de las bandas sonoras más importantes en el cine y la televisión. Basta con citar algunos de sus temas más emblemáticos: Breakfast At Tiffany's , Pink Panther Theme , Days Of Wine And Roses, Moon River, Peter Gunn, Two for the Road, Lujon, Natalie, Mr. Lucky y un largo etcétera. También es conocida su colaboración con grandes cineastas como Orson Welles, Blake Edwards, Stanley Donen o Howard Hawks, ganando un total de 4 premios Oscar y 20 Grammys.
Un detalle sobre Mancini es que fue el primer compositor cinematográfico que trascendió la pantalla, para ser conocido por el gran público, y de hecho, el músico llegó a ser tan famoso como cualquiera de las estrellas de cine que actuaban en las películas a la que él les ponía la banda sonora. Es en los años 60 en que alcanza su máxima popularidad, sin embargo siguió haciendo trabajos hasta los años 70, 80 e inclusive los 90.
Debo confesar mi devoción por este maestro de la música, estupendo pianista, director y arreglista, a quien he tenido el gusto de escuchar desde niño, a través de maravillosas películas y discos. El legado dejado por Mancini (fallecido en 1994) es sencillamente incomparable. Para terminar un fragmento de “Moon River”:
“Moon River, wider than a mile,
I'm crossing you in style some day.
Oh, dream maker, you heart breaker,
wherever you're going I'm going your way“
Aunque tengo la tentación de escribir sobre nuestra idolatrada Audrey , en este caso, es de Mancini sobre quien trataremos hoy.
El músico de origen italiano, nacido en Cleveland (Ohio)el 16 de abril de 1924, y que curiosamente comenzó a trabajar en películas de serie B de los estudios Universal en 1952, hizo historia al componer algunas de las bandas sonoras más importantes en el cine y la televisión. Basta con citar algunos de sus temas más emblemáticos: Breakfast At Tiffany's , Pink Panther Theme , Days Of Wine And Roses, Moon River, Peter Gunn, Two for the Road, Lujon, Natalie, Mr. Lucky y un largo etcétera. También es conocida su colaboración con grandes cineastas como Orson Welles, Blake Edwards, Stanley Donen o Howard Hawks, ganando un total de 4 premios Oscar y 20 Grammys.
Un detalle sobre Mancini es que fue el primer compositor cinematográfico que trascendió la pantalla, para ser conocido por el gran público, y de hecho, el músico llegó a ser tan famoso como cualquiera de las estrellas de cine que actuaban en las películas a la que él les ponía la banda sonora. Es en los años 60 en que alcanza su máxima popularidad, sin embargo siguió haciendo trabajos hasta los años 70, 80 e inclusive los 90.
Debo confesar mi devoción por este maestro de la música, estupendo pianista, director y arreglista, a quien he tenido el gusto de escuchar desde niño, a través de maravillosas películas y discos. El legado dejado por Mancini (fallecido en 1994) es sencillamente incomparable. Para terminar un fragmento de “Moon River”:
“Moon River, wider than a mile,
I'm crossing you in style some day.
Oh, dream maker, you heart breaker,
wherever you're going I'm going your way“
lunes, 4 de octubre de 2010
AZNAVOURIAN
¡MONTMARTRE!, el nombre evoca tantas cosas…La Basílica del Sacré Coeur, el impresionismo, y la cuna de artistas como Pablo Picasso, Amedeo Modigliani , Henri Matisse…la bohemia parisina, restaurantes como el Café des 2 Moulins y cabarets como el Moulin Rouge y el Lapin Agile. El barrio se prolonga de Place Pigalle hasta la Iglesia de Sacré Coeur. En él también se encuentra el famoso Cementerio de Montmartre, en donde descansan François Truffaut, Stendhal, entre otras personalidades. Nadie pudo retratar este barrio histórico, como lo hizo Shahnourh Varinag Aznavourian, más conocido como Charles Aznavour (París, Francia, 22 de mayo de 1924), en esa inmortal canción llamada “La Boheme”. Aquí parte de la letra:
Je vous parle d'un temps
Que les moins de vingt ans
Ne peuvent pas connaître
Montmartre en ce temps-là
Accrochait ses lilas
Jusque sous nos fenêtres
Et si l'humble garni
Qui nous servait de nid
Ne payait pas de mine
C'est là qu'on s'est connu
Moi qui criait famine
Et toi qui posais nue
La bohème, la bohème
Ça voulait dire on est heureux
La bohème, la bohème
Nous ne mangions qu'un jour sur deux
Llama enormemente la atención los gestos que el artista francés (de origen armenio) utiliza cuando interpreta esta obra magna: la mano con la servilleta limpiando un vaso imaginario…cuando simula estar pintando un cuadro, etc. Todo ello no es más que una suma de los recuerdos en la vida de un pintor, de un barrio que ha dejado de ser. Nadie mejor que el maestro Aznavourian para representar un estilo, un barrio, una ciudad, y un estilo de cantar.
Amigo de Edith Piaf, su carrera tuvo comienzos muy difíciles a inicios de los años 40, aunque hoy parezca difícil de creerlo. Hoy, es un embajador de la música francesa, mundialmente reconocido y querido a partes iguales. Esperemos seguir disfrutando de su magia.
Je vous parle d'un temps
Que les moins de vingt ans
Ne peuvent pas connaître
Montmartre en ce temps-là
Accrochait ses lilas
Jusque sous nos fenêtres
Et si l'humble garni
Qui nous servait de nid
Ne payait pas de mine
C'est là qu'on s'est connu
Moi qui criait famine
Et toi qui posais nue
La bohème, la bohème
Ça voulait dire on est heureux
La bohème, la bohème
Nous ne mangions qu'un jour sur deux
Llama enormemente la atención los gestos que el artista francés (de origen armenio) utiliza cuando interpreta esta obra magna: la mano con la servilleta limpiando un vaso imaginario…cuando simula estar pintando un cuadro, etc. Todo ello no es más que una suma de los recuerdos en la vida de un pintor, de un barrio que ha dejado de ser. Nadie mejor que el maestro Aznavourian para representar un estilo, un barrio, una ciudad, y un estilo de cantar.
Amigo de Edith Piaf, su carrera tuvo comienzos muy difíciles a inicios de los años 40, aunque hoy parezca difícil de creerlo. Hoy, es un embajador de la música francesa, mundialmente reconocido y querido a partes iguales. Esperemos seguir disfrutando de su magia.
lunes, 27 de septiembre de 2010
FORREST, FORREST GUMP
Tengo que confesar que Tom Hanks como actor nunca me ha gustado, pero hizo algo en 1994 que me replanteó la imagen que de él tenía. Eso que realizó tiene nombre y es “Forrest Gump”, la película dirigida por Robert Zemeckis (el mismo director de “Back to the Future”), y producida por la Paramount, que narraba parte de la historia americana reciente, aunque no es cualquier etapa, es tal vez la más trascendente.
Visto desde un punto de vista, se podría decir que el filme –ganador de 6 premios Oscar ,entre ellos , el de mejor película, mejor director (Robert Zemeckis), y mejor actor (Tom Hanks)- por momentos se convierte en una especie de documento histórico, si tomamos en cuenta que está ambientada durante los turbulentos años 60, en la que se hace grandes referencias a citas históricas como “La Marcha sobre Washington”, “Woodstock” o La Guerra de Vietnam, además de la segregación racial que devino en enormes manifestaciones en los Estados Unidos de aquél entonces, pasando luego a relatar acontecimientos fundamentales de los 70, como el caso “Watergate” y la caída de Richard Nixon.
Para los que amamos la historia, esta película es un “pastel”, pero para los que tenemos a la música como nuestro referente artístico, este largometraje es sencillamente inolvidable, debido a su banda sonora, que es una de la mejores de la historia, una verdadera joya. Podemos mencionar algunas canciones del soundtrack, como por ejemplo: Turn! Turn! Turn!, Mrs. Robinson, California Dreamin', Blowin' In The Wind, Sweet Home Alabama, Respect, Land Of 1000 Dances, San Francisco, etc., por otro lado, los dos encuentros con Elvis Presley y John Lennon, en especial el de este último, son de antología.
Lo cierto es que estos temas y otros contenidos en la B.S.O. de esta producción, reflejan claramente el tipo de música que se escuchaba en aquellos tiempos, y por ende, la clase de gustos que tenía la gente, así como lo que significaban la letras y su contenido para los jóvenes que estás representados en este filme, como por ejemplo “San Francisco”, interpretada por Scott McKenzie, un tema emblemático de los años 60 y en especial de la cultura “Hippie”, que esta película retrata de manera tan acertada.
Este filme es un viaje que nos transporta a una época inmejorable, en la que el talento sí era necesario para crear ¡y qué creaciones!, para quienes aún no la han visto, se la recomendamos.
Visto desde un punto de vista, se podría decir que el filme –ganador de 6 premios Oscar ,entre ellos , el de mejor película, mejor director (Robert Zemeckis), y mejor actor (Tom Hanks)- por momentos se convierte en una especie de documento histórico, si tomamos en cuenta que está ambientada durante los turbulentos años 60, en la que se hace grandes referencias a citas históricas como “La Marcha sobre Washington”, “Woodstock” o La Guerra de Vietnam, además de la segregación racial que devino en enormes manifestaciones en los Estados Unidos de aquél entonces, pasando luego a relatar acontecimientos fundamentales de los 70, como el caso “Watergate” y la caída de Richard Nixon.
Para los que amamos la historia, esta película es un “pastel”, pero para los que tenemos a la música como nuestro referente artístico, este largometraje es sencillamente inolvidable, debido a su banda sonora, que es una de la mejores de la historia, una verdadera joya. Podemos mencionar algunas canciones del soundtrack, como por ejemplo: Turn! Turn! Turn!, Mrs. Robinson, California Dreamin', Blowin' In The Wind, Sweet Home Alabama, Respect, Land Of 1000 Dances, San Francisco, etc., por otro lado, los dos encuentros con Elvis Presley y John Lennon, en especial el de este último, son de antología.
Lo cierto es que estos temas y otros contenidos en la B.S.O. de esta producción, reflejan claramente el tipo de música que se escuchaba en aquellos tiempos, y por ende, la clase de gustos que tenía la gente, así como lo que significaban la letras y su contenido para los jóvenes que estás representados en este filme, como por ejemplo “San Francisco”, interpretada por Scott McKenzie, un tema emblemático de los años 60 y en especial de la cultura “Hippie”, que esta película retrata de manera tan acertada.
Este filme es un viaje que nos transporta a una época inmejorable, en la que el talento sí era necesario para crear ¡y qué creaciones!, para quienes aún no la han visto, se la recomendamos.
viernes, 10 de septiembre de 2010
TEARS FOR FEARS
Quiero ser honesto en decirles que al pensar en esta nueva edición del blog, lo hice para escribir sobre la corriente llamada "New Romantic", de hecho lo estuve haciendo, hasta que me topé con el nombre de “Tears For Fears”, como uno de los exponentes de esta corriente, craso error, porque este dúo era más que ello, era más que muchas de las bandas de los años 80 que he conocido, sencillamente uno de los mejores grupos de tan espectacular década. Esta estupenda banda nació en 1981, y estuvo conformada desde su inicio por Curt Smith y Roland Orzábal, los rostros visibles del grupo, en el que también participaron el teclista Ian Stanley y el batería Manny Elías.
Hace años llegó a mis manos, una cinta con la música de ése gran disco llamado “Song of Big Chair”, publicado en 1985 que contenía los super hits "Shout" y "Everybody Wants to Rule the World" (Nº 1 en el mundo entero), además de mi preferida del álbum, me refiero a Head over Heels. Al respecto de esta grabación, habría que apuntar que fue el segundo disco del grupo, el mismo que los convirtió en una celebridad global y en la banda más importante del mundo durante un breve tiempo.
Este disco -sin fisuras y con temas brillantes- está considerado como uno de los mejores álbumes pop de los 80. La música electrónica también podía ser sensible y cerebral, ello quedó demostrado ampliamente, además del enorme talento de Orzábal como compositor. Aunque la sinergia se terminó por el excesivo protagonismo de éste último
A mediados de 1989 lanzan el que sería su segundo disco multiventas llamado "The Seeds of Love", comercial y criticado, se le acusa de tener un aire muy beatle. En la producción de este disco, se aprecian claras influencias de jazz y blues, además de los ya mencionados Beatles, en especial en el hit “Sowing The Seeds of Love”, la canción parece un tributo a los Fab Four , y del video ¿qué se puede decir?, es más que evidente. Otro éxito del disco fue el single "Woman in Chains", en cuya grabación participaron Phil Collins –tocando la batería, claro está - y Oleta Adams al piano, quien en este tema realizó un extraordinario tándem vocal con Roland Orzábal.
Ya en solitario, las carreras profesionales de Smith y Orzábal fueron dispares, a la vez que éste último conservaba el nombre del grupo. En el año 2003 Roland Orzabal y Curt Smith decidieron regresar a trabajar juntos en la nueva producción .Para el 2004 sacaron su trabajo "Everybody Loves a Happy Ending" retornando a su sonido característico de influencia Beatle. En 2005 realizan su última producción llamada “Secret World Live in París” en formato de CD + DVD, el mismo que fue lanzado en 2006 y se convirtió en un éxito profesional y comercial.
Un grupo con ambiciones y experimental ¿resultado?, calidad enorme y atemporal.
Hace años llegó a mis manos, una cinta con la música de ése gran disco llamado “Song of Big Chair”, publicado en 1985 que contenía los super hits "Shout" y "Everybody Wants to Rule the World" (Nº 1 en el mundo entero), además de mi preferida del álbum, me refiero a Head over Heels. Al respecto de esta grabación, habría que apuntar que fue el segundo disco del grupo, el mismo que los convirtió en una celebridad global y en la banda más importante del mundo durante un breve tiempo.
Este disco -sin fisuras y con temas brillantes- está considerado como uno de los mejores álbumes pop de los 80. La música electrónica también podía ser sensible y cerebral, ello quedó demostrado ampliamente, además del enorme talento de Orzábal como compositor. Aunque la sinergia se terminó por el excesivo protagonismo de éste último
A mediados de 1989 lanzan el que sería su segundo disco multiventas llamado "The Seeds of Love", comercial y criticado, se le acusa de tener un aire muy beatle. En la producción de este disco, se aprecian claras influencias de jazz y blues, además de los ya mencionados Beatles, en especial en el hit “Sowing The Seeds of Love”, la canción parece un tributo a los Fab Four , y del video ¿qué se puede decir?, es más que evidente. Otro éxito del disco fue el single "Woman in Chains", en cuya grabación participaron Phil Collins –tocando la batería, claro está - y Oleta Adams al piano, quien en este tema realizó un extraordinario tándem vocal con Roland Orzábal.
Ya en solitario, las carreras profesionales de Smith y Orzábal fueron dispares, a la vez que éste último conservaba el nombre del grupo. En el año 2003 Roland Orzabal y Curt Smith decidieron regresar a trabajar juntos en la nueva producción .Para el 2004 sacaron su trabajo "Everybody Loves a Happy Ending" retornando a su sonido característico de influencia Beatle. En 2005 realizan su última producción llamada “Secret World Live in París” en formato de CD + DVD, el mismo que fue lanzado en 2006 y se convirtió en un éxito profesional y comercial.
Un grupo con ambiciones y experimental ¿resultado?, calidad enorme y atemporal.
martes, 31 de agosto de 2010
¡CIAO ITALIA!
"Non ho l'età, non ho l'età per amarti
Non ho l'età per uscire sola con te
E non avrei, non avrei nulla da dirti
Perchè tu sai molte più cose di me
[Refrain:]
Lascia ch'io viva un amore romantico
Nell'attesa che venga quel giorno, ma ora no
Non ho l'età, non ho l'età per amarti
Non ho l'età per uscire sola con te
Se tu vorrai, se tu vorrai aspettarmi
Quel giorno avrai tutto il mio amore per te
Lascia ch'io viva un amore romantico
Nell'attesa che venga quel giorno, ma ora no"
Esta es parte de la letra de una canción que escuché cuando niño, y que aún ahora considero que es uno de los más hermosos temas que he escuchado, la canción se llamaba -se llama- Non ho l'età (per amarti) (No tengo edad (para amarte), y con ella en 1964 Gigliola Cinquetti –la intérprete- triunfaba en el Festival de San Remo. Dos meses después ganaría con la misma canción, en el Festival de la Canción de Eurovisión, realizado en Copenhague. Ella y una brillante generación de cantantes italianos influiría de manera crucial en la música internacional de los años 50, 60 y 70.
Un dato curioso acerca de una de las gloriosas canciones de esta época, es el caso del clásico "Dio Come Ti Amo", obra maestra compuesta por Domenico Modugno (considerado como el padre de los cantautores italianos). Esta canción representó a Italia en el Festival de Eurovisión en 1966 y culminó con cero puntos, una injusticia por donde se le mire, sin embargo, la versión interpretada por Gigliola Cinquetti ha pasado a la historia, y como pocas veces sucede, la versión superó al tema original.
Muchas de estas joyas pudieron ser conocidas por su difusión a través de la lengua castellana, para lograr el éxito en Latinoamérica, no obstante, nosotros preferimos la versión en su idioma original, entre otras cosas, por la tesitura vocal de sus intérpretes.
Hablar de Italia nos remite automáticamente al arte, al estar este país íntimamente relacionado a algunas de las más hermosas manifestaciones del ser humano. En este caso la música no podría ser la excepción y grandes voces de hace algunos años, como las de Domenico Modugno , Gigliola Cinquetti , Gianni Morandi , Mina Mazzini , Nicola di Bari , Pepino di Capri, Matia Bazar, entre otros, nos enseñaron que la belleza y la calidad pueden acompañar una canción exitosa.
Este es un pequeño homenaje a esa música que me acompañó durante mi niñez…CIAO ITALIA.
Non ho l'età per uscire sola con te
E non avrei, non avrei nulla da dirti
Perchè tu sai molte più cose di me
[Refrain:]
Lascia ch'io viva un amore romantico
Nell'attesa che venga quel giorno, ma ora no
Non ho l'età, non ho l'età per amarti
Non ho l'età per uscire sola con te
Se tu vorrai, se tu vorrai aspettarmi
Quel giorno avrai tutto il mio amore per te
Lascia ch'io viva un amore romantico
Nell'attesa che venga quel giorno, ma ora no"
Esta es parte de la letra de una canción que escuché cuando niño, y que aún ahora considero que es uno de los más hermosos temas que he escuchado, la canción se llamaba -se llama- Non ho l'età (per amarti) (No tengo edad (para amarte), y con ella en 1964 Gigliola Cinquetti –la intérprete- triunfaba en el Festival de San Remo. Dos meses después ganaría con la misma canción, en el Festival de la Canción de Eurovisión, realizado en Copenhague. Ella y una brillante generación de cantantes italianos influiría de manera crucial en la música internacional de los años 50, 60 y 70.
Un dato curioso acerca de una de las gloriosas canciones de esta época, es el caso del clásico "Dio Come Ti Amo", obra maestra compuesta por Domenico Modugno (considerado como el padre de los cantautores italianos). Esta canción representó a Italia en el Festival de Eurovisión en 1966 y culminó con cero puntos, una injusticia por donde se le mire, sin embargo, la versión interpretada por Gigliola Cinquetti ha pasado a la historia, y como pocas veces sucede, la versión superó al tema original.
Muchas de estas joyas pudieron ser conocidas por su difusión a través de la lengua castellana, para lograr el éxito en Latinoamérica, no obstante, nosotros preferimos la versión en su idioma original, entre otras cosas, por la tesitura vocal de sus intérpretes.
Hablar de Italia nos remite automáticamente al arte, al estar este país íntimamente relacionado a algunas de las más hermosas manifestaciones del ser humano. En este caso la música no podría ser la excepción y grandes voces de hace algunos años, como las de Domenico Modugno , Gigliola Cinquetti , Gianni Morandi , Mina Mazzini , Nicola di Bari , Pepino di Capri, Matia Bazar, entre otros, nos enseñaron que la belleza y la calidad pueden acompañar una canción exitosa.
Este es un pequeño homenaje a esa música que me acompañó durante mi niñez…CIAO ITALIA.
lunes, 23 de agosto de 2010
GUITAR, BASS AND DRUMS
A mediados de los años 80, si algún adolescente le preguntaban por su grupo de rock preferido, la respuesta casi siempre era la misma: The Police. Era una manera de decir que uno tenía buenos gustos musicales. Lo interesante del caso, es que el trío británico era un grupo que gozaba de un enorme éxito comercial; lo que sucede, es que la música que hacían era como la películas de John Ford, hechas para el gran público pero con gran aceptación entre la crítica.
Una pregunta surge también al respecto: ¿Se puede hace buena música con tan sólo una guitarra, una bajo y una batería?, la respuesta es sí, y este grupo lo demostró a fines de los 70 e inicios de la década de los 80.
Para quienes no lo saben, The Police fue una banda de rock inglesa, que se formó en 1977 y tocaron oficialmente hasta marzo de 1984 (nunca emitieron un comunicado sobre su disolución). Estaba formada por Gordon Matthew Thomas Sumner “Sting”, voz y bajo; Andy Summers, guitarra y coros y Stewart Copeland, batería y coros. La banda tenía marcadas influencias de reggae y jazz, pero se inició tocando post- punk. Pasaron a tocar un estilo conocido como “reggae blanco” a partir de su segundo disco Reggatta de Blanc. Aunque también se les considera como parte de la corriente musical conocida como New Wave.
El trío, en sus inicios, además del cantante y bajista Sting estaba compuesto por el baterista Stewart Copeland y el guitarrista de origen francés, Henry Padovani, quien pronto sería sustituido por el experimentado Andy Summers, un músico que ya contaba con un largo recorrido en la música rock, pues había estado en bandas como The Animals o Zoot Money. Al respecto de ello, fue Summers quien dio el ultimátum para que el grupo sea un trío, ello debido a la poca experiencia de Padovani como guitarrista, lo cual limitaba la capacidad creativa del grupo.
Quisiera puntualizar que un elemento fundamental en el grupo era el baterista Stewart Copeland, uno de los mejores que he visto, con un estilo enérgico y vibrante, que calzó perfectamente en el estilo que se le imprimió al grupo, cuya influencia en colegas de su profesión es inestimable.
El primer gran éxito de grupo se llamó “Roxanne”, canción compuesta por Sting. La canción se incluyó en su primer álbum, Outlandos D’Amour(1978), sin duda uno de sus mejores trabajos y el más enérgico e inmediato, en donde sonaban clásicos como el citado “Roxanne”, “So lonely” o “Can’t stand losing you”. Aunque a nivel personal, la primera canción que conocí de la banda fue mi preferida de ellos “Message in a bottle”, tema incluido en el ya mencionado disco Regatta de Blanc (1979), LP con temas excelentes como “Message in a bottle” o “Walking on the moon”. En 1980 lanzaron Zenyattà Mondatta, el álbum que coronó a la banda también en los Estados Unidos (número 5 en el Billboard) gracias a canciones como “Don’t stand so close to me” o “De do do do, de da da da”. Estos dos últimos discos fueron co-producidos con la banda por Nigel Gray, quien había ocupado puesto de ingeniero de sonido de su debut.
En 1981 la banda gira hacia una vertiente más pop, a través del disco Ghost in the Machine (1981), un disco producido por Hugh Padgham, que incluye los singles “Spirits in the material world”, “Invisible sun” y “Every little thing she does is magic”. En 1983 lanzan Synchronicity, un disco que se consolidó como una de las obras maestras de la década de los 80, con "Every Breath You Take", que se convertiría en todo un himno de la banda y de los años 80; decir que este tema fue Nº 1 en todo el mundo, no es una exageración, es una realidad, lo mismo que afirmar que The Police llegó a ser la banda más importante de la década.
El último concierto oficial del trío en su etapa original fue el 4 de marzo de 1984 en Australia, en la última fecha de la gira del disco Synchronicity., sin embargo regresaron en 2007, con un tour mundial que confirmó que el estatus de “Megabanda” siempre estuvo con ellos.
Yo creo que si a muchos de los adolescentes de los años 80, se les volviera a hacer la misma pregunta ¿cuál es tu grupo de rock favorito?, dirían lo mismo: The Police.
Una pregunta surge también al respecto: ¿Se puede hace buena música con tan sólo una guitarra, una bajo y una batería?, la respuesta es sí, y este grupo lo demostró a fines de los 70 e inicios de la década de los 80.
Para quienes no lo saben, The Police fue una banda de rock inglesa, que se formó en 1977 y tocaron oficialmente hasta marzo de 1984 (nunca emitieron un comunicado sobre su disolución). Estaba formada por Gordon Matthew Thomas Sumner “Sting”, voz y bajo; Andy Summers, guitarra y coros y Stewart Copeland, batería y coros. La banda tenía marcadas influencias de reggae y jazz, pero se inició tocando post- punk. Pasaron a tocar un estilo conocido como “reggae blanco” a partir de su segundo disco Reggatta de Blanc. Aunque también se les considera como parte de la corriente musical conocida como New Wave.
El trío, en sus inicios, además del cantante y bajista Sting estaba compuesto por el baterista Stewart Copeland y el guitarrista de origen francés, Henry Padovani, quien pronto sería sustituido por el experimentado Andy Summers, un músico que ya contaba con un largo recorrido en la música rock, pues había estado en bandas como The Animals o Zoot Money. Al respecto de ello, fue Summers quien dio el ultimátum para que el grupo sea un trío, ello debido a la poca experiencia de Padovani como guitarrista, lo cual limitaba la capacidad creativa del grupo.
Quisiera puntualizar que un elemento fundamental en el grupo era el baterista Stewart Copeland, uno de los mejores que he visto, con un estilo enérgico y vibrante, que calzó perfectamente en el estilo que se le imprimió al grupo, cuya influencia en colegas de su profesión es inestimable.
El primer gran éxito de grupo se llamó “Roxanne”, canción compuesta por Sting. La canción se incluyó en su primer álbum, Outlandos D’Amour(1978), sin duda uno de sus mejores trabajos y el más enérgico e inmediato, en donde sonaban clásicos como el citado “Roxanne”, “So lonely” o “Can’t stand losing you”. Aunque a nivel personal, la primera canción que conocí de la banda fue mi preferida de ellos “Message in a bottle”, tema incluido en el ya mencionado disco Regatta de Blanc (1979), LP con temas excelentes como “Message in a bottle” o “Walking on the moon”. En 1980 lanzaron Zenyattà Mondatta, el álbum que coronó a la banda también en los Estados Unidos (número 5 en el Billboard) gracias a canciones como “Don’t stand so close to me” o “De do do do, de da da da”. Estos dos últimos discos fueron co-producidos con la banda por Nigel Gray, quien había ocupado puesto de ingeniero de sonido de su debut.
En 1981 la banda gira hacia una vertiente más pop, a través del disco Ghost in the Machine (1981), un disco producido por Hugh Padgham, que incluye los singles “Spirits in the material world”, “Invisible sun” y “Every little thing she does is magic”. En 1983 lanzan Synchronicity, un disco que se consolidó como una de las obras maestras de la década de los 80, con "Every Breath You Take", que se convertiría en todo un himno de la banda y de los años 80; decir que este tema fue Nº 1 en todo el mundo, no es una exageración, es una realidad, lo mismo que afirmar que The Police llegó a ser la banda más importante de la década.
El último concierto oficial del trío en su etapa original fue el 4 de marzo de 1984 en Australia, en la última fecha de la gira del disco Synchronicity., sin embargo regresaron en 2007, con un tour mundial que confirmó que el estatus de “Megabanda” siempre estuvo con ellos.
Yo creo que si a muchos de los adolescentes de los años 80, se les volviera a hacer la misma pregunta ¿cuál es tu grupo de rock favorito?, dirían lo mismo: The Police.
martes, 17 de agosto de 2010
CARLOS DEVADIP
A mediados de los años 80, tuve la fortuna de oír una extraordinaria canción instrumental, a través de la radio – cuando valía la pena escucharla -, el detalle era el estilo de rock con fusiones de ritmos típicamente latinos y un solo de guitarra que no me cansaría de escuchar. Años después supe el nombre el guitarrista y de la canción, el artista era Carlos “Devadip” Santana y el tema “Moonflower”.
Por medio de unos amigos llegué a conocer un poco más sobre este enorme artista y luego por cuenta mía, aprendí sobre la trayectoria y el talento de este genio, nacido como Carlos Augusto Santana Alves en Autlán de Navarro, Jalisco, México, el 20 de julio de 1947.
Santana alcanzó el estatus de leyenda gracias a la memorable actuación de su banda en el “Festival de Woodstock” y que según una insulsa lista de la revista Rolling Stone está considerado el 15.º guitarrista de todos los tiempos, aunque en nuestra opinión está varios escalones arriba.
Virtuosismo aparte, creo que uno de los aciertos del guitarrista ha sido elegir muy bien a los músicos que le acompañaron, en especial su baterista más destacado, me refiero a Mike Shrieve, quien en el legendario “Woodstock” contaba con apenas 20 años, y que hizo en “Soul Sacrifice” uno de los mejores solos de batería de la historia y que junto con el bajista Dave Brown , sentaron las bases de la que llegaría a ser una de las secciones rítmicas más sólidas que haya conocido la música. Muy bien acompañados en el teclado por Greg Rolie y en los timbales y la congas por Mike Carabello y por el nicaragüense José "Chepito" Areas .
Durante los años 70, Santana tuvo una intensa actividad artística, en este período Santana adoptó el nombre "Devadip", conferido por el líder espiritual Sri Chinmoy.
En setiembre de 1970, sacó al mercado su álbum más famoso, el mítico “Abraxas”, un disco que fue una mezcla de varios estilos como rock, blues, jazz y salsa, convertido además en un clásico que definió el sonido de Santana y mostró una madurez musical definitiva. Este disco incluye unos superéxitos como “Black Magic Woman”, “Samba Pa Ti” y “Oye Como Va”
Santana editó varios discos entre 1970 y 1980, incluyendo colaboraciones con John Lee Hooker, Willie Nelson, Herbie Hancock, Booker T. Jones, Wayne Shorter, Ron Carter y The Fabulous Thunderbirds.
Aunque en la década de los 80 continuó haciendo giras, dejó de estar en la “cresta de la ola”, el artista surgió de nuevo en 1999 con el lanzamiento de Supernatural, que incluyó colaboraciones con Rob Thomas, Eric Clapton, Lauryn Hill, Wyclef Jean, Dave Matthews, y el grupo mexicano Maná. La intervención de Maná en el disco acompañando a la guitarra se debió a su buena relación con Fher Olvera. Supernatural se hizo platino 25 veces, fue el álbum de Santana de mayor venta, alcanzando número uno en la lista Billboard y manteniendo esa posición por 12 meses y ganando nueve Premios Grammy.
Para terminar una declaración de Carlos Santana: “La música es la unión de dos amantes: melodía y ritmo. La melodía es la mujer, y el ritmo es el hombre”.
Por medio de unos amigos llegué a conocer un poco más sobre este enorme artista y luego por cuenta mía, aprendí sobre la trayectoria y el talento de este genio, nacido como Carlos Augusto Santana Alves en Autlán de Navarro, Jalisco, México, el 20 de julio de 1947.
Santana alcanzó el estatus de leyenda gracias a la memorable actuación de su banda en el “Festival de Woodstock” y que según una insulsa lista de la revista Rolling Stone está considerado el 15.º guitarrista de todos los tiempos, aunque en nuestra opinión está varios escalones arriba.
Virtuosismo aparte, creo que uno de los aciertos del guitarrista ha sido elegir muy bien a los músicos que le acompañaron, en especial su baterista más destacado, me refiero a Mike Shrieve, quien en el legendario “Woodstock” contaba con apenas 20 años, y que hizo en “Soul Sacrifice” uno de los mejores solos de batería de la historia y que junto con el bajista Dave Brown , sentaron las bases de la que llegaría a ser una de las secciones rítmicas más sólidas que haya conocido la música. Muy bien acompañados en el teclado por Greg Rolie y en los timbales y la congas por Mike Carabello y por el nicaragüense José "Chepito" Areas .
Durante los años 70, Santana tuvo una intensa actividad artística, en este período Santana adoptó el nombre "Devadip", conferido por el líder espiritual Sri Chinmoy.
En setiembre de 1970, sacó al mercado su álbum más famoso, el mítico “Abraxas”, un disco que fue una mezcla de varios estilos como rock, blues, jazz y salsa, convertido además en un clásico que definió el sonido de Santana y mostró una madurez musical definitiva. Este disco incluye unos superéxitos como “Black Magic Woman”, “Samba Pa Ti” y “Oye Como Va”
Santana editó varios discos entre 1970 y 1980, incluyendo colaboraciones con John Lee Hooker, Willie Nelson, Herbie Hancock, Booker T. Jones, Wayne Shorter, Ron Carter y The Fabulous Thunderbirds.
Aunque en la década de los 80 continuó haciendo giras, dejó de estar en la “cresta de la ola”, el artista surgió de nuevo en 1999 con el lanzamiento de Supernatural, que incluyó colaboraciones con Rob Thomas, Eric Clapton, Lauryn Hill, Wyclef Jean, Dave Matthews, y el grupo mexicano Maná. La intervención de Maná en el disco acompañando a la guitarra se debió a su buena relación con Fher Olvera. Supernatural se hizo platino 25 veces, fue el álbum de Santana de mayor venta, alcanzando número uno en la lista Billboard y manteniendo esa posición por 12 meses y ganando nueve Premios Grammy.
Para terminar una declaración de Carlos Santana: “La música es la unión de dos amantes: melodía y ritmo. La melodía es la mujer, y el ritmo es el hombre”.
lunes, 2 de agosto de 2010
WOODSTOCK...la utopía de la eterna libertad.
Alrededor de 1987, escuché a través de un programa de radio un asunto, que era relativo a un concurso para obtener entradas al cine, y con ellas asistir al estreno de la película llamada “WOODSTOCK”. Curiosamente un restaurante llevaba tal nombre. La publicidad –pésima- , anunciaba una suerte de concierto con las mejores canciones de los años ¿70?, bueno lo cierto es que esto alimentó enormemente mi curiosidad con respecto a este tema, a este evento.
El festival de música y arte de Woodstock (Woodstock. 3 Days of Peace & Music) NO ES uno de los festivales de rock más famosos de la historia –como lo dice Wikipedia-, ES EL MAS FAMOSO DE TODOS LOS TIEMPOS, sin ninguna duda.
Este evento Tuvo lugar en una granja de Bethel, Nueva York, los días 15, 16 y 17 de agosto de 1969. El festival tiene el nombre de Woodstock porque inicialmente estaba programado para que tuviese lugar en el pueblo de Woodstock en Ulster County, Estado de Nueva York. La población local siempre se opuso al evento, pero Sam Yasgur convenció a su padre, Max Yasgur, para acoger al concierto en los terrenos de la familia, localizados en Sullivan County, también en el Estado de Nueva York.
Esta granja congregó a más de medio millón de personas, aunque inicialmente se esperaban 60.000, según los organizadores.
Woodstock es la eclosión, la cima y el fin de lo que significó lo contracultura en los Estados Unidos. Los asistentes fueron la confirmación de un movimiento que cambió una sociedad norteamericana hastiada de las guerras, que pregonaba la paz y el amor como forma de vida, un movimiento llamado de forma despectiva Hippie (que es una variante de hipster, "el que siempre quiere estar al paso de las últimas tendencias") Los asistentes fueron los verdaderos exponentes del "Flower Power" o también llamados los “Hijos de las Flores”.
Este festival se convirtió además en el asombroso emblema de una generación de jóvenes estadounidenses que, en plena guerra de Vietnam, renegaba del sistema y pregonaba la paz, el amor, la música y las drogas como forma de vida.
El Festival de Woodstock dejó un legado que va más allá de la música y la vestimenta, más allá de los pantalones acampanados que en su momento volvieron.
¿Qué artistas asistieron a este acontecimiento histórico?, entre los más famosos, citamos a : Jimi Hendrix, Jefferson Airplane, Janis Joplin, Joan Baez, The Who , Creedence Clearwater Revival, Crosby, Stills, Nash & Young , Grateful Dead, Ten Years After, Carlos Santana, Joe Cocker, entre otros.
¿Quiénes faltaron?, en nuestra opinión, creo que los más notables ausentes fueron Bob Dylan y The Doors.
¿Los mejores momentos?, para nosotros, los conciertos de Santana y de Jefferson Airplane, con la imponente Grace Slick al frente, ¿el momento crucial? cuando Jimi Hendrix tocó el himno estadounidense con sólo una guitarra eléctrica durante el festival para demostrar que, aunque estuvieran en contra de la política militar de su país, seguían siendo estadounidenses,
WOODSTOCK, el festival, el mito, el acto histórico, en fin, el festival de música por antonomasia.
El festival de música y arte de Woodstock (Woodstock. 3 Days of Peace & Music) NO ES uno de los festivales de rock más famosos de la historia –como lo dice Wikipedia-, ES EL MAS FAMOSO DE TODOS LOS TIEMPOS, sin ninguna duda.
Este evento Tuvo lugar en una granja de Bethel, Nueva York, los días 15, 16 y 17 de agosto de 1969. El festival tiene el nombre de Woodstock porque inicialmente estaba programado para que tuviese lugar en el pueblo de Woodstock en Ulster County, Estado de Nueva York. La población local siempre se opuso al evento, pero Sam Yasgur convenció a su padre, Max Yasgur, para acoger al concierto en los terrenos de la familia, localizados en Sullivan County, también en el Estado de Nueva York.
Esta granja congregó a más de medio millón de personas, aunque inicialmente se esperaban 60.000, según los organizadores.
Woodstock es la eclosión, la cima y el fin de lo que significó lo contracultura en los Estados Unidos. Los asistentes fueron la confirmación de un movimiento que cambió una sociedad norteamericana hastiada de las guerras, que pregonaba la paz y el amor como forma de vida, un movimiento llamado de forma despectiva Hippie (que es una variante de hipster, "el que siempre quiere estar al paso de las últimas tendencias") Los asistentes fueron los verdaderos exponentes del "Flower Power" o también llamados los “Hijos de las Flores”.
Este festival se convirtió además en el asombroso emblema de una generación de jóvenes estadounidenses que, en plena guerra de Vietnam, renegaba del sistema y pregonaba la paz, el amor, la música y las drogas como forma de vida.
El Festival de Woodstock dejó un legado que va más allá de la música y la vestimenta, más allá de los pantalones acampanados que en su momento volvieron.
¿Qué artistas asistieron a este acontecimiento histórico?, entre los más famosos, citamos a : Jimi Hendrix, Jefferson Airplane, Janis Joplin, Joan Baez, The Who , Creedence Clearwater Revival, Crosby, Stills, Nash & Young , Grateful Dead, Ten Years After, Carlos Santana, Joe Cocker, entre otros.
¿Quiénes faltaron?, en nuestra opinión, creo que los más notables ausentes fueron Bob Dylan y The Doors.
¿Los mejores momentos?, para nosotros, los conciertos de Santana y de Jefferson Airplane, con la imponente Grace Slick al frente, ¿el momento crucial? cuando Jimi Hendrix tocó el himno estadounidense con sólo una guitarra eléctrica durante el festival para demostrar que, aunque estuvieran en contra de la política militar de su país, seguían siendo estadounidenses,
WOODSTOCK, el festival, el mito, el acto histórico, en fin, el festival de música por antonomasia.
sábado, 17 de julio de 2010
PET SOUNDS...GREAT SOUNDS
Hace un tiempo vi una las películas que me marcaría, era de Billy Wilder, y se llamaba “Double Indemnity”; imposible abstraerse y dejar de verla las casi 2 horas que duraba, y a propósito de esto, surge la pregunta: ¿es posible escuchar un disco que te haga por un momento olvidarte del entorno que te rodea y centrarte únicamente en la melodía que escuchas?, eso exactamente me ocurrió con “Pet Sounds” , el mítico disco de los Beach Boys, o mejor dicho la obra más personal de Brian Wilson. Esta OBRA MAESTRA es parecida a algunas películas antiguas, denostadas por el público en su estreno, pero con una “extraordinaria madurez”, más grande y más valorada con el paso del tiempo.
La temática de "los coches, las chicas y la playa", fórmula que exitosamente había marcado la carrera del grupo hasta ese momento, desaparecían para siempre, para dar paso a sonidos y composiciones más complejas.
Una de las mayores influencias de esta epopeya musical en toda regla fue que The Beatles dijeron que “Pet Sounds” tuvo una gran influencia al construir ellos su conocido álbum conceptual "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band". El productor de The Beatles, George Martin, dijo que "sin Pet Sounds no hubiera existido el Sgt. Pepper's", afirmando asimismo que el Sgt. Pepper's solo fue un intento de alcanzar el nivel de Pet Sounds. El miembro de The Beatles, Paul McCartney, lo ha colocado como uno de sus álbumes favoritos diciendo sobre él:
"Pet Sounds fue realmente impresionante. Me encanta este álbum. Le he comprado a cada uno de mis hijos una copia de este disco. Creo que nadie puede tener una educación musical si no ha escuchado este álbum. Me gusta la orquesta, los arreglos y tal vez va a parecer exagerado si digo que este disco es el clásico del siglo, pero para mí es sin duda un disco clásico que es inmejorable en muchos sentidos. Creo que fue realmente la gran influencia que me hizo grabar el Sgt. Pepper's.”
En una oportunidad, hablando en un programa especial para Radio 1, McCartney confesó que le es imposible controlar sus emociones cada vez que escucha el disco y que rompe a llorar cuando escucha “God Only Knows”, su canción preferida.
Le entendemos perfectamente, es imposible para nosotros dejar de emocionarnos cada vez que escuchamos este antológico tema.
Una de las técnicas utilizadas por Brian Wilson en el álbum fue un refinamiento de la famosa técnica Wall of Sound del productor Phil Spector, que se conseguía mezclando muchos instrumentos y voces creando el efecto de una inmensa capa de sonido.
Armonías vocales, efectos de sonido, e instrumentos no convencionales, tales como instrumentos árabes, electroteremines, timbres de bicicleta, campanas, botes y botellas de Coca-cola, y ladridos de perro; esto junto con los teclados y guitarras más habituales, clavicordios, sonido barroco, etc., todo ello grabado en sonido monoaural.
La influencia de este disco se puede ver en artista como Elton John, R.E.M. o The Corrs, no nos extraña, siempre en cualquier lista de los mejores discos de la historia, este álbum se ubica en el primer lugares o en los Top 5, así de simple y maravilloso este disco...UNA OBRA MAESTRA DE TODOS LOS TIEMPOS.
La temática de "los coches, las chicas y la playa", fórmula que exitosamente había marcado la carrera del grupo hasta ese momento, desaparecían para siempre, para dar paso a sonidos y composiciones más complejas.
Una de las mayores influencias de esta epopeya musical en toda regla fue que The Beatles dijeron que “Pet Sounds” tuvo una gran influencia al construir ellos su conocido álbum conceptual "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band". El productor de The Beatles, George Martin, dijo que "sin Pet Sounds no hubiera existido el Sgt. Pepper's", afirmando asimismo que el Sgt. Pepper's solo fue un intento de alcanzar el nivel de Pet Sounds. El miembro de The Beatles, Paul McCartney, lo ha colocado como uno de sus álbumes favoritos diciendo sobre él:
"Pet Sounds fue realmente impresionante. Me encanta este álbum. Le he comprado a cada uno de mis hijos una copia de este disco. Creo que nadie puede tener una educación musical si no ha escuchado este álbum. Me gusta la orquesta, los arreglos y tal vez va a parecer exagerado si digo que este disco es el clásico del siglo, pero para mí es sin duda un disco clásico que es inmejorable en muchos sentidos. Creo que fue realmente la gran influencia que me hizo grabar el Sgt. Pepper's.”
En una oportunidad, hablando en un programa especial para Radio 1, McCartney confesó que le es imposible controlar sus emociones cada vez que escucha el disco y que rompe a llorar cuando escucha “God Only Knows”, su canción preferida.
Le entendemos perfectamente, es imposible para nosotros dejar de emocionarnos cada vez que escuchamos este antológico tema.
Una de las técnicas utilizadas por Brian Wilson en el álbum fue un refinamiento de la famosa técnica Wall of Sound del productor Phil Spector, que se conseguía mezclando muchos instrumentos y voces creando el efecto de una inmensa capa de sonido.
Armonías vocales, efectos de sonido, e instrumentos no convencionales, tales como instrumentos árabes, electroteremines, timbres de bicicleta, campanas, botes y botellas de Coca-cola, y ladridos de perro; esto junto con los teclados y guitarras más habituales, clavicordios, sonido barroco, etc., todo ello grabado en sonido monoaural.
La influencia de este disco se puede ver en artista como Elton John, R.E.M. o The Corrs, no nos extraña, siempre en cualquier lista de los mejores discos de la historia, este álbum se ubica en el primer lugares o en los Top 5, así de simple y maravilloso este disco...UNA OBRA MAESTRA DE TODOS LOS TIEMPOS.
jueves, 8 de julio de 2010
MUSICO, POETA Y SOBRE TODO ... LATINOAMERICANO
Hace unos años recibí como regalo de cumpleaños un libro, que para mí es una joya; una compilación de algunos de los mejores discos de la historia, sin embargo de entre tantas obras, sólo una es en lengua castellana, el disco al que me refiero se llama "Siembra" y fue una creación de dos músicos de categoría superior, el panameño Rubén Blades y el neoyorquino de raíces puertorriqueñas Willie Colón.
En este álbum hay una canción que es -como lo dijo Blades en el concierto de Amnistía Internacional en Caracas – es “la canción”, este tema es “Pedro Navaja”, además este disco era para muchos jóvenes latinoamericanos de 1979, una especie de voz representativa de los anhelos, esperanzas y desesperanzas que les invadían en aquellos tiempos, aunque canciones como “Plástico” son atemporales, por la letra, tan vigente en 1979 como en el 2010, ésta última canción es la exhortación a que una América Latina unida despierte y cumpla el sueño de hispanoamericanismo de Simón Bolívar. Este disco marca un antes y un después para entender el género musical mal llamado “Salsa”.
La mayoría de las letras son autoría de Rubén Blades, conocido como “el intelectual de la salsa”, por sus canciones y su compromiso social, como la letra de “Pablo Pueblo” que escribió hace más de 4 décadas, pero que representa una realidad que no ha cambiado un ápice.
Como solista tuvo un enorme éxito con su ópera "Maestra Vida", que fue publicada en dos álbumes de larga duración separados y de este se dice que:
De ese disco doble destacaron las canciones Manuela, El nacimiento de Ramiro y Maestra vida. Los retratos de lo que se entiende por barrio, las críticas a los gobiernos latinoamericanos en general y el canto al amor y a la mujer hacen de este disco doble un referente integral de los valores que tiene la salsa como música.
A mediados de los 80, Blades inicia otra etapa muy fructífera en su carrera artística, al juntarse con el grupo Seis del Solar, que luego cambiaría su nombre por el de Son del Solar. Esta unión produjo los álbumes Buscando América, en el que destacan Decisiones y El Padre Antonio y su Monaguillo Andrés, Escenas, Agua de luna, Doble filo, Nothing but the Truth, Antecedentes, Live! y Caminando. Entre todas estas quisiera destacar el homenaje que Blades le hace a Oscar Arnulfo Romero, sacerdote español asesinado en 1980 por la ultraderecha de El Salvador y que se refleja en la letra del clásico "El Padre Antonio y su Monaguillo Andrés" y la obra de arte llamada "Todos Vuelven", composición del peruano César Miró, un homenaje a todos las personas que viajan a otras tierras en busca de un destino mejor. Esta etapa se cierra con el disco The Best.
En realidad el artista panameño ha sabido transitar por diferentes derroteros musicales que van desde la salsa, hasta el jazz, pasando por el blues, y el rock, porque incluso En 1997 colabora con Los Fabulosos Cadillacs en su disco "Fabulosos Calavera"
Tuve la oportunidad de verlo hace 2 años durante un festival y la calidad permanece, también la capacidad de transmitir que tiene sobre su público. Músico, poeta, abogado, compositor, político, visionario, cantautor, y sobre todas las cosas…Latinoamericano.
En este álbum hay una canción que es -como lo dijo Blades en el concierto de Amnistía Internacional en Caracas – es “la canción”, este tema es “Pedro Navaja”, además este disco era para muchos jóvenes latinoamericanos de 1979, una especie de voz representativa de los anhelos, esperanzas y desesperanzas que les invadían en aquellos tiempos, aunque canciones como “Plástico” son atemporales, por la letra, tan vigente en 1979 como en el 2010, ésta última canción es la exhortación a que una América Latina unida despierte y cumpla el sueño de hispanoamericanismo de Simón Bolívar. Este disco marca un antes y un después para entender el género musical mal llamado “Salsa”.
La mayoría de las letras son autoría de Rubén Blades, conocido como “el intelectual de la salsa”, por sus canciones y su compromiso social, como la letra de “Pablo Pueblo” que escribió hace más de 4 décadas, pero que representa una realidad que no ha cambiado un ápice.
Como solista tuvo un enorme éxito con su ópera "Maestra Vida", que fue publicada en dos álbumes de larga duración separados y de este se dice que:
Narra la historia de una familia cualquiera en un país de América Latina que podría ser tanto México o Argentina como Bolivia o Guatemala.
De ese disco doble destacaron las canciones Manuela, El nacimiento de Ramiro y Maestra vida. Los retratos de lo que se entiende por barrio, las críticas a los gobiernos latinoamericanos en general y el canto al amor y a la mujer hacen de este disco doble un referente integral de los valores que tiene la salsa como música.
A mediados de los 80, Blades inicia otra etapa muy fructífera en su carrera artística, al juntarse con el grupo Seis del Solar, que luego cambiaría su nombre por el de Son del Solar. Esta unión produjo los álbumes Buscando América, en el que destacan Decisiones y El Padre Antonio y su Monaguillo Andrés, Escenas, Agua de luna, Doble filo, Nothing but the Truth, Antecedentes, Live! y Caminando. Entre todas estas quisiera destacar el homenaje que Blades le hace a Oscar Arnulfo Romero, sacerdote español asesinado en 1980 por la ultraderecha de El Salvador y que se refleja en la letra del clásico "El Padre Antonio y su Monaguillo Andrés" y la obra de arte llamada "Todos Vuelven", composición del peruano César Miró, un homenaje a todos las personas que viajan a otras tierras en busca de un destino mejor. Esta etapa se cierra con el disco The Best.
En realidad el artista panameño ha sabido transitar por diferentes derroteros musicales que van desde la salsa, hasta el jazz, pasando por el blues, y el rock, porque incluso En 1997 colabora con Los Fabulosos Cadillacs en su disco "Fabulosos Calavera"
Tuve la oportunidad de verlo hace 2 años durante un festival y la calidad permanece, también la capacidad de transmitir que tiene sobre su público. Músico, poeta, abogado, compositor, político, visionario, cantautor, y sobre todas las cosas…Latinoamericano.
viernes, 25 de junio de 2010
SMILE MICHAEL
Hace 1 año, cuando escuché que Michael Jackson había muerto, no pensé que era cierto, porque era una de aquellas personas que uno piensa que no va a dejar de existir, sin embargo era cierto, “El Rey del Pop” había fallecido. Yo nunca he estado a favor de dicho título, sencillamente porque Jackson más que un cantante de pop, era un artista muy versátil, que había desarrollado de manera única un estilo personal, y había transitado por diversos géneros como soul, rhythm & blues, funk, disco, dance, hard dance, hip hop, e incluso el rock. Lo más cercano a lo que fue en vida, sería la definición que de él hizo la famosa presentadora de televisión Oprah Winfrey, “king of Entertainment” (“rey del entretenimiento”).
Mi relación personal con la música de este genio se dio a inicios de los años 80, cuando visioné por primera vez un video del artista, de una notable canción llamada "Don't Stop 'Til You Get Enough"; no está por demás decir que la canción me encantó desde que la escuché y la figura se me hizo familiar para siempre. Este tema se hallaba incluido en un álbum que es un joya musical, de nombre “Off the Wall”, producido por un gigante llamado Quincy Jones, quien a su vez realizó el disco más importante en la carrera de Jackson, el famoso y multipremiado “Thriller”. Al respecto de estos discos, es preciso indicar que el cantante nacido en Gary, USA, el 29 de Agosto de 1958, siempre se asoció con músicos de enorme nivel. Por ejemplo, en “Off the Wall”, algunas canciones fueron compuestas por Rod Temperton, Stevie Wonder, y Paul McCartney. En “Thriller”, se hace acompañar por varios miembros del grupo Toto y en la canción “Beat it”, participa quien en aquellos tiempos era el guitarrista más célebre del mundo, me refiero a Eddie Van Halen de la banda de rock Van Halen. En cuanto a la canción más célebre del disco, “Billie Jean”, tiene al inicio, una de las mejores líneas de bajo que se haya escuchado. La interpretación, pero sobre todo el baile, que Jackson hizo de esta canción con motivo de la celebración de los 25 años de la “Motown Record”, ha pasado a la historia, porque allí nació el famoso “Moonwalk”.
De él se pueden escribir demasiadas cosas, que ya todo el mundo conoce, al ser el artista más mediático que ha existido. Y aún hoy, 1 años después, su música e imagen, sigue generando ingresos fabulosos, sin embargo, a nivel muy personal, me quedo con su música, sus composiciones, su voz, etc., todo lo que conforma la realidad de un auténtico artista, y como epílogo a este pequeño homenaje, les dejo un pequeño mensaje, que es el título de la canción preferida del genio…"SMILE":
"Sonríe aunque te duela el corazón
Sonríe aún mientras se rompe
Cuando el cielo este nublado, estarás bien
Si sonries aunque sientas miedo y pena
Sonrie y tal vez mañana
Verás el sol brillar para ti
Ilumina tu cara con gozo"
Mi relación personal con la música de este genio se dio a inicios de los años 80, cuando visioné por primera vez un video del artista, de una notable canción llamada "Don't Stop 'Til You Get Enough"; no está por demás decir que la canción me encantó desde que la escuché y la figura se me hizo familiar para siempre. Este tema se hallaba incluido en un álbum que es un joya musical, de nombre “Off the Wall”, producido por un gigante llamado Quincy Jones, quien a su vez realizó el disco más importante en la carrera de Jackson, el famoso y multipremiado “Thriller”. Al respecto de estos discos, es preciso indicar que el cantante nacido en Gary, USA, el 29 de Agosto de 1958, siempre se asoció con músicos de enorme nivel. Por ejemplo, en “Off the Wall”, algunas canciones fueron compuestas por Rod Temperton, Stevie Wonder, y Paul McCartney. En “Thriller”, se hace acompañar por varios miembros del grupo Toto y en la canción “Beat it”, participa quien en aquellos tiempos era el guitarrista más célebre del mundo, me refiero a Eddie Van Halen de la banda de rock Van Halen. En cuanto a la canción más célebre del disco, “Billie Jean”, tiene al inicio, una de las mejores líneas de bajo que se haya escuchado. La interpretación, pero sobre todo el baile, que Jackson hizo de esta canción con motivo de la celebración de los 25 años de la “Motown Record”, ha pasado a la historia, porque allí nació el famoso “Moonwalk”.
De él se pueden escribir demasiadas cosas, que ya todo el mundo conoce, al ser el artista más mediático que ha existido. Y aún hoy, 1 años después, su música e imagen, sigue generando ingresos fabulosos, sin embargo, a nivel muy personal, me quedo con su música, sus composiciones, su voz, etc., todo lo que conforma la realidad de un auténtico artista, y como epílogo a este pequeño homenaje, les dejo un pequeño mensaje, que es el título de la canción preferida del genio…"SMILE":
"Sonríe aunque te duela el corazón
Sonríe aún mientras se rompe
Cuando el cielo este nublado, estarás bien
Si sonries aunque sientas miedo y pena
Sonrie y tal vez mañana
Verás el sol brillar para ti
Ilumina tu cara con gozo"
sábado, 12 de junio de 2010
I´LL BE OVER YOU
"Toto es una banda conformada por los mejores músicos de sesión del mundo" Frase dicha por Eddie Van Halen.
Una de las cosas que más identifican a un grupo es su estilo o identidad musical, eso es algo muy evidente, porque los grandes grupos lo han tenido, sin embargo, el caso de Toto es un asunto aparte, porque esta fue una banda que durante toda carrera, estuvo conformada por músicos de sesión; debido a todos los cambios de integrantes que tuvo la banda Toto jamás tuvo una identidad musical, por lo cual siempre tuvieron que arriesgarse a viajar por variados matices y horizones musicales, llámese blues, rock, pop, jazz y funk.
El grupo siempre tuvo músicos y vocalistas de primer nivel, como Bobby Kimball y Steve Lukather. pero, aquí quisiera detenerme un momento para hablar sobre un genio de la batería llamado Jeff Porcaro, hermano de Steve y Mike Porcaro; una leyenda de la música, para muchos uno de los mejores bateristas de la música, músico de sesión al igual que sus compañeros, pero con una larga e interminable colaboración con artistas, fiel a su estilo en la batería con una sutileza y técnica que le daba un sonido inigualable a su clásica batería Pearl, una gran influencia en la música y se ganó su reconocimiento debido al arduo trabajo que hizo junto a Toto; su reconocimiento se debe al groove que aplica con sus baquetas en Rosanna, groove que muchos bateristas de nivel amateur y profesional practican.
Lamentablemente como otro grande de la música fallece en el año 1992 debido a una reacción alérgica con impesticida.
Sin embargo Porcaro fue reemplazado en el grupo por otro músico de extraordinario virtuosismo musical llamado Simon Phillips, apodado el rey del doble bombo, debido a que toca jazz y adecua la doble pedalera a este estilo. Cada concierto de la banda con este notable músico se convirtió en un derroche de calidad y maestría.
En cuanto al nombre del grupo, Steve Lukather dijo lo siguiente:
"La verdad es que odio el nombre "TOTO", ¡siempre lo he odiado! En serio, ¿qué significa "TOTO"? ¡pues nada! No le pusimos ese nombre a la banda por el perro de "El Mago de Oz"… ¡lo odio y lo he odiado por 30 años! Pero esa es la verdad man, pero a pesar que encuentro terrible el nombre, agradezco a Dios que la gente haya valorado a las personas y la música que hay detrás de Toto durante todos estos años, Toto es sólo un nombre, lo importante son las personas, los músicos y la música, todo lo que envuelve el nombre, pero no el nombre en sí."
Y lo que a nivel personal valoro de este grupo son las magníficas canciones que nos ha regalado…con ustedes…TOTO.
Una de las cosas que más identifican a un grupo es su estilo o identidad musical, eso es algo muy evidente, porque los grandes grupos lo han tenido, sin embargo, el caso de Toto es un asunto aparte, porque esta fue una banda que durante toda carrera, estuvo conformada por músicos de sesión; debido a todos los cambios de integrantes que tuvo la banda Toto jamás tuvo una identidad musical, por lo cual siempre tuvieron que arriesgarse a viajar por variados matices y horizones musicales, llámese blues, rock, pop, jazz y funk.
El grupo siempre tuvo músicos y vocalistas de primer nivel, como Bobby Kimball y Steve Lukather. pero, aquí quisiera detenerme un momento para hablar sobre un genio de la batería llamado Jeff Porcaro, hermano de Steve y Mike Porcaro; una leyenda de la música, para muchos uno de los mejores bateristas de la música, músico de sesión al igual que sus compañeros, pero con una larga e interminable colaboración con artistas, fiel a su estilo en la batería con una sutileza y técnica que le daba un sonido inigualable a su clásica batería Pearl, una gran influencia en la música y se ganó su reconocimiento debido al arduo trabajo que hizo junto a Toto; su reconocimiento se debe al groove que aplica con sus baquetas en Rosanna, groove que muchos bateristas de nivel amateur y profesional practican.
Lamentablemente como otro grande de la música fallece en el año 1992 debido a una reacción alérgica con impesticida.
Sin embargo Porcaro fue reemplazado en el grupo por otro músico de extraordinario virtuosismo musical llamado Simon Phillips, apodado el rey del doble bombo, debido a que toca jazz y adecua la doble pedalera a este estilo. Cada concierto de la banda con este notable músico se convirtió en un derroche de calidad y maestría.
En cuanto al nombre del grupo, Steve Lukather dijo lo siguiente:
"La verdad es que odio el nombre "TOTO", ¡siempre lo he odiado! En serio, ¿qué significa "TOTO"? ¡pues nada! No le pusimos ese nombre a la banda por el perro de "El Mago de Oz"… ¡lo odio y lo he odiado por 30 años! Pero esa es la verdad man, pero a pesar que encuentro terrible el nombre, agradezco a Dios que la gente haya valorado a las personas y la música que hay detrás de Toto durante todos estos años, Toto es sólo un nombre, lo importante son las personas, los músicos y la música, todo lo que envuelve el nombre, pero no el nombre en sí."
Y lo que a nivel personal valoro de este grupo son las magníficas canciones que nos ha regalado…con ustedes…TOTO.
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