Este es un extracto de una nota de prensa de Europa Press hace algunas semanas:
“El guitarrista Jimi Hendrix lanzará disco inédito 40 años después de su muerto. El álbum denominado ‘Valleys of Neptune’ se publicará el próximo 8 de marzo. Asimismo, el primer sencillo será el tema ‘Valleys of Neptune’ para el 2 de febrero”
Así que este es el momento de escribir sobre EL MEJOR GUITARRISTA DE LA HISTORIA, Jimi Hendrix, músico legendario y símbolo del Rock, una fuente de la que casi todos los guitarristas beben.Es difícil encontrar a un músico que pueda generar sobre sí tantos elogios de artistas tan dispares y de diversos estilos. Comentaremos aspectos muy puntuales de su trayectoria.
James Marshall «Jimi» Hendrix,nacido en Seattle el 27 de noviembre de 1942, revolucionó el ambiente musical en la segunda mitad de los años 60, en especial a partir de su presentación en el Festival de Monterrey en 1967. En 40 minutos de concierto, Hendrix utilizó su "Stratocaster" en un modo jamás visto antes, llegando a hacerla sonar con los dientes, por detrás de la espalda, contra el soporte del micrófono y hasta contra su amplificador causando un acople ensordecedor.22 Al término de la exhibición, para remarcar su furiosa necesidad de extraer nuevos sonidos al instrumento, le dio fuego con gas líquido para encendedores y la destruyó contra el palco y amplificadores en un éxtasis de feedbacks alucinantes.
Su exhibición durante el cierre del festival de Woodstock, el 19 de agosto de 1969 se transformó en un símbolo mitológico: la imagen del guitarrista que con una irónica y desafiante visión del arte, toca el himno nacional de los Estados Unidos en la que es indudablemente uno de los puntos de inflexión en la historia del rock. Hendrix interpretó el tema en una manera salvaje mezclándolo con feroces simulaciones sonoras de bombardeos y ametrallamientos sobre los barrios de Vietnam, sirenas anti-aéreas y otros ruidos de batalla. Esta imagen tiene una forma y un fondo, ¿la forma?, el músico rebelde e inconformista con la clase dirigente que manejaba los hilos de su país, en plena ebullición de los años 60, guerra de Vietnam incluido, época histórica de los Estados Unidos, ¿la forma?, que a pesar de todo, el hecho de interpretar el "The Star-Spangled Banner”, himno de los Estados Unidos, indicaba que Hendrix era tan patriota como cualquiera de los ciudadanos de su país, incluido los políticos aburguesados de Washington D.C.
Hendrix fue un pionero y un innovador incansable. De su factoría salieron acordes y técnicas que hoy en día se consideran imprescindibles para el desarrollo de la técnica guitarrística del rock. En los acordes empleados encontramos la primera característica del sonido de Jimi. Introdujo la novena aumentada en el rock, algo muy utilizado por artistas de jazz y Rythm & Blues, lo que da una clara muestra de cuáles son sus raíces, y en qué fuentes bebió antes de lanzarse al estrellato.
Pero sin duda alguna, dos de los elementos que más definen el sonido Hendrix, y que han pasado a la posteridad dentro del grupo de los más importantes para el desarrollo de la guitarra son la utilización del vibrato y los bends. Hendrix también fue pionero en cuanto a investigar con las posibilidades del volumen y los efectos electrónicos; tocaba con el volumen y la ganancia al máximo, lo que le permitía experimentar con la distorsión y con el feedback.
Todo lo que se pueda escribir aquí es poco en comparación con el enorme legado que este genio de la música ha dejado para la historia y cuya vida culminó el 18 setiembre de 1970. Para culminar citamos una nota periodística del día de hoy 20 marzo del 2010:
“Casi cuarenta años después de su muerte, Jimi Hendrix regresa a las listas de superventas con el disco de grabaciones inéditas “Valleys of Neptune”. El álbum ha entrado en su primera semana a la venta en el “Billboard 200” de álbumes más vendidos, situándose en el cuarto puesto, con más de 85.000 copias vendidas. Esto ha provocado que otros de sus álbumes regresen al “Billboard 200”: “Are You Experienced” se ha colocado en el puesto 44, mientras que “Electric Ladyland” se ha situado en el 60 y “First Rays of the New Rising Sun” y “Axis: Bold As Love” han llegado a los puestos 63 y 67, respectivamente…”
JIMMY HENDRIX PARA SIEMPRE.
sábado, 20 de marzo de 2010
sábado, 13 de marzo de 2010
WHITE MAN, BLACK VOICE: MICHAEL MCDONALD
En 1980 una canción se escuchaba insistentemente en las radios, se llamaba “Ride Like The Wind”, y su intérprete Christopher Cross era un “Top Singer” en aquel entonces. Una de las cosas que más llamaba la atención, era la parte vocal. En primer lugar, la aguda voz de Cross y por otra parte, los coros o “Backing Vocals”, de un cantante que también intervino en una magnífica creación del grupo Toto, la hermosa “I'll Be Over You”.
Durante varios años pensé que esa estupenda voz pertenecía a un cantante “afro- americano” -un término muy mal utilizado por cierto-, pero la sorpresa fue grande para mí, al comprobar que no era así, aunque el origen de la confusión se debía a la tesitura de su voz, que recordaba a grandes artistas de la comunidad negra de los Estados Unidos, y al estilo que ha impregnado su carrera, el “Soul” en su máxima expresión.
Este cantante de extraordinaria voz se llama Michael McDonald, quien además fue miembros de las legendarias bandas Steely Dan, en donde tocó los teclados, aparte de cantar, y The Doobie Brothers, al respecto de esta última, fue con la que logró la consagración definitiva en su carrera, cuando en 1975 reemplazó a Tom Johnston.
Siendo parte integrante de los “Dobbie”, grabó una canción que fue co-escrita con Kenny Loggins, me refiero a la extraordinaria “What a Fool Believes”, dicho tema ganó el Grammy en 1980 como mejor canción y grabación del año. La primera versión data de 1979, en la que despliega todo el talento que tenía en la voz y los teclados y la segunda que le escuché fue una de 1992, a dúo con Loggins, que está incluida en el disco en directo "Outside From The Redwoods"; si les soy honesto, no sé con cual versión quedarme, sencillamente porque ambas son auténticas realizaciones, y además porque es muy difícil hacer una versión que esté a la altura de un sobresaliente tema original.
Como cantante solista, McDonald ha tenido grandes éxitos, y son especialmente notables sus grabaciones a dúo con grandes artistas como James Ingram, con quien cantó "Yah Mo B There", ganando el Grammy 1985 como mejor performance de dúo R&B, y con Patti La Belle, interpretando juntos el clásico “Om My Own”; canción que llegó a ser Nº 1 en USA en 1986; al respecto de esto hay un detalle muy interesante. La canción fue grabada por ambos artistas en estudios separados a 3.000 millas de distancia. Y de hecho, ellos no se conocieron hasta que cantaron el tema en el programa de Johnny Carson.
Es un auténtico placer escuchar las grabaciones de Michael McDonald, quien emplea de gran manera su voz de barítono y cuyo estilo se sitúa entre el Soul Rhythm and Blue y el Soft – Rock; uno de los más sofisticados en mi opinión; un “Hombre Blanco con Voz Negra”.
Que disfruten.
Durante varios años pensé que esa estupenda voz pertenecía a un cantante “afro- americano” -un término muy mal utilizado por cierto-, pero la sorpresa fue grande para mí, al comprobar que no era así, aunque el origen de la confusión se debía a la tesitura de su voz, que recordaba a grandes artistas de la comunidad negra de los Estados Unidos, y al estilo que ha impregnado su carrera, el “Soul” en su máxima expresión.
Este cantante de extraordinaria voz se llama Michael McDonald, quien además fue miembros de las legendarias bandas Steely Dan, en donde tocó los teclados, aparte de cantar, y The Doobie Brothers, al respecto de esta última, fue con la que logró la consagración definitiva en su carrera, cuando en 1975 reemplazó a Tom Johnston.
Siendo parte integrante de los “Dobbie”, grabó una canción que fue co-escrita con Kenny Loggins, me refiero a la extraordinaria “What a Fool Believes”, dicho tema ganó el Grammy en 1980 como mejor canción y grabación del año. La primera versión data de 1979, en la que despliega todo el talento que tenía en la voz y los teclados y la segunda que le escuché fue una de 1992, a dúo con Loggins, que está incluida en el disco en directo "Outside From The Redwoods"; si les soy honesto, no sé con cual versión quedarme, sencillamente porque ambas son auténticas realizaciones, y además porque es muy difícil hacer una versión que esté a la altura de un sobresaliente tema original.
Como cantante solista, McDonald ha tenido grandes éxitos, y son especialmente notables sus grabaciones a dúo con grandes artistas como James Ingram, con quien cantó "Yah Mo B There", ganando el Grammy 1985 como mejor performance de dúo R&B, y con Patti La Belle, interpretando juntos el clásico “Om My Own”; canción que llegó a ser Nº 1 en USA en 1986; al respecto de esto hay un detalle muy interesante. La canción fue grabada por ambos artistas en estudios separados a 3.000 millas de distancia. Y de hecho, ellos no se conocieron hasta que cantaron el tema en el programa de Johnny Carson.
Es un auténtico placer escuchar las grabaciones de Michael McDonald, quien emplea de gran manera su voz de barítono y cuyo estilo se sitúa entre el Soul Rhythm and Blue y el Soft – Rock; uno de los más sofisticados en mi opinión; un “Hombre Blanco con Voz Negra”.
Que disfruten.
martes, 2 de marzo de 2010
LA VOZ, DE AQUÍ A LA ETERNIDAD ( PARTE II )
Según Wikipedia Jack Daniel's es una destilería y marca de whiskey de Tennessee conocida por sus botellas rectangulares y su etiqueta negra. La compañía, establecida en Lynchburg, Tennessee, fue adquirida por la compañía Brown-Forman en 1957.
Aunque un amigo me dijo que dicha bebida es más bien un bourbon antes que otra cosa.
El asunto que se preguntarán es ¿qué tiene que ver este licor con nuestro blog que es sobre música?, la respuesta es que no se puede concebir a Frank Sinatra y su grupo de amigos, conocidos universalmente como RAT PACK sin dicha bebida.
El escritor Javier Márquez escribió un libro al respecto de este grupo de amigos llamado Rat Pack. Viviendo a su manera, y tal como lo dice la web del escritor: “Es la primera obra en lengua castellana (escrita o traducida)que narra la historia de uno de los capítulos más memorables y atractivos de la historia de espectáculo estadounidense: el Rat Pack. El libro se centra en la historia de sus tres integrantes principales, tres profesionales del espectáculo, cantantes, actores, presentadores televisivos, humoristas… que unieron sus talentos en diversas ocasiones a lo largo de sus carreras cuando nadie hasta el momento había planteado nada similar; tres grandes juntos en el escenario, en la pantalla, en un disco. Pero la de Frank Sinatra, Dean Martin y Sammy Davis Jr. es también la historia de la ciudad de Las Vegas, de la Mafia, de la política estadounidense en uno de sus periodos más singulares, el de mandato de Kennedy; y sobre todo, es al historia de una fiesta continua, desenfrenada, rodeados siempre de hermosas mujeres, amigos peligrosos y los lujos más deseados”.
Conocí a este grupo de personajes gracias a visionar a través de la tv. la primera versión de de Ocean´s eleven (La cuadrilla de los Once), donde también intervenían Peter Lawford y Joey Bishop, al frente de ellos Frank Sinatra.
"La Voz" murió el 14 de mayo de 1998, y tal como le mencionó un noticiero, su funeral fue un desfile de dolidas estrellas del espectáculo, y como el cantante dijera a los 82 años: “He tenido una vida plena”, la palabra “plena” puede definir una vida como la suya, que tuvo de todo, mucho más azarosa que la de cualquier “rock star”; a lo largo de seis décadas de carrera profesional, Frank Sinatra ganó dos Oscars, dos Globos de Oro, diez Grammys y un Emmy, además de que su repertorio se basó en la obra de algunos de los más importantes compositores populares estadounidenses, como Jimmy Van Heusen, Cole Porter, Sammy Cahn o George Gershwin, aunque fuera Nelson Riddle quien definió su estilo a mediados de los años 50, muestra de ello es uno de sus temas de bandera "I´ve Got You Under My Skin"
Y si hay alguna canción que definió su vida entera esa es “My Way”, y aunque no fuera interpretada primero por él, la letra de la misma describe a la perfección la existencia de Sinatra, parte de la letra dice:
“Pues que es un hombre, ¿qué es lo que ha conseguido?
Si no es a sí mismo, entonces no tiene nada.
Decir las cosas que realmente siente
Y no las palabras de alguien que se arrodilla.
Mi historia muestra que asumí los golpes
Y lo hice a mi manera”.
Aunque un amigo me dijo que dicha bebida es más bien un bourbon antes que otra cosa.
El asunto que se preguntarán es ¿qué tiene que ver este licor con nuestro blog que es sobre música?, la respuesta es que no se puede concebir a Frank Sinatra y su grupo de amigos, conocidos universalmente como RAT PACK sin dicha bebida.
El escritor Javier Márquez escribió un libro al respecto de este grupo de amigos llamado Rat Pack. Viviendo a su manera, y tal como lo dice la web del escritor: “Es la primera obra en lengua castellana (escrita o traducida)que narra la historia de uno de los capítulos más memorables y atractivos de la historia de espectáculo estadounidense: el Rat Pack. El libro se centra en la historia de sus tres integrantes principales, tres profesionales del espectáculo, cantantes, actores, presentadores televisivos, humoristas… que unieron sus talentos en diversas ocasiones a lo largo de sus carreras cuando nadie hasta el momento había planteado nada similar; tres grandes juntos en el escenario, en la pantalla, en un disco. Pero la de Frank Sinatra, Dean Martin y Sammy Davis Jr. es también la historia de la ciudad de Las Vegas, de la Mafia, de la política estadounidense en uno de sus periodos más singulares, el de mandato de Kennedy; y sobre todo, es al historia de una fiesta continua, desenfrenada, rodeados siempre de hermosas mujeres, amigos peligrosos y los lujos más deseados”.
Conocí a este grupo de personajes gracias a visionar a través de la tv. la primera versión de de Ocean´s eleven (La cuadrilla de los Once), donde también intervenían Peter Lawford y Joey Bishop, al frente de ellos Frank Sinatra.
"La Voz" murió el 14 de mayo de 1998, y tal como le mencionó un noticiero, su funeral fue un desfile de dolidas estrellas del espectáculo, y como el cantante dijera a los 82 años: “He tenido una vida plena”, la palabra “plena” puede definir una vida como la suya, que tuvo de todo, mucho más azarosa que la de cualquier “rock star”; a lo largo de seis décadas de carrera profesional, Frank Sinatra ganó dos Oscars, dos Globos de Oro, diez Grammys y un Emmy, además de que su repertorio se basó en la obra de algunos de los más importantes compositores populares estadounidenses, como Jimmy Van Heusen, Cole Porter, Sammy Cahn o George Gershwin, aunque fuera Nelson Riddle quien definió su estilo a mediados de los años 50, muestra de ello es uno de sus temas de bandera "I´ve Got You Under My Skin"
Y si hay alguna canción que definió su vida entera esa es “My Way”, y aunque no fuera interpretada primero por él, la letra de la misma describe a la perfección la existencia de Sinatra, parte de la letra dice:
“Pues que es un hombre, ¿qué es lo que ha conseguido?
Si no es a sí mismo, entonces no tiene nada.
Decir las cosas que realmente siente
Y no las palabras de alguien que se arrodilla.
Mi historia muestra que asumí los golpes
Y lo hice a mi manera”.
lunes, 1 de marzo de 2010
LA VOZ, DE AQUÍ A LA ETERNIDAD
Extracto de la película “El Padrino”, al min. 17:
Aparece en escena el famoso cantante Johnny Fontane y enloquece a la gente invitada a la boda de Constanza Corleone (Hija de Don Vito Corleone “El Padrino”)
Kay: no sabía que conocías a Johnny Fontane
Michael Corleone: Por supuesto, ¿te lo presento?,
Kay: Claro que sí
Michael: Mi padre le ayudó en su carrera
Kay: ¿Sí? ¿cómo?
Michael: Escuchemos la canción
Kay: Por favor Michel, cuéntame
Michael: Cuando Johnny estaba empezando su carrera firmó un contrato de servicio personal con una gran líder de banda, como su carrera fue de más a más, el quiso librarse, Johnny es ahijado de mi padre. Mi padre fue a ver al líder de la banda. Le ofreció 10.000 dólares por dejar a Johnny, pero el tipo se negó. Al día siguiente, mi padre fue a verlo, pero esta vez con Luca Brasi. En menos de una hora, firmó su liberación por un cheque de 1.000 dólares.
Kay: ¿Cómo lo logró?
Michael: Con una oferta que no pudo rehusar.
Kay: ¿Y cuál fue?
Michael: Luca Brasi le apuntó a la cabeza… y mi padre dijo que podía elegir entre sus sesos o su firma al pie del contrato. Es una historia verdadera (it´s a true history).
IT´S A TRUE HISTORY…una frase para la historia. Johnny Fontane era un cantante famoso de capa caída, que necesitaba urgentemente actuar una película de guerra, en la que iba a hacer de sí mismo y que relanzaría su carrera. El director de la película se negaba a darle dicho papel, asi que acudió a su Padrino, para que “intercediera” por él. Al final, ya se sabe, le hicieron al director “una oferta que no podía rehusar”.
¿Les suena esta historia a alguien conocido?...siempre se habló sobre la relación existente entre Frank Sinatra y la mafia siciliana en los Estados Unidos, la que le ayudó a participar en la película “De Aquí a la Eternidad” de Fred Zinnemann, y por la que ganó el Oscar como mejor actor secundario en 1954, hecho definitivo que devolvió a Sinatra al estrellato del nunca más se iría a apartar.
Algunas teorías conspirativas decían que Sinatra había utilizado sus "conexiones" para romper con el contrato que lo ataba a la orquesta de Tommy Dorsey (el líder de la Big Band, a la que se refiere Michael Corleone). La historia llegó a Mario Puzo, que se basó en el Sinatra decadente pre "De aquí a la eternidad", a la hora de crear al Johnny Fontane de una novela llamada "El Padrino". Al poco de enterarse, Sinatra cruzó a Puzo en un restaurante. Por ahí andaba John Wayne, quien se ofreció a dar su merecido a ese “gordo come pizzas” que hablaba mal de los amigos. “La Voz” fue directo a Puzo, quien se limitó a responder: "¿desde cuándo un italiano del norte, de ojos azules, amenaza a un italiano del sur, de ojos negros?".
Curioso, pero las palabras de Sinatra sobre la influencia de Dorsey en su estilo son significativas: "lo aprendí todo sobre la dinámica, el fraseo y el estilo por la forma en que tocaba su trombón. Tommy Dorsey fue para mí un verdadero maestro tanto en la música como en el negocio, en todos los aspectos".
Aunque el FBI nunca llegó a tener la pruebas suficientes que incriminasen al cantante, se tiene constancia de que Sinatra mantuvo una gran amistad con Lucky Luciano, el considerado padre del crimen organizado, a quien visitó en La Habana en un par de ocasiones y posteriormente en su exilio en Sicilia, y no solamente con él, sino con muchos otras capos de la mafia italiana en los Estados Unidos, entre ellos Sam Giancanna.
Esta introducción es sólo parte de la historia y la leyenda que se teje alrededor de uno de los gigantes de la música del Siglo XX –y de la historia-, una vida lleno de excesos, éxitos, infidelidades, mujeres hermosas (Ava Gardner, Marilyn Monroe, Grace Kelly, Lana Turner, entre muchas otras), “Rat Pack y Jack Daniels”, etc., PERO, también, de algunas de las mayores joyas musicales que se han podido crear, la lista al respecto es enorme y su figura como ícono americano también, como se dijo una vez: “Sinatra construyó su estilo sobre la base de una comprensión natural de la música popular, tal como la habían entendido Bing Crosby, Fred Astaire, Benny Goodman y Louis Armstrong, explotando la idea de que esta, en todas sus vertientes, debería ser una extensión de la conversación”
Francis Albert Sinatra nació en un barrio de clase media de la ciudad de Hoboken (Nueva Jersey) el 12 de diciembre de 1915, hijo de Natalie Della Garavante, Dolly, era de origen genovés y la de su padre, Anthony Martin Sinatra, provenía de Sicilia.
“La Voz”, como hijo de unos emigrantes italianos, es la representación máxima del “Sueño Americano”, el “American Way of Life”.
Hemos elegido algunas canciones de las mejores canciones de Sinatra, que disfruten de esta primera entrega, entre ellas, su primer nº 1 durante 12 semanas "I´ll Never Smile Again", un dueto con otro coloso llamado Tom Jobin y nuestra canción preferida de él "Night and Day", clásico de Cole Porter, un tema magistralmente interpretado también por "The Temptations".
Aparece en escena el famoso cantante Johnny Fontane y enloquece a la gente invitada a la boda de Constanza Corleone (Hija de Don Vito Corleone “El Padrino”)
Kay: no sabía que conocías a Johnny Fontane
Michael Corleone: Por supuesto, ¿te lo presento?,
Kay: Claro que sí
Michael: Mi padre le ayudó en su carrera
Kay: ¿Sí? ¿cómo?
Michael: Escuchemos la canción
Kay: Por favor Michel, cuéntame
Michael: Cuando Johnny estaba empezando su carrera firmó un contrato de servicio personal con una gran líder de banda, como su carrera fue de más a más, el quiso librarse, Johnny es ahijado de mi padre. Mi padre fue a ver al líder de la banda. Le ofreció 10.000 dólares por dejar a Johnny, pero el tipo se negó. Al día siguiente, mi padre fue a verlo, pero esta vez con Luca Brasi. En menos de una hora, firmó su liberación por un cheque de 1.000 dólares.
Kay: ¿Cómo lo logró?
Michael: Con una oferta que no pudo rehusar.
Kay: ¿Y cuál fue?
Michael: Luca Brasi le apuntó a la cabeza… y mi padre dijo que podía elegir entre sus sesos o su firma al pie del contrato. Es una historia verdadera (it´s a true history).
IT´S A TRUE HISTORY…una frase para la historia. Johnny Fontane era un cantante famoso de capa caída, que necesitaba urgentemente actuar una película de guerra, en la que iba a hacer de sí mismo y que relanzaría su carrera. El director de la película se negaba a darle dicho papel, asi que acudió a su Padrino, para que “intercediera” por él. Al final, ya se sabe, le hicieron al director “una oferta que no podía rehusar”.
¿Les suena esta historia a alguien conocido?...siempre se habló sobre la relación existente entre Frank Sinatra y la mafia siciliana en los Estados Unidos, la que le ayudó a participar en la película “De Aquí a la Eternidad” de Fred Zinnemann, y por la que ganó el Oscar como mejor actor secundario en 1954, hecho definitivo que devolvió a Sinatra al estrellato del nunca más se iría a apartar.
Algunas teorías conspirativas decían que Sinatra había utilizado sus "conexiones" para romper con el contrato que lo ataba a la orquesta de Tommy Dorsey (el líder de la Big Band, a la que se refiere Michael Corleone). La historia llegó a Mario Puzo, que se basó en el Sinatra decadente pre "De aquí a la eternidad", a la hora de crear al Johnny Fontane de una novela llamada "El Padrino". Al poco de enterarse, Sinatra cruzó a Puzo en un restaurante. Por ahí andaba John Wayne, quien se ofreció a dar su merecido a ese “gordo come pizzas” que hablaba mal de los amigos. “La Voz” fue directo a Puzo, quien se limitó a responder: "¿desde cuándo un italiano del norte, de ojos azules, amenaza a un italiano del sur, de ojos negros?".
Curioso, pero las palabras de Sinatra sobre la influencia de Dorsey en su estilo son significativas: "lo aprendí todo sobre la dinámica, el fraseo y el estilo por la forma en que tocaba su trombón. Tommy Dorsey fue para mí un verdadero maestro tanto en la música como en el negocio, en todos los aspectos".
Aunque el FBI nunca llegó a tener la pruebas suficientes que incriminasen al cantante, se tiene constancia de que Sinatra mantuvo una gran amistad con Lucky Luciano, el considerado padre del crimen organizado, a quien visitó en La Habana en un par de ocasiones y posteriormente en su exilio en Sicilia, y no solamente con él, sino con muchos otras capos de la mafia italiana en los Estados Unidos, entre ellos Sam Giancanna.
Esta introducción es sólo parte de la historia y la leyenda que se teje alrededor de uno de los gigantes de la música del Siglo XX –y de la historia-, una vida lleno de excesos, éxitos, infidelidades, mujeres hermosas (Ava Gardner, Marilyn Monroe, Grace Kelly, Lana Turner, entre muchas otras), “Rat Pack y Jack Daniels”, etc., PERO, también, de algunas de las mayores joyas musicales que se han podido crear, la lista al respecto es enorme y su figura como ícono americano también, como se dijo una vez: “Sinatra construyó su estilo sobre la base de una comprensión natural de la música popular, tal como la habían entendido Bing Crosby, Fred Astaire, Benny Goodman y Louis Armstrong, explotando la idea de que esta, en todas sus vertientes, debería ser una extensión de la conversación”
Francis Albert Sinatra nació en un barrio de clase media de la ciudad de Hoboken (Nueva Jersey) el 12 de diciembre de 1915, hijo de Natalie Della Garavante, Dolly, era de origen genovés y la de su padre, Anthony Martin Sinatra, provenía de Sicilia.
“La Voz”, como hijo de unos emigrantes italianos, es la representación máxima del “Sueño Americano”, el “American Way of Life”.
Hemos elegido algunas canciones de las mejores canciones de Sinatra, que disfruten de esta primera entrega, entre ellas, su primer nº 1 durante 12 semanas "I´ll Never Smile Again", un dueto con otro coloso llamado Tom Jobin y nuestra canción preferida de él "Night and Day", clásico de Cole Porter, un tema magistralmente interpretado también por "The Temptations".
martes, 23 de febrero de 2010
MORTEN, MAGNE Y PAL
A mediados de 1985 en las radios de aquel entonces, una canción era tocada de manera incesante en las radios especializadas en pop y rock. Era muy pegajosa para ser sinceros y, por supuesto, muy bailada; fue tal el éxito del tema que se le seleccionó como una de las mejores (yo diría que populares) del año; lo mismo pasó al año siguiente 1986. Un original y espectacular video acompañaba este “hit”. Siendo sinceros, era tan repetitiva la emisión de esta canción, que me daba la impresión de ser una campaña muy bien planificada para que a todo el mundo le gustara tanto; esa canción se llamaba "Take on Me".
Quienes eran los responsables de este “mega hit” eran un grupo de tres chicos, noruegos, que combinaban perfectamente la técnica musical, el videoclip y algo que se conoce como “stage presence” –tan en boga en los años 80-, un trío de Noruega llamado A-HA. También gracias a un programa de televisión de aquellos tiempos, se propaló un sábado por la tarde a fines de 1986 un especial del grupo…y entendí que a veces una sola canción, por exitosa que es, puede opacar al resto de una obra, aunque ESE RESTO SEA MEJOR que un “hit” radial.
A-HA se convirtió en uno de mis grupos preferidos de la adolescencia, y más aún cuando conocí dos temas fundamentales de la banda: “The Living Day Lights” y “ Hunting High and Low”. La primera canción, tema principal de la película de James Bond “Alta Tensión", y la segunda, un verdadero himno, tal vez la canción más coreada en los conciertos del trío, conformado por Morten Harket, Magne Furuholmen y Pal Waaktaar-Savoy . La voz de Morten eran realmente portentosa es aquellos años.
Tal vez el momento de mayor apogeo de ellos haya sido la presentación que ante 198.000 personas dieran en el Estadio Maracaná de Río de Janeiro, como parte del Festival Rock in Río de 1991 –el más grande en la historia del estadio brasileño-; las imágenes del recinto lleno son imborrables. Realmente espectacular y también el show que dieron en 1989 en el mismo país.
El 15 de octubre de 2009, a través de la web oficial, el grupo dio a conocer que se retirarán definitivamente en diciembre de 2010 y que para ello organizarían una gira mundial de despedida. La gira “Ending on a High Note” que abarcará todo el 2010 será la última colaboración de los miembros del grupo como a-ha. El comunicado oficial de despedida dice lo siguiente. :
"Hemos vivido, literalmente, la gran aventura de un cuento de niños, gracias a una carrera más larga y premiada de lo que nadie podía imaginar. Esto nos da la oportunidad de involucrarnos en otros aspectos significantes de la vida, como causas humanitarias, política, o lo que sea - por supuesto a través del campo del arte y la música. Nos retiramos como banda, no como solistas. El cambio es siempre difícil y es fácil encasillarse en algo determinado. Ha llegado la hora de moverse."
La banda da fin a una historia que tuvo auténticos momentos de esplendor y que sufrió también una etapa de declive debido al surgimiento de nuevos estilos de concebir la música, más simples y con menos técnica; esta época ya ha sido superada.Para nosotros significa el fin de un grupo pero también el de un estilo tan personal de hacer música y de toda una época. Adiós A-HA.
Quienes eran los responsables de este “mega hit” eran un grupo de tres chicos, noruegos, que combinaban perfectamente la técnica musical, el videoclip y algo que se conoce como “stage presence” –tan en boga en los años 80-, un trío de Noruega llamado A-HA. También gracias a un programa de televisión de aquellos tiempos, se propaló un sábado por la tarde a fines de 1986 un especial del grupo…y entendí que a veces una sola canción, por exitosa que es, puede opacar al resto de una obra, aunque ESE RESTO SEA MEJOR que un “hit” radial.
A-HA se convirtió en uno de mis grupos preferidos de la adolescencia, y más aún cuando conocí dos temas fundamentales de la banda: “The Living Day Lights” y “ Hunting High and Low”. La primera canción, tema principal de la película de James Bond “Alta Tensión", y la segunda, un verdadero himno, tal vez la canción más coreada en los conciertos del trío, conformado por Morten Harket, Magne Furuholmen y Pal Waaktaar-Savoy . La voz de Morten eran realmente portentosa es aquellos años.
Tal vez el momento de mayor apogeo de ellos haya sido la presentación que ante 198.000 personas dieran en el Estadio Maracaná de Río de Janeiro, como parte del Festival Rock in Río de 1991 –el más grande en la historia del estadio brasileño-; las imágenes del recinto lleno son imborrables. Realmente espectacular y también el show que dieron en 1989 en el mismo país.
El 15 de octubre de 2009, a través de la web oficial, el grupo dio a conocer que se retirarán definitivamente en diciembre de 2010 y que para ello organizarían una gira mundial de despedida. La gira “Ending on a High Note” que abarcará todo el 2010 será la última colaboración de los miembros del grupo como a-ha. El comunicado oficial de despedida dice lo siguiente. :
"Hemos vivido, literalmente, la gran aventura de un cuento de niños, gracias a una carrera más larga y premiada de lo que nadie podía imaginar. Esto nos da la oportunidad de involucrarnos en otros aspectos significantes de la vida, como causas humanitarias, política, o lo que sea - por supuesto a través del campo del arte y la música. Nos retiramos como banda, no como solistas. El cambio es siempre difícil y es fácil encasillarse en algo determinado. Ha llegado la hora de moverse."
La banda da fin a una historia que tuvo auténticos momentos de esplendor y que sufrió también una etapa de declive debido al surgimiento de nuevos estilos de concebir la música, más simples y con menos técnica; esta época ya ha sido superada.Para nosotros significa el fin de un grupo pero también el de un estilo tan personal de hacer música y de toda una época. Adiós A-HA.
miércoles, 17 de febrero de 2010
GOD SAVE THE QUEEN
Este es el título del himno que es usado tradicionalmente como oficial en Gran Bretaña, conocido en el mundo entero, “God Save the Queen” (Dios Salve a la Reina), aunque en este caso es de la “Reina del Rock” de quien vamos a hablar, el celebérrimo grupo “Queen”.
Recuerdo haberlos escuchado por primera vez, a mediados de 1980, a través de esa escuela llamada “Disco Club”, ¿la canción? “Another One Bites the Dust”, para ser honesto, no me gustó el tema, aunque pueda sonar increíble, bueno después de todo tenía 8 años, pero mi impresión de este clásico y del grupo en general cambió completamente al verlos en los conciertos “Live Aid” en 1985 y “Queen at Wembley” de 1986. Una combinación de todo lo que uno puede pedirle a una banda de rock… y a la cabeza de Brian May, John Deacon y Roger Taylor, un extraordinario “frontman” llamado Freddie Mercury.
La historia del grupo en sí es muy extensa, asi que hagamos una reseñas muy puntuales. Se forman en 1969, con Taylor, May, y Tim Stafell, llamándose “Smile” aún sin Mercury, cuyo verdadero nombre era Farrokh Bulsara, y se les une Deacon en 1971.
La banda logró trabajar con diversos estilos: Rock progresivo, hard rock, vodevil, music hall británico, heavy metal, rockabilly, gospel, etc.
En 1975 grabó y publicó “A Night at the Opera”, tal vez su disco más famoso y en el cual se encontraba el himno por antonomasia del grupo, nos referimos a "Bohemian Rhapsody”, una canción a menudo elegida como la mejor de todos los tiempos en numerosas encuestas. Un detalle, la banda decidió hacer un vídeo como apoyo para el sencillo; el resultado en general es considerado como el primer "verdadero" vídeo musical en producirse. La primera vez que vi el video, el año 1981, quedé impactado por el desarrollo del mismo, la atmósfera y la energía del grupo.
Es a partir de 1980, que el grupo empieza a utilizar sintetizadores, antes de esto no se había hecho uso de ellos. El productor Roy Thomas Baker aclaró este asunto de la sgte, manera:
“No había estipulación alguna de que no tendríamos sintetizadores, pero la nota 'Sin sintetizadores...' fue impresa en las portadas de los álbumes debido a la carencia de intelecto en los oídos de la gente. Mucha gente no podría escuchar la diferencia entre una guitarra multi-capas y un sintetizador. Nosotros pasaríamos cuatro días grabando un solo de guitarra en capas múltiples y luego algún imbécil de la compañía discográfica vendría y diría: "¡Me encanta ese sintetizador!".
En enero de 1985 se realizó la que debe ser la mayor presentación de Queen, ante 550.000 personas, repartidas en 2 presentaciones, en un macro evento realizado en Río de Janeiro, sí, nos referimos al “Rock in Río” (el auténtico, y no esa burda imitación que se hace ahora)… en aquel entonces nos enterábamos del evento y estuvimos atentos a las incidencias del mismo. He podido visionar la actuación del grupo…el trabajo de “entertainer” de Mercury, la poderosa batería de Taylor, el virtuosismo de May en la guitarra y el genial trabajo de Deacon en el bajo (uno de los mejores bajistas de la historia, en mi opinión), y no me canso de verlos… un grupo hecho a la medida de los conciertos y para un gran público. Se dice que fue vista por 200 millones de personas en 65 países del mundo. Un show histórico para un festival histórico.
El 13 de julio de 1985 se realizó en el estadio Wembley de Londres el concierto benéfico “Live Aid”. En aquella oportunidad, Queen presentó algunos de sus más grandes éxitos, lo que hasta la fecha ha sido considerada como su mejor presentación, considerado además el mejor concierto de la historia. Esta actuación es algo muy especial para mí. Fue transmitida a todo el mundo y me pasé la tarde frente al televisor viendo el evento y esperando el show del cuarteto; que se puede decir de la puesta en escenario y el sonido de “Queen” en dicho lugar…las palabras faltan para describir el dominio de escena y la manera en que Mercury subyugó al público de Wembley de manera que se convirtió en un solo ser, sobre todo en “We are The Champions” ,“Radio Ga Ga” y “We Will Rock You”, basta ver a toda la gente aplaudiendo al unísono. “Queen at Live Aid, 20 Minutes That Changed Music”, es un documental con entrevistas a personas que tuvieron que ver con el evento y personalidades relacionadas con la música; todos coinciden en lo apoteósica que fue la performance.
Freddie Mercury falleció de una bronconeumonía, la cual fue ocasionada por el SIDA, el 24 de noviembre de 1991, dejándonos su legado musical incomparable. Que disfruten.
Recuerdo haberlos escuchado por primera vez, a mediados de 1980, a través de esa escuela llamada “Disco Club”, ¿la canción? “Another One Bites the Dust”, para ser honesto, no me gustó el tema, aunque pueda sonar increíble, bueno después de todo tenía 8 años, pero mi impresión de este clásico y del grupo en general cambió completamente al verlos en los conciertos “Live Aid” en 1985 y “Queen at Wembley” de 1986. Una combinación de todo lo que uno puede pedirle a una banda de rock… y a la cabeza de Brian May, John Deacon y Roger Taylor, un extraordinario “frontman” llamado Freddie Mercury.
La historia del grupo en sí es muy extensa, asi que hagamos una reseñas muy puntuales. Se forman en 1969, con Taylor, May, y Tim Stafell, llamándose “Smile” aún sin Mercury, cuyo verdadero nombre era Farrokh Bulsara, y se les une Deacon en 1971.
La banda logró trabajar con diversos estilos: Rock progresivo, hard rock, vodevil, music hall británico, heavy metal, rockabilly, gospel, etc.
En 1975 grabó y publicó “A Night at the Opera”, tal vez su disco más famoso y en el cual se encontraba el himno por antonomasia del grupo, nos referimos a "Bohemian Rhapsody”, una canción a menudo elegida como la mejor de todos los tiempos en numerosas encuestas. Un detalle, la banda decidió hacer un vídeo como apoyo para el sencillo; el resultado en general es considerado como el primer "verdadero" vídeo musical en producirse. La primera vez que vi el video, el año 1981, quedé impactado por el desarrollo del mismo, la atmósfera y la energía del grupo.
Es a partir de 1980, que el grupo empieza a utilizar sintetizadores, antes de esto no se había hecho uso de ellos. El productor Roy Thomas Baker aclaró este asunto de la sgte, manera:
“No había estipulación alguna de que no tendríamos sintetizadores, pero la nota 'Sin sintetizadores...' fue impresa en las portadas de los álbumes debido a la carencia de intelecto en los oídos de la gente. Mucha gente no podría escuchar la diferencia entre una guitarra multi-capas y un sintetizador. Nosotros pasaríamos cuatro días grabando un solo de guitarra en capas múltiples y luego algún imbécil de la compañía discográfica vendría y diría: "¡Me encanta ese sintetizador!".
En enero de 1985 se realizó la que debe ser la mayor presentación de Queen, ante 550.000 personas, repartidas en 2 presentaciones, en un macro evento realizado en Río de Janeiro, sí, nos referimos al “Rock in Río” (el auténtico, y no esa burda imitación que se hace ahora)… en aquel entonces nos enterábamos del evento y estuvimos atentos a las incidencias del mismo. He podido visionar la actuación del grupo…el trabajo de “entertainer” de Mercury, la poderosa batería de Taylor, el virtuosismo de May en la guitarra y el genial trabajo de Deacon en el bajo (uno de los mejores bajistas de la historia, en mi opinión), y no me canso de verlos… un grupo hecho a la medida de los conciertos y para un gran público. Se dice que fue vista por 200 millones de personas en 65 países del mundo. Un show histórico para un festival histórico.
El 13 de julio de 1985 se realizó en el estadio Wembley de Londres el concierto benéfico “Live Aid”. En aquella oportunidad, Queen presentó algunos de sus más grandes éxitos, lo que hasta la fecha ha sido considerada como su mejor presentación, considerado además el mejor concierto de la historia. Esta actuación es algo muy especial para mí. Fue transmitida a todo el mundo y me pasé la tarde frente al televisor viendo el evento y esperando el show del cuarteto; que se puede decir de la puesta en escenario y el sonido de “Queen” en dicho lugar…las palabras faltan para describir el dominio de escena y la manera en que Mercury subyugó al público de Wembley de manera que se convirtió en un solo ser, sobre todo en “We are The Champions” ,“Radio Ga Ga” y “We Will Rock You”, basta ver a toda la gente aplaudiendo al unísono. “Queen at Live Aid, 20 Minutes That Changed Music”, es un documental con entrevistas a personas que tuvieron que ver con el evento y personalidades relacionadas con la música; todos coinciden en lo apoteósica que fue la performance.
Freddie Mercury falleció de una bronconeumonía, la cual fue ocasionada por el SIDA, el 24 de noviembre de 1991, dejándonos su legado musical incomparable. Que disfruten.
lunes, 8 de febrero de 2010
"EAGLES "...ETERNOS...
Para empezar esta entrega debo decir que he visto a grandes artistas en concierto y he disfrutado magníficas performances, aunque no pienso mencionarlos, pero estoy agradecido a estos músicos por haberme alegrado la vida durante la hora y media, dos o tres horas que pude escucharles. Aunque algo grande tenía la vida para mí el 21 de Julio del 2009. Aquella noche tuve la oportunidad de asistir al que debe ser el mejor recital que he visto jamás. En el Palacio de los Deporte de Madrid se presentaba por primera –y única –vez el grupo “Eagles” a quienes mucho de nosotros le hemos agregado el pronombre “The” y por lo tanto casi los hemos rebautizado como “ The Eagles”.Un grupo formado por un conjunto de señores sexagenarios, y no es broma, porque la edad promedio de los actuales integrantes debe rondar por los 60 años o más.
Un sueño hecho realidad verles en escena a estos tremendos músicos.De la mejor agrupación queda la mayoría, excepto Don Felder que se alejó – y de muy mala manera - hace algunos años de la banda.
El show nos mostró a una banda perfectamente cohesionada, con un profesionalismo envidiable y un sonido perfecto. El comentario general de los asistentes al espectáculo se centró en el impecable sonido que permitió escuchar con nitidez cada instrumento como si se tratase de la sala de una casa y no de un local con 12.000 espectadores.
Un breve interludio fue el preámbulo para ése himno llamado “Hotel California” , en donde Joe Walsh se lució en la guitarra junto con Steuart Smith; la canción sirvió también para demostrar que la voz de Don Henley no es la de antes debido a que este tema – en su versión original – exige unos agudos que no son fáciles de alcanzar, no obstante este “bache” (si se puede utilizar la expresión) de Henley quedó compensado con la última canción de la noche “Desperado”, todo un clásico que fue interpretada por el fundador de la banda, como sólo él lo puede hacer.
En relación a “Hotel California” cabe destacar que es la pista principal del álbum del mismo nombre editado en 1976, y contra lo que muchos creen, no es una balada, ni una canción de amor, de hecho, la canción y el disco tratan sobre el desencanto del “Sueño Americano” y como California es una especie de microcosmos en el que se ven reflejados todos los resultados negativos de una forma de vida “muy americana”.
Un total de 3 horas, que empezó a las 9 de la noche y terminó a las 12, nos llevó por la historia de esta leyenda de la música…canciones íntimas, country rock, rock…las voces de Glenn Frey y Timothy B. Schmit , tan bien conservadas, sobre todo en “Lyin' Eyes” y “Love Will Keep us Alive “(esta última, una de mis favoritas).
Faltaron canciones como “Tequila Sunrise” o “New Kid In Town”, pero el resto de la selección estuvo sobresaliente
Un detalle muy interesante es el siguiente: En cada canción cambiaron de guitarras y de bajo… habría de calcular la cantidad de instrumentos que trajeron, debido a lo extenso del repertorio, entendemos que ello se corresponde a que están afinadas por cada tema.
Con el público rendido a sus pies “Eagles” demostraron sobradamente porque son una de las mejores bandas que ha dado la música en su historia. Los videos que hemos elegido para la ocasión, son algunos muy especiales, en el último... la agrupación original al completo, y data de 1998, cuando la banda ingresó al Salón de la Fama del Rock and Roll... que disfruten.
Un sueño hecho realidad verles en escena a estos tremendos músicos.De la mejor agrupación queda la mayoría, excepto Don Felder que se alejó – y de muy mala manera - hace algunos años de la banda.
El show nos mostró a una banda perfectamente cohesionada, con un profesionalismo envidiable y un sonido perfecto. El comentario general de los asistentes al espectáculo se centró en el impecable sonido que permitió escuchar con nitidez cada instrumento como si se tratase de la sala de una casa y no de un local con 12.000 espectadores.
Un breve interludio fue el preámbulo para ése himno llamado “Hotel California” , en donde Joe Walsh se lució en la guitarra junto con Steuart Smith; la canción sirvió también para demostrar que la voz de Don Henley no es la de antes debido a que este tema – en su versión original – exige unos agudos que no son fáciles de alcanzar, no obstante este “bache” (si se puede utilizar la expresión) de Henley quedó compensado con la última canción de la noche “Desperado”, todo un clásico que fue interpretada por el fundador de la banda, como sólo él lo puede hacer.
En relación a “Hotel California” cabe destacar que es la pista principal del álbum del mismo nombre editado en 1976, y contra lo que muchos creen, no es una balada, ni una canción de amor, de hecho, la canción y el disco tratan sobre el desencanto del “Sueño Americano” y como California es una especie de microcosmos en el que se ven reflejados todos los resultados negativos de una forma de vida “muy americana”.
Un total de 3 horas, que empezó a las 9 de la noche y terminó a las 12, nos llevó por la historia de esta leyenda de la música…canciones íntimas, country rock, rock…las voces de Glenn Frey y Timothy B. Schmit , tan bien conservadas, sobre todo en “Lyin' Eyes” y “Love Will Keep us Alive “(esta última, una de mis favoritas).
Faltaron canciones como “Tequila Sunrise” o “New Kid In Town”, pero el resto de la selección estuvo sobresaliente
Un detalle muy interesante es el siguiente: En cada canción cambiaron de guitarras y de bajo… habría de calcular la cantidad de instrumentos que trajeron, debido a lo extenso del repertorio, entendemos que ello se corresponde a que están afinadas por cada tema.
Con el público rendido a sus pies “Eagles” demostraron sobradamente porque son una de las mejores bandas que ha dado la música en su historia. Los videos que hemos elegido para la ocasión, son algunos muy especiales, en el último... la agrupación original al completo, y data de 1998, cuando la banda ingresó al Salón de la Fama del Rock and Roll... que disfruten.
Suscribirse a:
Entradas (Atom)