DISCO RAYADO

RIFF

2011-09-24T12:08:00.000-07:00

Vamos a la definición de la palabra “Riff”: Un riff es una frase musical, una figura musical o melodía que se repite durante el transcurso de una canción, especialmente en el rock. Es equivalente al ostinato de la música clásica. Sin embargo se puede encontrar en diferentes estilos.

Alrededor de 1988 pude escuchar a través de un comercial de radio un riff extraordinario, era de los Guns N' Roses y el tema “Sweet Child o' Mine”, en el que Slash le daba el sentido a toda la canción.
Aunque ya mucho tiempo antes había escuchado otros riffs de Keith Richards o Tony Iommi, fue el del grupo norteamericano el que me atrapó.

Por último, el término riff surgió en la jerga musical estadounidense de los años 20, y es usado principalmente por músicos de rock, jazz y derivados.

He seleccionado unos cuantos, espero que lo disfruten tanto o más que yo

MUSIC ON TELEVISION

2011-08-07T15:36:00.000-07:00

El retiro de la famosa presentadora de televisión Oprah Winfrey, el 25 de mayo pasado, demostró hasta que punto la televisión es uno de los medios de comunicación más influyentes de la historia.
25 años diciéndole a la gente, de manera directa o subrepticia, lo que debían leer o vestir, la diva de la televisión estadounidense se despidió con un "No digo adiós, solo digo hasta que nos encontremos de nuevo". Imagen e ícono del “American Way of Life”, excepto porque no se casó ni tuvo hijos.
Así como ella, el mundo televisivo tiene otros íconos y personalidades cuya opinión puede influir inclusive en elecciones presidenciales.

Quizás Philo Taylor Farnsworth, el inventor de la televisión electrónica nunca imaginó el nivel de influencia de su invento, tampoco habían razones para ello, toda vez que murió olvidado y sin hacer fortuna.

La música por supuesto ha tenido y tiene una relación muy grande con el universo mágico que rodea este mundo y desde siempre la televisión ha servido como vitrina para el lucimiento de artistas de diverso calibre, desde Frank Sinatra hasta Beyonce.
Las series de TV. al igual que el cine se han servido de compositores y músicos para crear algunos de los momentos más memorables que hemos podido vivir, alimentando nuestros recuerdos y la vida actual.
A disfrutar un poco de la “caja boba” y de algunos inolvidables temas.

ROBBIE DUPREE

2011-07-25T09:43:00.000-07:00

Una de las razones que me impulsó a escribir este blog era la oportunidad que tenía -que tengo- de dar a conocer artistas que siendo muy buenos no gozan de la popularidad y el reconocimiento que deberían.

Reconocimiento que otros sí tienen sin llegar a la calidad es éstos "underrated", una de estas personalidades se llama Robbie Dupree...¿a cuántos le suena?.

Conocí su música en 1980, una mezcla de melodías cálidas y estupenda voz, con un estilo que me recordaba a Michael McDonald, es decir "Black Voice - White Man".
El músico nacido como Robert Dupois en Brooklyn, Nueva York en 1946, contribuyó - con una serie de excelentes temas a inicios de los años 80 - a hacernos la vida más feliz.

Canciones de muy buena factura y de éxito comercial, es decir, el ideal de un artista, que sea buen músico, que venda y que sus creaciones se sitúen en buenas posiciones de las listas, como le pasó con su primer éxito "Stel Away", que alcanzó el 6º lugar del ranking Billboard en julio de 1980.

Ya antes, a inicios de los años 70 trabajó en sociedad con el legendario Nile Rodgers y tal como se especifica en su Web, el cantante norteamericano creció artísticamente influenciado por el Soul, R & B de gigantes como Marvin Gaye y Sam Cooke.
Su último trabajo "El Tiempo y La Marea" (2010), es considerado el mejor trabajo de Dupree, y curiosamente el que menos difusión ha tenido.

Les dejo esta pequeña reseña sobre este notable músico...que disfruten.

BAILE DE BODAS...WEDDING DANCE

2011-06-22T17:00:00.000-07:00

Por lo general el día de la boda es la fecha más importante en la vida de una persona, en especial de las mujeres, claro está. A veces me he preguntado la razón, es decir ¿Por qué es más especial para la novia que para el novio?, y no es una invención, lo podemos ver en la vida diaria, en el cine, ¿alguien ha visto “El Padre de la Novia? ¿O “El Hijo de la Novia”?, seguro que muchos sí, pero… ¿existe “La Madre del Novio”?, hasta donde yo sé no.

Casi siempre las bodas se centran en los preparativos en casa de la desposada, con los nervios del caso, la emoción desbordante, las lágrimas de la madre, la amiga soltera de turno, los consejos para la “noche de bodas”.

Otra parte muy importante, creo que lo más importante, se centra en la recepción y evidentemente en “El Baile de Bodas”. Un tema clásico de toda la vida, al menos en las bodas de América Latina es el inmortal “Danubio Azul”, el vals vienés por antonomasia y considerado además como el segundo himno nacional de Austria. Esta obra de arte fue compuesta por Johann Strauss en 1867.

Los tiempos pasan y se crean nuevas tendencias, por lo que también se da paso a la creatividad, así que da lo mismo bailar un tema de Frank Sinatra, Earth, Wind and Fire, Michael Jackson o Strauss; lo importante en lo especial del día y el sentimiento de quien considera el día más importante de su vida.

¡Cheers!

CANCIONES PERDIDAS EN EL TIEMPO

2011-05-28T06:47:00.000-07:00

Después de algún tiempo vuelvo a escribir en este mi blog, en parte a que he vuelto a coger la inspiración que había perdido y por otro lado por mi compromiso personal de difundir lo que creo, que la buena música debe ser conocida por las nuevas generaciones, que puedan disfrutar del trabajo y el esfuerzo de artistas que dan de sí por generar letras, melodías y sensaciones, es decir, este es un espacio para los "creativos".

El título de la entrega siguiente se debe a que han habido canciones y artista que en su momento fueron reconocidos pero que han pasado al olvido o se han convertido en temas "de culto", quizás por el paso de los años, la poca difusión y la mala memoria de la gente. Pueden haber varias razones, no vamos a discutir este asunto pero sí intentaremos de alguna manera a través de una selección que hemos hecho, que podamos volver a escucharlos y disfrutarlos, porque éso es lo importante "disfrutar", experimentar con nuestros oídos y cerebros; hemos escogido canciones desde los años 60 hasta los 80, artistas tan distintos unos de otros, pero "en la variedad está el gusto", desde rock hasta jazz rock y pop, desde Debby Boone hasta Double.

Esta es una de mis entregas más personales y tan sólo les digo :¡Que disfruten!

DANZAD DANZA MALDITOS

2011-04-09T03:25:00.000-07:00

Para empezar esta entrega del blog, quisiera tomar nota de unos comentarios de la película DANZAD DANZAD MALDITOS de Sidney Pollack , filmada en 1969:

“Comienzos de los años 30. A California llega gente ilusionada con la idea de participar en la industria del cine o simplemente con prosperar en sus condiciones de vida. El sol, presente en buena parte del horario californiano, y el mar, característico también en su paisaje, no será visible para muchos de ellos, ya que se verán confinados a danzar durante días y días en un recinto para intentar conseguir un premio de 1500 dólares en uno de tantos maratones de baile que se organiza en los Estados Unidos en la época de la Gran Depresión.
Pesimista y claustrofóbico film de Pollack que trata la condición humana en un período de dificultad general e inestabilidad personal.
Se trata de un film coral en los duros tiempos de la Depresión estadounidense que analiza el comportamiento e interactuación de muy diversos personajes al borde del colapso emocional”.

Sin duda, “la mejor película de baile” que he visto, que retrata una historia sórdida, pesimista, dada la época, pero también sirve para manifestar una de las necesidades básicas del ser humano: La de sobrevivir. En este caso canalizándola a través del baile, como una vía de escape, de la pobreza a la riqueza.
Esta vía de escape, pero también un estilo de vida, era el anhelo de Tony Manero (John Travolta) en Saturday Night Fever, aunque el baile puede servir como una manera de expresión artística, en la cual demostrar los dones con los que se ha nacido, como el caso de Gene Kelly, o como un instrumento de rebeldía frente a una especie de dictadura religiosa, como era el caso de Ren (Kevin Bacon)y Footloose.

Sea como fuere, y en el estilo que se quiera, el baile es parte inherente de la cultura humana, nos acompañará siempre…a todo esto ¿bailamos?.

GRAZIE MAESTRO MORRICONE

2011-04-02T16:09:00.000-07:00

Hace ya muchos años, desde que era pequeño hasta que tuve unos 21 años, solía escuchar un noticiero todas las mañanas, el cual usaba un fondo musical que indudablemente debía pertenecer a una película “Western”, y efectivamente era así, el tema era parte de la banda sonora de la película “ Il buono, il brutto, il cattivo”, (El Bueno, el Malo y el Feo), un "Spaghetti Western", subgénero del western que estuvo de moda en las décadas de los años 1960 y 1970; el origen del nombre es debido a que estas películas fueron financiadas por compañías italianas y dirigidas por cineastas italianos, como el caso de Sergio Leone, quien para la creación de la banda sonora de la película en mención, contó con la invaluable mano maestra de uno de los músicos más grandes e influyentes en la historia del cine, ése maestro es ENNIO MORRICONE.

Dueño de una gran versatilidad, el maestro nos ha dejado un legado de bandas sonoras extraordinarias, la lista es impresionante: Once Upon a Time in America, The Untouchables, Nuovo cinema Paradiso, The Mission, Novecento, También es destacada su colaboración con grandes directores como Pier Paolo Pasolini, Bernardo Bertolucci, Brian de Palma, Dario Argento, Samuel Fuller, John Boorman o Giuseppe Tornatore.

El año 2007 el maestro italiano recibe un Oscar honorífico por toda su carrera. Cinco veces nominado, por Días del cielo (1978), La misión (1986), Los intocables de Elliot Ness(1987), Bugsy (1991) y Malena (2000),pero sin conseguir llevarse el galardón. Evidentemente y como siempre, la Academia intentó rectificar sus grandes olvidos de alguna manera. El premio se lo entregó Clint Eastwood, quien tradujo las emocionadas palabras del Maestro al inglés.
"Había renunciado tranquilamente a creer en este premio. Ya no me lo esperaba", afirmó Morricone en declaraciones a una cadena de televisión italiana sobre la decisión de la Academia de cine estadounidense de concederle el premio a su carrera. Añadió tras conocer la noticia que "el premio es un honor pero que no añade nada más a los valores esenciales de un músico". "Sin el Oscar, mi vida profesional continuaba tranquilamente y siempre dando el máximo".

"Con el Oscar o sin el Oscar", Ennio Morricone no dejará de ser uno de los músicos más importantes de todos los tiempos. Grazie Maestro.

MASTER BLASTER

2011-02-14T14:46:00.000-08:00

La RAE define a la objetividad como: “Perteneciente o relativo al objeto en sí mismo, con independencia de la propia manera de pensar o de sentir”. Con independencia de lo que uno piensa o siente, aunque a nivel personal me es casi imposible ser objetivo con el artista de quien he escrito ahora, toda vez que es uno de mis preferidos. Aunque independientemente de lo que yo pueda pensar, Stevie Wonder es una auténtica “maravilla” como artista, que duda puede caber ante esto.

Conocí al genio el año 1982 a través de una canción llamada “Ebony and Ivory” a dúo con otra leyenda llamada Paul Mc Cartney. Dicho tema era una especie de alegato en contra de las diferencias raciales. Años después, en 1985, por medio de los superhit “I Just Call To Say I Love You” y “Part Time Lover” (este última, la canción que menos me gusta del maestro). A partir de entonces presté atención a otros temas de él, en especial a los su época en Motown Records y los años 70. Descubrí gracias a ello a una fuente inagotable de buena música, arreglos estupendos y letras notables; una mezcla en la que casi todo podía valer (Jazz, reggae, blues, funk, soul, etc.) y canciones como “Superstition” “Sir Duke”, “My Cherie Amour”, o el disco “Songs in the Key of Life “, grabaciones que son parte importante en la historia de la música contemporánea.

Notable multi-instrumentista, Wonder toca de manera excepcional los teclados, la armónica y el piano, el músico nacido prematuramente como Stevland Judkins en Saginaw (Míchigan) el 13 de mayo de 1950. Se dice que perdió la vista a causa de un problema de suministro de oxígeno mientras se encontraba en la incubadora.
Al igual que Marvin Gaye, este genio fue uno de los primeros músicos que obtuvo libertad creativa para desarrollarse musicalmente, lejos del férreo control de la Motown y del “patrón” Berry Gordy.
Cantante, compositor, productor discográfico, músico y activista social , el maestro Wonder lleva consigo una extraordinaria carrera avalada por 24 premios Grammy (un récord para un artista vivo), más de 100 millones de discos vendidos y una enorme colección de grandes éxitos, a nivel comercial y artístico.

En marzo de 2009 publicó su primer DVD oficial, su título "Live at Last", con el contenido de su concierto celebrado en octubre del año anterior en Londres, en el majestuoso O2, en un ambiente increíble y con el público entregado al artista. Al año siguiente, el 2010, fue la estrella principal en el Festival de Glastonbury, en donde demostró que los años no pasan por él, lo mejor de la edición de ése año, sin dudas.
Larga vida a la buena música, larga vida al maestro

"EL NANO"

2011-01-27T13:20:00.000-08:00

DE VEZ EN CUANDO LA VIDA

"De vez en cuando la vida
nos besa en la boca
y a colores se despliega
como un atlas,
nos pasea por las calles
en volandas,

y nos sentimos en buenas manos;
se hace de nuestra medida,
toma nuestro paso
y saca un conejo de la vieja chistera
y uno es feliz como un niño
cuando sale de la escuela.

De vez en cuando la vida
toma conmigo café
y está tan bonita que
da gusto verla.
Se suelta el pelo y me invita
a salir con ella a escena.

De vez en cuando la vida
se nos brinda en cueros
y nos regala un sueño
tan escurridizo
que hay que andarlo de puntillas
por no romper el hechizo.

De vez en cuando la vida
afina con el pincel:
se nos eriza la piel
y faltan palabras
para nombrar lo que ofrece
a los que saben usarla.

De vez en cuando la vida
nos gasta una broma
y nos despertamos
sin saber qué pasa,
chupando un palo sentados
sobre una calabaza."

Esta canción me transporta a una cálida noche de verano de Febrero de 1995, en Lima-Perú, en un concierto efectuado en una universidad (a la que no pienso mencionar ni dar publicidad). En un concierto que prometía ser masivo y que por razones inexplicables - o tal vez no - se convirtió en íntimo (por la poca asistencia de la gente). Era Joan Manuel Serrat, el más grande cantautor español (catalán también) que ha existido, quien presentaba su nuevo disco "Nadie es Perfecto", pero dicho recital se convirtió en un viaje al pasado, para coger un puñado de joyas, poesía y música en un perfecto amalgama : "Lucía", "Cantares", "Penélope","Mediterráneo", etc, porque de vez en cuando la vida no regala momentos inolvidables y nos gasta una broma...o un regalo maravilloso de Serrat.

LO MEJOR DEL AÑO…TAL VEZ

2010-12-29T16:22:00.000-08:00

Hace algunos años, esperaba con mucha ansiedad estas fechas, debido a los recuentos que solían hacer las radios sobre la que se consideraba la mejor canción del año (o la más popular). Era la ocasión perfecta para disfrutar de verdaderas creaciones, un año que recuerdo con verdadero placer es 1983, por la gran cantidad de buenos temas que nos dejó. Aunque hace 17 años llegó a mis manos una lista del año 1970, para ser más específico de la Revista Billboard y quedé francamente alucinado ¿la razón?, las canciones de dicho “ranking” eran casi todas espectaculares, por citar algunas de las primeras: Raindrops Keep Fallin' on My Head, I'll Be There, Bridge Over Troubled Water, My Sweet Lord/Isn't It a Pity, American Woman, Let It Be… ¿impresionante, verdad?

Bueno, si tuviésemos que hacer una selección del año 2010 ¿con qué nos quedamos? ¿Lady Gaga? ¿Katy Perry? ¿Kesha? ¿Usher?, con el respecto de los gustos ajenos, pero no creemos que eso merezca pertenecer a una lista mínimamente decente, las ventas no crean calidad, sólo engordan la billetera de quienes interpretan canciones infumables pero con millones de visitas y de descargas.
En una entrevista reciente, Phil Collins comentó que: “probablemente no es "la persona adecuada para juzgar" la música actual, pero, de la última ceremonia de los Brit Awards, ha dicho: "Escuché música, pero no escuché ninguna gran canción".
"Probablemente Lady Gaga sea muy buena, pero no me dice nada", ha sentenciado.

Sobre este tema Mick Hucknall (Simply Red) fue tajante en sus declaraciones sobre los artistas de pop actual, especialmente aquellos que obtienen fama a fuerza de hacer ‘covers’…
“Aquellos que son merecedores de mi admiración fueron artistas primero y celebridades después… se convirtieron en celebridades gracias a su talento.
Me he vuelto sumamente alérgico a lo que viene sucediendo desde la década de los ‘80. Hubo un cambio brusco hacia lo bien que te veías, dejando de lado la habilidad que la persona poseía… entramos en una zona de gran mediocridad”, comentó.
“Es muy decepcionante formar parte de una industria que, básicamente, se ha convertido en una competencia de karaoke”, agregó.

Por ahora dejamos la controversia, y hemos seleccionado para la ocasión, lo que consideramos son los 6 mejores videos de nuestro blog para este año 2010, no ha sido nada fácil, debido a que el hacer este espacio ha servido para mi enriquecimiento musical de una manera que nunca pensé. Que disfruten de la buena música y pasen una feliz entrada de año 2011.

MERRY CHRISTMAS DARLING

2010-12-24T12:02:00.000-08:00

La navidad siempre es una época especial en todo el mundo y siempre me trae recuerdos especiales, en especial la música de Bing Crosby y The Carpenters. Con respecto al dúo de Richard y Karen Carpenter, desde el inicio de sus carreras los hermanos Karen y Richard Carpenter tuvieron entre sus planes grabar un disco de navidad, pero no fue sino a fines de la década de los setenta (1978) cuando lanzaron su primer álbum navideño, "Christmas Portrait" (Retrato de Navidad).
Un detalle de los discos de navidad es que muchos artistas han aprovechado el tirón que esto puede suponer a sus carreras, por los fáciles resultados de las ventas, pero no siempre se han preocupado por hacer llegar un material de calidad, pero esto no pasó con The Carpenters, que entregaron uno de los mejores discos de navidad que existen, por varias razones, entre ellas por la bellísima e incomparable voz de Karen, que durante todas las pistas del álbum nos da muestra de lo que disfrutó haber hecho este disco de impecable calidad, con arreglos notables.
Todas las canciones del disco son estupendas, pero hemos elegido parte de la letra de nuestra favorita “Merry Christmas Darling”, compuesta por Richard Carpenter y Frank Pooler:

"Las felicitaciones de Navidad
han sido ya enviadas
La Navidad ya está aquí
pero aún tengo un deseo que realizar
uno especial para tí

Feliz Navidad, cariño
Estamos separados, eso es verdad
Pero yo puedo soñar y en mis sueños
Navidad la paso contigo

Estas fiestas son felices
siempre hay algo nuevo.
Pero todos los días son una fiesta
cuando estoy cerca de tí.
Las luces en mi árbol
... me gustaría que las vieras
Deseo todos los días
Los leños en el fuego
me llenan de deseo
de verte y de que te quedes

Yo te deseo Feliz Navidad
Feliz año nuevo, también
Tengo sólo un deseo en mi árbol de nochebuena
Deseo estar contigo..."

30 AÑOS

2010-12-12T08:08:00.000-08:00

Hace 30 años, un 8 de diciembre de 1980, al regresar a casa después un paseo con mis padres, puede ver a través de la televisión unas imágenes que -conforme cambiaba de canal- eran casi las mismas en todos lados, las de unos músicos con el cabello largo y la barba como señal de identidad. Lo que vi era algo que en su momento me llamó la atención por la cobertura, pero luego de muy poco tiempo, comprendí a cabalidad de lo que se trataba.
Ese día los medios de comunicación del mundo entero difundían “la noticia”, el asesinato de John Lennon a manos de un fanático llamado Mark Chapman, quien le disparó 4 veces, eran las 10:30 pm. , frente a la casa del artista, en el ahora mítico “Dakota Building”, desde donde fue trasladado al Hospital Roosevelt, hasta que los médicos certificaron oficialmente su muerte a las 11:15 pm del mismo día.
La noticia de la muerte de John Lennon recorrió el mundo en escasas horas, las lágrimas de todos esos seguidores que habían crecido compartiendo el sueño de John se mezclaron con las de las miles de personas que se congregaron frente a la casa del artista. El cuerpo de Lennon fue incinerado días después y las cenizas fueron entregadas a su viuda Yoko Ono, quien anunció que no se celebraría ningún funeral e invitó a sus seguidores a rezar por él y a compartir diez minutos de silencio en Central Park el 14 de diciembre. Más de doscientas mil personas acudieron al acto en Nueva York, sus cenizas fueron esparcidas en el parque aunque centenares de actos tributo tuvieron lugar en otras ciudades del mundo.
Poco antes de morir, después de un retiro voluntario, y tras varios años sin haber editado nada, Lennon regresó con el disco “Double Fantasy”, el mismo que fue recibido con entusiasmo por el público que no lo había olvidado. Una copia de ése álbum fue el que le autografió a Chapman, a las 5 de la tarde del mismo 8 de diciembre de 1980.
30 años pueden parecer poco tiempo o mucho, dependiendo del cristal con que se mire o de la persona que piense en ello, pero todo este tiempo no ha hecho más que aumentar la fama y la leyenda de uno de los músicos más grandes de la historia, líder de la agrupación más grande del siglo XX, evidentemente nos referimos a “The Beatles” y creador de inolvidables temas. Se le puede catalogar de muchas maneras: Icono, genio, mito, luchador por la paz (adjetivo trillado a nuestro entender), etc., pero por sobre todas las cosas fue un músico que marcó la pauta de muchos artistas. Y lo mejor que podemos hacer es admirar y recordar su legado.

WALL OF SOUND

2010-12-06T23:57:00.000-08:00

Hace unos meses, a través de TV2 (España), pude ver el documental sobre el legendario productor Phil Spector “La agonía y el éxtasis de Phil Spector”, un “docudrama”, entrevista exclusiva, con vídeos refulgentes (Ronettes, Crystals, Ike & Tina Turner, The Righteous Brothers, John Lennon) .
Fueron 100 minutos de ego, del resultado de una mitología llena de canciones bellísimas, históricas. El creador del “Wall Of Sound” no es el mejor ejemplo de la mesura. Una y otra vez invoca los nombres de Leonardo da Vinci, Bach o Miguel Ángel, a los que considera sus pares y dice: “Me animaba el mismo espíritu que a Galileo. Yo también quería cambiar la noción que tenemos del universo”.
Pero a diferencia del científico italiano, él fue condenado por el asesinato de la actriz Lana Clarkson.
Ahora yendo al tema estrictamente musical, Spector (nacido en 1940) revolucionó la música con el "Muro de Sonido" (Wall of Sound), que consiste en grabar múltiples pistas de acompañamiento, superponiéndolas hasta crear un sonido compacto y algo apabullante. La técnica de Spector ha tenido una gran influencia sobre otros músicos que han experimentado con el estudio como instrumento musical, como The Beatles (que lo llamaron para hacerse cargo de las grabaciones de Let It Be) o Brian Wilson.
Canciones como ‘Da doo ron ron’, ‘Unchained melody’, ‘High mountain, deep river’, ‘He’s a rebel’, ‘Then he kissed me’, ‘Uptown’ o ‘Spanish Harlem’ nutren la médula del mejor pop. Aunque, al margen de sus intuiciones, dotes de mando y demás, conviene recordar que compartió estudio con arreglistas sublimes (Jack Nitzsche), compositores en racha (Jeff Barry, Ellie Greenwich, etc.) e inolvidables vocalistas.
La lista de los artistas a quienes produjo, así como los discos y sencillos que realizó es tan apabullante como su técnica. Gente como The Righteous Brothers, The Beatles, John Lennon, Leonard Cohen, George Harrison, Ike & Tina Turner, los Ramones, canciones como "Be My Baby" , "You've Lost That Lovin' Feelin'”, "Unchained Melody","My Sweet Lord", "let it be", "Imagine","Proud Mary" , "Do You Remember Rock 'n' Roll Radio?",etc. , son parte del legado de este mito de la música.

YOU´VE GOT A FRIEND

2010-11-20T09:27:00.000-08:00

Hace algunos años, mientras veía un capítulo de mi serie favorita "The Wonder Years", escuché una maravillosa canción llamada “You've got a friend”, interpretada por James Taylor. Es que el episodio en cuestión trataba de la amistad inquebrantable de dos niños, algo que sería permanente durante el resto de sus vidas. No tarde mucho tiempo en averiguar la traducción de la letra y el nombre de la compositora, mi admirada Carole King. El tema originalmente era parte del disco “Tapestry” y contiene una letra extraordinaria, parte de ella dice:

"Cuando estés triste y nerviosa,
Y necesites una mano amiga,
Y nada, nada te vaya bien,
Cierra los ojos y piensa en mí,
Y pronto estaré allí,
Para alegrar tus nubladas y oscuras noches".

No puedo negar que es una de mis canciones preferidas, que me tocó de una manera especial desde un primer momento. Lo cierto es que la música puede ser un excelente vehículo para transmitir emociones justas y nobles, para decir que el mundo puede ser mejor y que no hay “montaña lo suficientemente grande” como manifiestan Marvin Gaye y Tammi Terrell en esa inolvidable declaración de intenciones llamada “Ain't no mountain high enough”, que fuera también parte de la banda sonora de “Remember the Titans”.

Me pregunto cómo hace una artista para encontrar la inspiración en el momento justo, para expresar las palabras necesarias, para manifestar sentimientos de reflexión de cosas verdaderamente importantes y que la superficialidad pase a segundo plano. Me pregunto cómo hicieron Paul Simon y Art Garfunkel para crear “Bridge over Troubled Water” y de esta manera transmitir sentimientos tan honestos y profundos, sin caer en la sensiblería barata.
Que podamos disfrutar de estos momentos de reflexión a través de la música y de canciones atemporales y que trascienden modas y estilos.

YESSONGS

2010-11-06T16:44:00.000-07:00

Siempre he considerado que las actuaciones en vivo de un grupo son su prueba de fuego, es decir, que es en el directo que se puede demostrar “de la madera por la que están hechos”. Es evidente que las falencias y limitaciones de un artista, que se ven disfrazadas o cubiertas en un estudio de grabación, saltan a la vista y se perciben por los oídos, cuando los músicos o cantantes se deben enfrentar a un público, no necesariamente exigente, y también es evidente que ni la tecnología es capaz de cubrir la carencia de calidad interpretativa o voz, así como tampoco de la ejecución de los instrumentos. Ejemplo típico de esto, las actuaciones de las “Boy Band”.
Ahora, por el otro lado, encontramos a los “grupos de verdad”, ejemplos de magistral ejecución, y una clara muestra de dar lo mejor de sí. Una de estas bandas fue YES, clásica agrupación de Rock Progresivo, quienes en 1973 lanzaron el que es el mejor disco en vivo de esta corriente, y uno de los mejores de la historia en cualquier género; nos referimos – como no- al clásico "Yessongs", un álbum que se grabó durante la gira “Close To The Edge”. No es de extrañar la calidad de la grabación por varias razones, la principal de ellas, que Yes estaba conformada por una constelación de músicos: Jon Anderson en la voz, Steve Howe en guitarra, Chris Squire con el bajo, Bill Bruford tocando la batería en 2 canciones del disco, Alan White en el resto, y a cargo de los teclados el Maestro Rick Wakeman, considerado como el más destacado tecladista de rock de la historia.
Dado que el álbum contiene las mejores canciones del grupo a partir del “The Yes Album”, se podría decir que este un disco de grandes éxitos, además que las versiones en vivo son fieles – y mejores- a los temas originales en estudio. Todos los temas son excepcionales, aunque a nivel personal siempre nos queda en la memoria el solo de guitarra de Howe al final de "Siberian Khatru" y la velocidad del teclado de Wakeman en "Roundabout", por otro lado "Yours Is No Disgrace" y "Starship Trooper" son un prodigio de ejecución del grupo al completo.
Nosotros siempre nos daremos tiempo para escuchar este mágico disco, sin artificios, tan sólo música maravillosamente ejecutada.

ALTURAS DE MACHU PICCHU

2010-10-25T13:17:00.000-07:00

Hoy es hora de hablar de MACHU PICCHU, pero es difícil de definir algo tan abrumador… una obra maestra del hombre, maravilla atemporal, monumento a la inteligencia del ser humano, etc., tantas frases que sirven para intentar de alguna manera calificar lo que significa un monumento, que es motivo de auténtico orgullo nacional para los peruanos, pero también para aquellos que no lo son, que al haber conocido el monumento incaico por antonomasia, se han sentido sobrecogidos con este puente que une el cielo y la tierra.
Uno de estos personajes fue el poeta chileno Pablo Neruda. Es el sentimiento de subyugación, ejercido por la grandeza de la creación humana, que él atestigua en las ruinas de Machu Picchu, en Perú, sobre el glorioso pasado indígena de América Latina, el que le lleva a escribir Alturas de Machu Picchu, en donde se tratan temas como las miserias humanas, la muerte y el dolor que la majestuosidad a menudo causa en quienes la forjan.
El poeta chileno y universal, escribió Alturas de Machu Picchu durante la década de los 40 y esto pasó a formar parte, como una sección del libro de poesía Canto General, publicado en 1950.
Ahora bien, ¿qué relación existe entre Alturas de Machu Picchu de Neruda y la música?, pues que este poema llegó a ser musicalizado en 1981, a través del disco del mismo nombre, que era el séptimo álbum de estudio de la mítica banda chilena Los Jaivas, un grupo que hizo una notable fusión de ritmos folklóricos latinoamericanos con rock progresivo. El disco, que fue realizado a insistencia del productor peruano Daniel Camino, es realmente excepcional, además de fiel al contenido del poema original del artista. Es necesario resaltar, en este caso, un tema antológico llamado "La Poderosa Muerte", con una duración de 11:12 min. que extrae líricas de varios cantos del poema, y se compone de ritmos y estilos variados, incorporando extractos de marchas, cuecas y rock progresivo, entre otros, unidos por solos extensos de guitarra eléctrica, piano y teclado minimoog, además de la extraordinaria percusión a cargo del legendario Gabriel Parra.
Pero si el disco es magistral, también lo es el especial televisivo, que Los Jaivas realizaron en 1981, en Machu Picchu, y que se llevó a cabo por medio de una co-producción de Canal 13 de Chile y Radio Televisión Peruana entre el 9 y el 12 de septiembre de 1981, y estrenado el 8 de octubre del mismo año. Este programa que se ha llegado a convertir en un documento histórico. Habría que añadir, que el especial contó con la presentación del famoso novelista Mario Vargas Llosa.
El video de este mítico programa televisivo es impresionante, desde varios puntos de vista. Para empezar, la majestuosidad del recinto, por otro lado, la alta calidad de las imágenes, fotografía, edición y post-producción no deja resquicio a ninguna duda, estamos frente a una OBRA MAESTRA.

Para terminar, unas palabras del poeta: “ Machu Picchu se reveló ante mí como el perdurar de la razón por encima del delirio, y la ausencia de sus habitantes, de sus creadores, el misterio de su origen y de silenciosa tenacidad, desencadenaron para mí la lección del orden, que el hombre puede establecer a través de los siglos con su voluntad solidaria...”

MR. LUCKY... MR. MANCINI

2010-10-11T01:21:00.000-07:00

En escena un hombre tecleando una vieja máquina de escribir, con muchos papeles arrugados en el piso, ¿qué ha escrito?, lo siguiente: “There was once a lovely, very frightened girl. She lived alone except for a nameless cat “/ Había una vez una chica encantadora, muy asustada. Vivía sola a excepción de un gato sin nombre. De pronto, los acordes de una guitarra se empezaban a escuchar, acompañados de una dulce voz femenina “Moon River”, es lo que primero se oye, y el escritor deja lo que está haciendo para asomarse por la ventana del departamento neoyorkino, y averiguar de dónde viene la melodía tan atrayente. En el piso inferior, una hermosa mujer, con una guitarra, sentada en el borde de su ventana e interpretando una de las canciones más hermosas en la historia del cine. La escena –inmortal- pertenece a la película de Blake Edwars “Breakfast at Tiffany's”. La mujer que se ve en escena, era la inigualable –hasta ahora- Audrey Hepburn, quien interpretaba un tema pensado en ella y compuesto para ella, por el maestro Henry Mancini y Jonny Mercer.
Aunque tengo la tentación de escribir sobre nuestra idolatrada Audrey , en este caso, es de Mancini sobre quien trataremos hoy.
El músico de origen italiano, nacido en Cleveland (Ohio)el 16 de abril de 1924, y que curiosamente comenzó a trabajar en películas de serie B de los estudios Universal en 1952, hizo historia al componer algunas de las bandas sonoras más importantes en el cine y la televisión. Basta con citar algunos de sus temas más emblemáticos: Breakfast At Tiffany's , Pink Panther Theme , Days Of Wine And Roses, Moon River, Peter Gunn, Two for the Road, Lujon, Natalie, Mr. Lucky y un largo etcétera. También es conocida su colaboración con grandes cineastas como Orson Welles, Blake Edwards, Stanley Donen o Howard Hawks, ganando un total de 4 premios Oscar y 20 Grammys.
Un detalle sobre Mancini es que fue el primer compositor cinematográfico que trascendió la pantalla, para ser conocido por el gran público, y de hecho, el músico llegó a ser tan famoso como cualquiera de las estrellas de cine que actuaban en las películas a la que él les ponía la banda sonora. Es en los años 60 en que alcanza su máxima popularidad, sin embargo siguió haciendo trabajos hasta los años 70, 80 e inclusive los 90.

Debo confesar mi devoción por este maestro de la música, estupendo pianista, director y arreglista, a quien he tenido el gusto de escuchar desde niño, a través de maravillosas películas y discos. El legado dejado por Mancini (fallecido en 1994) es sencillamente incomparable. Para terminar un fragmento de “Moon River”:

“Moon River, wider than a mile,
I'm crossing you in style some day.
Oh, dream maker, you heart breaker,
wherever you're going I'm going your way“

AZNAVOURIAN

2010-10-04T15:47:00.000-07:00

¡MONTMARTRE!, el nombre evoca tantas cosas…La Basílica del Sacré Coeur, el impresionismo, y la cuna de artistas como Pablo Picasso, Amedeo Modigliani , Henri Matisse…la bohemia parisina, restaurantes como el Café des 2 Moulins y cabarets como el Moulin Rouge y el Lapin Agile. El barrio se prolonga de Place Pigalle hasta la Iglesia de Sacré Coeur. En él también se encuentra el famoso Cementerio de Montmartre, en donde descansan François Truffaut, Stendhal, entre otras personalidades. Nadie pudo retratar este barrio histórico, como lo hizo Shahnourh Varinag Aznavourian, más conocido como Charles Aznavour (París, Francia, 22 de mayo de 1924), en esa inmortal canción llamada “La Boheme”. Aquí parte de la letra:

Je vous parle d'un temps
Que les moins de vingt ans
Ne peuvent pas connaître
Montmartre en ce temps-là
Accrochait ses lilas
Jusque sous nos fenêtres
Et si l'humble garni
Qui nous servait de nid
Ne payait pas de mine
C'est là qu'on s'est connu
Moi qui criait famine
Et toi qui posais nue
La bohème, la bohème
Ça voulait dire on est heureux
La bohème, la bohème
Nous ne mangions qu'un jour sur deux

Llama enormemente la atención los gestos que el artista francés (de origen armenio) utiliza cuando interpreta esta obra magna: la mano con la servilleta limpiando un vaso imaginario…cuando simula estar pintando un cuadro, etc. Todo ello no es más que una suma de los recuerdos en la vida de un pintor, de un barrio que ha dejado de ser. Nadie mejor que el maestro Aznavourian para representar un estilo, un barrio, una ciudad, y un estilo de cantar.
Amigo de Edith Piaf, su carrera tuvo comienzos muy difíciles a inicios de los años 40, aunque hoy parezca difícil de creerlo. Hoy, es un embajador de la música francesa, mundialmente reconocido y querido a partes iguales. Esperemos seguir disfrutando de su magia.

FORREST, FORREST GUMP

2010-09-27T15:15:00.000-07:00

Tengo que confesar que Tom Hanks como actor nunca me ha gustado, pero hizo algo en 1994 que me replanteó la imagen que de él tenía. Eso que realizó tiene nombre y es “Forrest Gump”, la película dirigida por Robert Zemeckis (el mismo director de “Back to the Future”), y producida por la Paramount, que narraba parte de la historia americana reciente, aunque no es cualquier etapa, es tal vez la más trascendente.
Visto desde un punto de vista, se podría decir que el filme –ganador de 6 premios Oscar ,entre ellos , el de mejor película, mejor director (Robert Zemeckis), y mejor actor (Tom Hanks)- por momentos se convierte en una especie de documento histórico, si tomamos en cuenta que está ambientada durante los turbulentos años 60, en la que se hace grandes referencias a citas históricas como “La Marcha sobre Washington”, “Woodstock” o La Guerra de Vietnam, además de la segregación racial que devino en enormes manifestaciones en los Estados Unidos de aquél entonces, pasando luego a relatar acontecimientos fundamentales de los 70, como el caso “Watergate” y la caída de Richard Nixon.
Para los que amamos la historia, esta película es un “pastel”, pero para los que tenemos a la música como nuestro referente artístico, este largometraje es sencillamente inolvidable, debido a su banda sonora, que es una de la mejores de la historia, una verdadera joya. Podemos mencionar algunas canciones del soundtrack, como por ejemplo: Turn! Turn! Turn!, Mrs. Robinson, California Dreamin', Blowin' In The Wind, Sweet Home Alabama, Respect, Land Of 1000 Dances, San Francisco, etc., por otro lado, los dos encuentros con Elvis Presley y John Lennon, en especial el de este último, son de antología.
Lo cierto es que estos temas y otros contenidos en la B.S.O. de esta producción, reflejan claramente el tipo de música que se escuchaba en aquellos tiempos, y por ende, la clase de gustos que tenía la gente, así como lo que significaban la letras y su contenido para los jóvenes que estás representados en este filme, como por ejemplo “San Francisco”, interpretada por Scott McKenzie, un tema emblemático de los años 60 y en especial de la cultura “Hippie”, que esta película retrata de manera tan acertada.
Este filme es un viaje que nos transporta a una época inmejorable, en la que el talento sí era necesario para crear ¡y qué creaciones!, para quienes aún no la han visto, se la recomendamos.

TEARS FOR FEARS

2010-09-10T14:54:00.000-07:00

Quiero ser honesto en decirles que al pensar en esta nueva edición del blog, lo hice para escribir sobre la corriente llamada "New Romantic", de hecho lo estuve haciendo, hasta que me topé con el nombre de “Tears For Fears”, como uno de los exponentes de esta corriente, craso error, porque este dúo era más que ello, era más que muchas de las bandas de los años 80 que he conocido, sencillamente uno de los mejores grupos de tan espectacular década. Esta estupenda banda nació en 1981, y estuvo conformada desde su inicio por Curt Smith y Roland Orzábal, los rostros visibles del grupo, en el que también participaron el teclista Ian Stanley y el batería Manny Elías.

Hace años llegó a mis manos, una cinta con la música de ése gran disco llamado “Song of Big Chair”, publicado en 1985 que contenía los super hits "Shout" y "Everybody Wants to Rule the World" (Nº 1 en el mundo entero), además de mi preferida del álbum, me refiero a Head over Heels. Al respecto de esta grabación, habría que apuntar que fue el segundo disco del grupo, el mismo que los convirtió en una celebridad global y en la banda más importante del mundo durante un breve tiempo.
Este disco -sin fisuras y con temas brillantes- está considerado como uno de los mejores álbumes pop de los 80. La música electrónica también podía ser sensible y cerebral, ello quedó demostrado ampliamente, además del enorme talento de Orzábal como compositor. Aunque la sinergia se terminó por el excesivo protagonismo de éste último

A mediados de 1989 lanzan el que sería su segundo disco multiventas llamado "The Seeds of Love", comercial y criticado, se le acusa de tener un aire muy beatle. En la producción de este disco, se aprecian claras influencias de jazz y blues, además de los ya mencionados Beatles, en especial en el hit “Sowing The Seeds of Love”, la canción parece un tributo a los Fab Four , y del video ¿qué se puede decir?, es más que evidente. Otro éxito del disco fue el single "Woman in Chains", en cuya grabación participaron Phil Collins –tocando la batería, claro está - y Oleta Adams al piano, quien en este tema realizó un extraordinario tándem vocal con Roland Orzábal.

Ya en solitario, las carreras profesionales de Smith y Orzábal fueron dispares, a la vez que éste último conservaba el nombre del grupo. En el año 2003 Roland Orzabal y Curt Smith decidieron regresar a trabajar juntos en la nueva producción .Para el 2004 sacaron su trabajo "Everybody Loves a Happy Ending" retornando a su sonido característico de influencia Beatle. En 2005 realizan su última producción llamada “Secret World Live in París” en formato de CD + DVD, el mismo que fue lanzado en 2006 y se convirtió en un éxito profesional y comercial.
Un grupo con ambiciones y experimental ¿resultado?, calidad enorme y atemporal.

¡CIAO ITALIA!

2010-08-31T15:44:00.000-07:00

"Non ho l'età, non ho l'età per amarti
Non ho l'età per uscire sola con te
E non avrei, non avrei nulla da dirti
Perchè tu sai molte più cose di me

[Refrain:]
Lascia ch'io viva un amore romantico
Nell'attesa che venga quel giorno, ma ora no
Non ho l'età, non ho l'età per amarti
Non ho l'età per uscire sola con te
Se tu vorrai, se tu vorrai aspettarmi
Quel giorno avrai tutto il mio amore per te
Lascia ch'io viva un amore romantico
Nell'attesa che venga quel giorno, ma ora no"

Esta es parte de la letra de una canción que escuché cuando niño, y que aún ahora considero que es uno de los más hermosos temas que he escuchado, la canción se llamaba -se llama- Non ho l'età (per amarti) (No tengo edad (para amarte), y con ella en 1964 Gigliola Cinquetti –la intérprete- triunfaba en el Festival de San Remo. Dos meses después ganaría con la misma canción, en el Festival de la Canción de Eurovisión, realizado en Copenhague. Ella y una brillante generación de cantantes italianos influiría de manera crucial en la música internacional de los años 50, 60 y 70.
Un dato curioso acerca de una de las gloriosas canciones de esta época, es el caso del clásico "Dio Come Ti Amo", obra maestra compuesta por Domenico Modugno (considerado como el padre de los cantautores italianos). Esta canción representó a Italia en el Festival de Eurovisión en 1966 y culminó con cero puntos, una injusticia por donde se le mire, sin embargo, la versión interpretada por Gigliola Cinquetti ha pasado a la historia, y como pocas veces sucede, la versión superó al tema original.
Muchas de estas joyas pudieron ser conocidas por su difusión a través de la lengua castellana, para lograr el éxito en Latinoamérica, no obstante, nosotros preferimos la versión en su idioma original, entre otras cosas, por la tesitura vocal de sus intérpretes.
Hablar de Italia nos remite automáticamente al arte, al estar este país íntimamente relacionado a algunas de las más hermosas manifestaciones del ser humano. En este caso la música no podría ser la excepción y grandes voces de hace algunos años, como las de Domenico Modugno , Gigliola Cinquetti , Gianni Morandi , Mina Mazzini , Nicola di Bari , Pepino di Capri, Matia Bazar, entre otros, nos enseñaron que la belleza y la calidad pueden acompañar una canción exitosa.
Este es un pequeño homenaje a esa música que me acompañó durante mi niñez…CIAO ITALIA.

GUITAR, BASS AND DRUMS

2010-08-23T14:14:00.000-07:00

A mediados de los años 80, si algún adolescente le preguntaban por su grupo de rock preferido, la respuesta casi siempre era la misma: The Police. Era una manera de decir que uno tenía buenos gustos musicales. Lo interesante del caso, es que el trío británico era un grupo que gozaba de un enorme éxito comercial; lo que sucede, es que la música que hacían era como la películas de John Ford, hechas para el gran público pero con gran aceptación entre la crítica.
Una pregunta surge también al respecto: ¿Se puede hace buena música con tan sólo una guitarra, una bajo y una batería?, la respuesta es sí, y este grupo lo demostró a fines de los 70 e inicios de la década de los 80.
Para quienes no lo saben, The Police fue una banda de rock inglesa, que se formó en 1977 y tocaron oficialmente hasta marzo de 1984 (nunca emitieron un comunicado sobre su disolución). Estaba formada por Gordon Matthew Thomas Sumner “Sting”, voz y bajo; Andy Summers, guitarra y coros y Stewart Copeland, batería y coros. La banda tenía marcadas influencias de reggae y jazz, pero se inició tocando post- punk. Pasaron a tocar un estilo conocido como “reggae blanco” a partir de su segundo disco Reggatta de Blanc. Aunque también se les considera como parte de la corriente musical conocida como New Wave.

El trío, en sus inicios, además del cantante y bajista Sting estaba compuesto por el baterista Stewart Copeland y el guitarrista de origen francés, Henry Padovani, quien pronto sería sustituido por el experimentado Andy Summers, un músico que ya contaba con un largo recorrido en la música rock, pues había estado en bandas como The Animals o Zoot Money. Al respecto de ello, fue Summers quien dio el ultimátum para que el grupo sea un trío, ello debido a la poca experiencia de Padovani como guitarrista, lo cual limitaba la capacidad creativa del grupo.
Quisiera puntualizar que un elemento fundamental en el grupo era el baterista Stewart Copeland, uno de los mejores que he visto, con un estilo enérgico y vibrante, que calzó perfectamente en el estilo que se le imprimió al grupo, cuya influencia en colegas de su profesión es inestimable.

El primer gran éxito de grupo se llamó “Roxanne”, canción compuesta por Sting. La canción se incluyó en su primer álbum, Outlandos D’Amour(1978), sin duda uno de sus mejores trabajos y el más enérgico e inmediato, en donde sonaban clásicos como el citado “Roxanne”, “So lonely” o “Can’t stand losing you”. Aunque a nivel personal, la primera canción que conocí de la banda fue mi preferida de ellos “Message in a bottle”, tema incluido en el ya mencionado disco Regatta de Blanc (1979), LP con temas excelentes como “Message in a bottle” o “Walking on the moon”. En 1980 lanzaron Zenyattà Mondatta, el álbum que coronó a la banda también en los Estados Unidos (número 5 en el Billboard) gracias a canciones como “Don’t stand so close to me” o “De do do do, de da da da”. Estos dos últimos discos fueron co-producidos con la banda por Nigel Gray, quien había ocupado puesto de ingeniero de sonido de su debut.
En 1981 la banda gira hacia una vertiente más pop, a través del disco Ghost in the Machine (1981), un disco producido por Hugh Padgham, que incluye los singles “Spirits in the material world”, “Invisible sun” y “Every little thing she does is magic”. En 1983 lanzan Synchronicity, un disco que se consolidó como una de las obras maestras de la década de los 80, con "Every Breath You Take", que se convertiría en todo un himno de la banda y de los años 80; decir que este tema fue Nº 1 en todo el mundo, no es una exageración, es una realidad, lo mismo que afirmar que The Police llegó a ser la banda más importante de la década.

El último concierto oficial del trío en su etapa original fue el 4 de marzo de 1984 en Australia, en la última fecha de la gira del disco Synchronicity., sin embargo regresaron en 2007, con un tour mundial que confirmó que el estatus de “Megabanda” siempre estuvo con ellos.
Yo creo que si a muchos de los adolescentes de los años 80, se les volviera a hacer la misma pregunta ¿cuál es tu grupo de rock favorito?, dirían lo mismo: The Police.

CARLOS DEVADIP

2010-08-17T02:25:00.000-07:00

A mediados de los años 80, tuve la fortuna de oír una extraordinaria canción instrumental, a través de la radio – cuando valía la pena escucharla -, el detalle era el estilo de rock con fusiones de ritmos típicamente latinos y un solo de guitarra que no me cansaría de escuchar. Años después supe el nombre el guitarrista y de la canción, el artista era Carlos “Devadip” Santana y el tema “Moonflower”.
Por medio de unos amigos llegué a conocer un poco más sobre este enorme artista y luego por cuenta mía, aprendí sobre la trayectoria y el talento de este genio, nacido como Carlos Augusto Santana Alves en Autlán de Navarro, Jalisco, México, el 20 de julio de 1947.
Santana alcanzó el estatus de leyenda gracias a la memorable actuación de su banda en el “Festival de Woodstock” y que según una insulsa lista de la revista Rolling Stone está considerado el 15.º guitarrista de todos los tiempos, aunque en nuestra opinión está varios escalones arriba.

Virtuosismo aparte, creo que uno de los aciertos del guitarrista ha sido elegir muy bien a los músicos que le acompañaron, en especial su baterista más destacado, me refiero a Mike Shrieve, quien en el legendario “Woodstock” contaba con apenas 20 años, y que hizo en “Soul Sacrifice” uno de los mejores solos de batería de la historia y que junto con el bajista Dave Brown , sentaron las bases de la que llegaría a ser una de las secciones rítmicas más sólidas que haya conocido la música. Muy bien acompañados en el teclado por Greg Rolie y en los timbales y la congas por Mike Carabello y por el nicaragüense José "Chepito" Areas .
Durante los años 70, Santana tuvo una intensa actividad artística, en este período Santana adoptó el nombre "Devadip", conferido por el líder espiritual Sri Chinmoy.
En setiembre de 1970, sacó al mercado su álbum más famoso, el mítico “Abraxas”, un disco que fue una mezcla de varios estilos como rock, blues, jazz y salsa, convertido además en un clásico que definió el sonido de Santana y mostró una madurez musical definitiva. Este disco incluye unos superéxitos como “Black Magic Woman”, “Samba Pa Ti” y “Oye Como Va”

Santana editó varios discos entre 1970 y 1980, incluyendo colaboraciones con John Lee Hooker, Willie Nelson, Herbie Hancock, Booker T. Jones, Wayne Shorter, Ron Carter y The Fabulous Thunderbirds.
Aunque en la década de los 80 continuó haciendo giras, dejó de estar en la “cresta de la ola”, el artista surgió de nuevo en 1999 con el lanzamiento de Supernatural, que incluyó colaboraciones con Rob Thomas, Eric Clapton, Lauryn Hill, Wyclef Jean, Dave Matthews, y el grupo mexicano Maná. La intervención de Maná en el disco acompañando a la guitarra se debió a su buena relación con Fher Olvera. Supernatural se hizo platino 25 veces, fue el álbum de Santana de mayor venta, alcanzando número uno en la lista Billboard y manteniendo esa posición por 12 meses y ganando nueve Premios Grammy.
Para terminar una declaración de Carlos Santana: “La música es la unión de dos amantes: melodía y ritmo. La melodía es la mujer, y el ritmo es el hombre”.

WOODSTOCK...la utopía de la eterna libertad.

2010-08-02T11:36:00.000-07:00

Alrededor de 1987, escuché a través de un programa de radio un asunto, que era relativo a un concurso para obtener entradas al cine, y con ellas asistir al estreno de la película llamada “WOODSTOCK”. Curiosamente un restaurante llevaba tal nombre. La publicidad –pésima- , anunciaba una suerte de concierto con las mejores canciones de los años ¿70?, bueno lo cierto es que esto alimentó enormemente mi curiosidad con respecto a este tema, a este evento.
El festival de música y arte de Woodstock (Woodstock. 3 Days of Peace & Music) NO ES uno de los festivales de rock más famosos de la historia –como lo dice Wikipedia-, ES EL MAS FAMOSO DE TODOS LOS TIEMPOS, sin ninguna duda.
Este evento Tuvo lugar en una granja de Bethel, Nueva York, los días 15, 16 y 17 de agosto de 1969. El festival tiene el nombre de Woodstock porque inicialmente estaba programado para que tuviese lugar en el pueblo de Woodstock en Ulster County, Estado de Nueva York. La población local siempre se opuso al evento, pero Sam Yasgur convenció a su padre, Max Yasgur, para acoger al concierto en los terrenos de la familia, localizados en Sullivan County, también en el Estado de Nueva York.
Esta granja congregó a más de medio millón de personas, aunque inicialmente se esperaban 60.000, según los organizadores.

Woodstock es la eclosión, la cima y el fin de lo que significó lo contracultura en los Estados Unidos. Los asistentes fueron la confirmación de un movimiento que cambió una sociedad norteamericana hastiada de las guerras, que pregonaba la paz y el amor como forma de vida, un movimiento llamado de forma despectiva Hippie (que es una variante de hipster, "el que siempre quiere estar al paso de las últimas tendencias") Los asistentes fueron los verdaderos exponentes del "Flower Power" o también llamados los “Hijos de las Flores”.
Este festival se convirtió además en el asombroso emblema de una generación de jóvenes estadounidenses que, en plena guerra de Vietnam, renegaba del sistema y pregonaba la paz, el amor, la música y las drogas como forma de vida.
El Festival de Woodstock dejó un legado que va más allá de la música y la vestimenta, más allá de los pantalones acampanados que en su momento volvieron.
¿Qué artistas asistieron a este acontecimiento histórico?, entre los más famosos, citamos a : Jimi Hendrix, Jefferson Airplane, Janis Joplin, Joan Baez, The Who , Creedence Clearwater Revival, Crosby, Stills, Nash & Young , Grateful Dead, Ten Years After, Carlos Santana, Joe Cocker, entre otros.
¿Quiénes faltaron?, en nuestra opinión, creo que los más notables ausentes fueron Bob Dylan y The Doors.
¿Los mejores momentos?, para nosotros, los conciertos de Santana y de Jefferson Airplane, con la imponente Grace Slick al frente, ¿el momento crucial? cuando Jimi Hendrix tocó el himno estadounidense con sólo una guitarra eléctrica durante el festival para demostrar que, aunque estuvieran en contra de la política militar de su país, seguían siendo estadounidenses,
WOODSTOCK, el festival, el mito, el acto histórico, en fin, el festival de música por antonomasia.

PET SOUNDS...GREAT SOUNDS

2010-07-17T00:59:00.000-07:00

Hace un tiempo vi una las películas que me marcaría, era de Billy Wilder, y se llamaba “Double Indemnity”; imposible abstraerse y dejar de verla las casi 2 horas que duraba, y a propósito de esto, surge la pregunta: ¿es posible escuchar un disco que te haga por un momento olvidarte del entorno que te rodea y centrarte únicamente en la melodía que escuchas?, eso exactamente me ocurrió con “Pet Sounds” , el mítico disco de los Beach Boys, o mejor dicho la obra más personal de Brian Wilson. Esta OBRA MAESTRA es parecida a algunas películas antiguas, denostadas por el público en su estreno, pero con una “extraordinaria madurez”, más grande y más valorada con el paso del tiempo.
La temática de "los coches, las chicas y la playa", fórmula que exitosamente había marcado la carrera del grupo hasta ese momento, desaparecían para siempre, para dar paso a sonidos y composiciones más complejas.
Una de las mayores influencias de esta epopeya musical en toda regla fue que The Beatles dijeron que “Pet Sounds” tuvo una gran influencia al construir ellos su conocido álbum conceptual "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band". El productor de The Beatles, George Martin, dijo que "sin Pet Sounds no hubiera existido el Sgt. Pepper's", afirmando asimismo que el Sgt. Pepper's solo fue un intento de alcanzar el nivel de Pet Sounds. El miembro de The Beatles, Paul McCartney, lo ha colocado como uno de sus álbumes favoritos diciendo sobre él:

"Pet Sounds fue realmente impresionante. Me encanta este álbum. Le he comprado a cada uno de mis hijos una copia de este disco. Creo que nadie puede tener una educación musical si no ha escuchado este álbum. Me gusta la orquesta, los arreglos y tal vez va a parecer exagerado si digo que este disco es el clásico del siglo, pero para mí es sin duda un disco clásico que es inmejorable en muchos sentidos. Creo que fue realmente la gran influencia que me hizo grabar el Sgt. Pepper's.”

En una oportunidad, hablando en un programa especial para Radio 1, McCartney confesó que le es imposible controlar sus emociones cada vez que escucha el disco y que rompe a llorar cuando escucha “God Only Knows”, su canción preferida.
Le entendemos perfectamente, es imposible para nosotros dejar de emocionarnos cada vez que escuchamos este antológico tema.
Una de las técnicas utilizadas por Brian Wilson en el álbum fue un refinamiento de la famosa técnica Wall of Sound del productor Phil Spector, que se conseguía mezclando muchos instrumentos y voces creando el efecto de una inmensa capa de sonido.
Armonías vocales, efectos de sonido, e instrumentos no convencionales, tales como instrumentos árabes, electroteremines, timbres de bicicleta, campanas, botes y botellas de Coca-cola, y ladridos de perro; esto junto con los teclados y guitarras más habituales, clavicordios, sonido barroco, etc., todo ello grabado en sonido monoaural.
La influencia de este disco se puede ver en artista como Elton John, R.E.M. o The Corrs, no nos extraña, siempre en cualquier lista de los mejores discos de la historia, este álbum se ubica en el primer lugares o en los Top 5, así de simple y maravilloso este disco...UNA OBRA MAESTRA DE TODOS LOS TIEMPOS.

MUSICO, POETA Y SOBRE TODO ... LATINOAMERICANO

2010-07-08T00:44:00.000-07:00

Hace unos años recibí como regalo de cumpleaños un libro, que para mí es una joya; una compilación de algunos de los mejores discos de la historia, sin embargo de entre tantas obras, sólo una es en lengua castellana, el disco al que me refiero se llama "Siembra" y fue una creación de dos músicos de categoría superior, el panameño Rubén Blades y el neoyorquino de raíces puertorriqueñas Willie Colón.
En este álbum hay una canción que es -como lo dijo Blades en el concierto de Amnistía Internacional en Caracas – es “la canción”, este tema es “Pedro Navaja”, además este disco era para muchos jóvenes latinoamericanos de 1979, una especie de voz representativa de los anhelos, esperanzas y desesperanzas que les invadían en aquellos tiempos, aunque canciones como “Plástico” son atemporales, por la letra, tan vigente en 1979 como en el 2010, ésta última canción es la exhortación a que una América Latina unida despierte y cumpla el sueño de hispanoamericanismo de Simón Bolívar. Este disco marca un antes y un después para entender el género musical mal llamado “Salsa”.
La mayoría de las letras son autoría de Rubén Blades, conocido como “el intelectual de la salsa”, por sus canciones y su compromiso social, como la letra de “Pablo Pueblo” que escribió hace más de 4 décadas, pero que representa una realidad que no ha cambiado un ápice.
Como solista tuvo un enorme éxito con su ópera "Maestra Vida", que fue publicada en dos álbumes de larga duración separados y de este se dice que: Narra la historia de una familia cualquiera en un país de América Latina que podría ser tanto México o Argentina como Bolivia o Guatemala.

De ese disco doble destacaron las canciones Manuela, El nacimiento de Ramiro y Maestra vida. Los retratos de lo que se entiende por barrio, las críticas a los gobiernos latinoamericanos en general y el canto al amor y a la mujer hacen de este disco doble un referente integral de los valores que tiene la salsa como música.
A mediados de los 80, Blades inicia otra etapa muy fructífera en su carrera artística, al juntarse con el grupo Seis del Solar, que luego cambiaría su nombre por el de Son del Solar. Esta unión produjo los álbumes Buscando América, en el que destacan Decisiones y El Padre Antonio y su Monaguillo Andrés, Escenas, Agua de luna, Doble filo, Nothing but the Truth, Antecedentes, Live! y Caminando. Entre todas estas quisiera destacar el homenaje que Blades le hace a Oscar Arnulfo Romero, sacerdote español asesinado en 1980 por la ultraderecha de El Salvador y que se refleja en la letra del clásico "El Padre Antonio y su Monaguillo Andrés" y la obra de arte llamada "Todos Vuelven", composición del peruano César Miró, un homenaje a todos las personas que viajan a otras tierras en busca de un destino mejor. Esta etapa se cierra con el disco The Best.
En realidad el artista panameño ha sabido transitar por diferentes derroteros musicales que van desde la salsa, hasta el jazz, pasando por el blues, y el rock, porque incluso En 1997 colabora con Los Fabulosos Cadillacs en su disco "Fabulosos Calavera"
Tuve la oportunidad de verlo hace 2 años durante un festival y la calidad permanece, también la capacidad de transmitir que tiene sobre su público. Músico, poeta, abogado, compositor, político, visionario, cantautor, y sobre todas las cosas…Latinoamericano.

SMILE MICHAEL

2010-06-25T16:22:00.000-07:00

Hace 1 año, cuando escuché que Michael Jackson había muerto, no pensé que era cierto, porque era una de aquellas personas que uno piensa que no va a dejar de existir, sin embargo era cierto, “El Rey del Pop” había fallecido. Yo nunca he estado a favor de dicho título, sencillamente porque Jackson más que un cantante de pop, era un artista muy versátil, que había desarrollado de manera única un estilo personal, y había transitado por diversos géneros como soul, rhythm & blues, funk, disco, dance, hard dance, hip hop, e incluso el rock. Lo más cercano a lo que fue en vida, sería la definición que de él hizo la famosa presentadora de televisión Oprah Winfrey, “king of Entertainment” (“rey del entretenimiento”).

Mi relación personal con la música de este genio se dio a inicios de los años 80, cuando visioné por primera vez un video del artista, de una notable canción llamada "Don't Stop 'Til You Get Enough"; no está por demás decir que la canción me encantó desde que la escuché y la figura se me hizo familiar para siempre. Este tema se hallaba incluido en un álbum que es un joya musical, de nombre “Off the Wall”, producido por un gigante llamado Quincy Jones, quien a su vez realizó el disco más importante en la carrera de Jackson, el famoso y multipremiado “Thriller”. Al respecto de estos discos, es preciso indicar que el cantante nacido en Gary, USA, el 29 de Agosto de 1958, siempre se asoció con músicos de enorme nivel. Por ejemplo, en “Off the Wall”, algunas canciones fueron compuestas por Rod Temperton, Stevie Wonder, y Paul McCartney. En “Thriller”, se hace acompañar por varios miembros del grupo Toto y en la canción “Beat it”, participa quien en aquellos tiempos era el guitarrista más célebre del mundo, me refiero a Eddie Van Halen de la banda de rock Van Halen. En cuanto a la canción más célebre del disco, “Billie Jean”, tiene al inicio, una de las mejores líneas de bajo que se haya escuchado. La interpretación, pero sobre todo el baile, que Jackson hizo de esta canción con motivo de la celebración de los 25 años de la “Motown Record”, ha pasado a la historia, porque allí nació el famoso “Moonwalk”.
De él se pueden escribir demasiadas cosas, que ya todo el mundo conoce, al ser el artista más mediático que ha existido. Y aún hoy, 1 años después, su música e imagen, sigue generando ingresos fabulosos, sin embargo, a nivel muy personal, me quedo con su música, sus composiciones, su voz, etc., todo lo que conforma la realidad de un auténtico artista, y como epílogo a este pequeño homenaje, les dejo un pequeño mensaje, que es el título de la canción preferida del genio…"SMILE":

"Sonríe aunque te duela el corazón
Sonríe aún mientras se rompe
Cuando el cielo este nublado, estarás bien
Si sonries aunque sientas miedo y pena
Sonrie y tal vez mañana
Verás el sol brillar para ti
Ilumina tu cara con gozo"

I´LL BE OVER YOU

2010-06-12T08:15:00.000-07:00

"Toto es una banda conformada por los mejores músicos de sesión del mundo" Frase dicha por Eddie Van Halen.

Una de las cosas que más identifican a un grupo es su estilo o identidad musical, eso es algo muy evidente, porque los grandes grupos lo han tenido, sin embargo, el caso de Toto es un asunto aparte, porque esta fue una banda que durante toda carrera, estuvo conformada por músicos de sesión; debido a todos los cambios de integrantes que tuvo la banda Toto jamás tuvo una identidad musical, por lo cual siempre tuvieron que arriesgarse a viajar por variados matices y horizones musicales, llámese blues, rock, pop, jazz y funk.
El grupo siempre tuvo músicos y vocalistas de primer nivel, como Bobby Kimball y Steve Lukather. pero, aquí quisiera detenerme un momento para hablar sobre un genio de la batería llamado Jeff Porcaro, hermano de Steve y Mike Porcaro; una leyenda de la música, para muchos uno de los mejores bateristas de la música, músico de sesión al igual que sus compañeros, pero con una larga e interminable colaboración con artistas, fiel a su estilo en la batería con una sutileza y técnica que le daba un sonido inigualable a su clásica batería Pearl, una gran influencia en la música y se ganó su reconocimiento debido al arduo trabajo que hizo junto a Toto; su reconocimiento se debe al groove que aplica con sus baquetas en Rosanna, groove que muchos bateristas de nivel amateur y profesional practican.
Lamentablemente como otro grande de la música fallece en el año 1992 debido a una reacción alérgica con impesticida.
Sin embargo Porcaro fue reemplazado en el grupo por otro músico de extraordinario virtuosismo musical llamado Simon Phillips, apodado el rey del doble bombo, debido a que toca jazz y adecua la doble pedalera a este estilo. Cada concierto de la banda con este notable músico se convirtió en un derroche de calidad y maestría.
En cuanto al nombre del grupo, Steve Lukather dijo lo siguiente:

"La verdad es que odio el nombre "TOTO", ¡siempre lo he odiado! En serio, ¿qué significa "TOTO"? ¡pues nada! No le pusimos ese nombre a la banda por el perro de "El Mago de Oz"… ¡lo odio y lo he odiado por 30 años! Pero esa es la verdad man, pero a pesar que encuentro terrible el nombre, agradezco a Dios que la gente haya valorado a las personas y la música que hay detrás de Toto durante todos estos años, Toto es sólo un nombre, lo importante son las personas, los músicos y la música, todo lo que envuelve el nombre, pero no el nombre en sí."

Y lo que a nivel personal valoro de este grupo son las magníficas canciones que nos ha regalado…con ustedes…TOTO.

I SAY A LITTLE PRAYER FOR YOU

2010-06-03T06:34:00.000-07:00

¿Qué pueden tener en común The Beatles, Herb Alpert, Faith No More, Noel Gallagher (Oasis), Diana Krall, Dusty Springfield, BJ Thomas, Aretha Franklin, Barbra Streisand, Sheryl Crow o Tom Jones?, aparentemente nada, pero hay algo que los une: Su admiración a un músico excepcional llamado Burt Bacharach y haber interpretado algún tema de este genial artista.

Hace unos años cuando vi la película “My Best Friend's Wedding”, pude contemplar una escena, en la que un encantador Rupert Everett (George), amigo de Julia Roberts (Julianne), comienza a cantar "I Say a Little Prayer (For You)" y todos los invitados a la cena pre-boda también interpretan la canción, en la que debe ser la escena más lograda de la película. Dicha canción fue compuesta por Bacharach y la letra pertenece a Hal David. En la misma película también se puede escuchar "What the World Needs Now Is Love", con la mejor interpretación del tema, a cargo de Jackie DeShannon.
En relación a estas canciones, del músico, nacido el 12 de mayo de 1928 en Kansas City (Missouri), se puede decir de él que es una auténtica máquina de componer temas exitosos, en el plano comercial y en el artístico, una verdadero mérito. Hasta 2006 había escrito un total de 70 éxitos de las listas de los principales 40 en Estados Unidos y 52 de los principales 40 del Reino Unido. La lista, de por sí, es impresionante:
"Raindrops Keep Fallin' on My Head", "This Guy's in Love With You", "I'll Never Fall in Love Again", "Do You Know the Way to San José", "Walk on By", "What the World Needs Now Is Love", "I Say a Little Prayer", "(There's) Always Something There to Remind Me", "One Less Bell to Answer", "Anyone Who Had a Heart", "A House is Not a Home", y un largo etcétera.

Sus melodías, dulces, amables, inspiradoras, agridulces, de ritmos y cambios complejos, han inspirado a miles de personas, desde simples aficionados hasta artistas de altísimo nivel; es normal oír una canción de Bacharach que se mueve en una variedad de tiempos inusuales: 5/4, 7/8, 3/4.
“Es el compositor favorito de Brian Wilson,” escribió Skip Heller en un ensayo sobre su obra. “Frank Zappa lo alabó por la sofisticación que trajo al Top 40 en los ‘60. Y John Zorn insultó a un prominente crítico de jazz porque le cuestionó el hecho de haber interpretado una de sus canciones.
Sus mejores temas lo logró haciendo tándem con el letrista Hal David, en una sociedad artística que terminó de muy mala manera, esto a mediados de los años 70, todo ello como consecuencia de que 1973 Bacharach y David intentaron revivir la película clásica de 1937 “Lost Horizon” convirtiéndola en un musical. El resultado fue un fracaso comercial y de crítica que resultó en demandas tanto entre ellos dos como de parte de Dionne Warwick, con quien empezaron a trabajar a inicios de los años 60, y con quien gozaron de un extraordinario éxito. A propósito de Warwick, ella popularizó "I Say a Little Prayer (For You)", sin embargo, este tema se convirtió en un clásico absoluto de la mano de Aretha Franklin.
Bacharach, David y Warwick se reconciliaron a mediados de los años 80.
Hace poco tuve la oportunidad de verlo, durante un concierto en Madrid, esta vez, haciendo lo que menos sabe hacer, es decir, cantando, cuando esta no ha sido nunca su mayor virtud, sin embargo, dirigió de manera maestra una orquesta notable y afiatada, dejando bien claro, además, que el término “easy listening”, con que se le conoce a su música, nada tiene que ver con los ritmos tan complejos que ha creado este genio de la música.

DESDE LA TIERRA DEL FUEGO HASTA EL RIO GRANDE …SODA STEREO

2010-05-26T15:09:00.000-07:00

Hace unos 10 años, leí un artículo acerca de los artistas del pop y el rock en español, que habían ejercido una gran influencia a través de los años. Debo decir sinceramente que... dicha selección me resultó decepcionante, tal vez porque incluía a gente como Maná o Shakira, que en mi opinión, no ha aportado nada al rock en español. Sin embargo, el artículo también hacía referencia a un grupo argentino; el título sobre ellos decía: "Desde la Tierra del Fuego Hasta el Río Grande", la banda en mención era SODA STEREO, sin duda alguna, el grupo más importante en la historia del rock de Latinoamérica.
Al respecto de ellos, quisiera empezar escribiendo que, hubo un tiempo en que las buenas bandas que existían en los diferentes países de América Latina eran conocidas sólo en sus respectivas naciones, y por ende, las giras que hacían era a nivel local, hasta 1986, en que el trío conformado por Gustavo Cerati, Charly Alberti y Zeta, emprendieron lo que hasta entonces era algo inédito: hacer giras por varios países.
De hecho, se puede decir que el grupo argentino fue la primera mega banda internacional nacida de AL, todo ello como resultado de ser famosos, de vender una gran cantidad de discos, pero, por sobre todas las cosas, de hacer estupenda música, en épocas en la que no existía Internet o MTV Latinoamérica. En 1988, el bajista de la banda Zeta, comentaba lo sgte., durante una conferencia de prensa en Venezuela:
"Nosotros salimos de Argentina y empezamos a ir a Chile, a Perú, empezamos a subir y en algunos países daba la casualidad de que llegábamos nosotros y nunca había ido una banda de rock. Nos decían que acá eso era una cosa del otro mundo y no iba a funcionar... Ahora es una alegría ver que funciona y que tiene fuerza propia"

Aunque nacieron musicalmente en 1984, y se hicieron con un nombre sólido en 1986, un punto de inflexión en la historia de la agrupación fue la actuación de ellos en el Festival de Viña del Mar de 1987, a nuestro entender, la mejor que una agrupación de habla hispana haya realizado en el recinto chileno.
La importancia e influencia del grupo no es sólo desde el punto de vista musical sino también estético, en una época en que el aspecto visual era algo fundamental, y en éste último aspecto, Soda Stereo marcó época. Inicialmente su música estaba destinada a hacer temas divertidos y bailables, sin aparentemente mayores pretensiones, como las incluidas en el primer y homónimo disco. Pero entre este álbum producido por Federico Moura ("Virus") en 1984 y "Canción Animal" realizado en 1990, tan sólo 6 años después, existe un universo de diferencia, una muestra del deseo de un grupo por evolucionar; de hecho "Canción Animal" es considerado uno de los mejores discos de la historia del rock en español, si no es el Nº 1 es sencillamente porque este honor le pertenece a otro disco de Soda Stereo, me refiero al formidable "Dynamo" de 1992, un disco que - salvando la distancias- podría encontrar un paralelo al "Pet Sounds" de los Beach Boys, debido a que fue un fracaso comercial en su época, una obra inapreciada por muchos fans de la primera etapa del grupo…pero una obra de arte, que con el paso del tiempo encontró su lugar en la historia.
El trío argentino hizo una gira de despedida en 1997 que finalizó en un apoteósico concierto realizado en el Estadio River Plate, sin embargo, regresaron en 2007, con la gira "Me Verás Volver", la más importante que alguna agrupación haya realizado en Latinoamérica, confirmándolos en el sitial de donde - independientemente de las modas y los nuevos estilos- nunca salieron, es decir, ser los Nº 1.

LOVE WILL TEAR US APART...IAN CURTIS

2010-05-18T15:14:00.000-07:00

Conocí la música de Joy Division a mediados de los años 80; a través de la obra maestra de ellos, me refiero a “Love Will Tear Us Apart”, la traducción es “El Amor nos Desgarrará”, un título que en cierta medida puede describir en pocas palabras lo que fue la vida de Ian Curtis, uno de los “poetas malditos” del rock, ícono y figura indiscutible de la escena musical a fines de los años 70.
Cabe indicar que “Love Will Tear Us Apart” es el epitafio que se puede leer en la tumba de Curtis…mejor homenaje no se le podría hacer a quien el día de hoy 18 de Mayo se le recuerda al conmemorarse 30 años de su partida hacia la eternidad.

No se puede dejar de hablar de la vida de Curtis sin hablar de Joy Division, la banda de post-punk inglesa, formada en 1976 en Salford, Greater Manchester. Originalmente llamada Warsaw, el grupo estuvo formada por Ian Curtis (voz y en ocasiones guitarra), Bernard Sumner (guitarra y teclados), Peter Hook (bajo y coros) y Stephen Morris (batería y percusión). La banda fue pionera del movimiento post-punk de finales de la década de 1970, lo que significó un soplo de aire fresco sobre el punk. De acuerdo con el crítico musical Jon Savage, la banda "no era punk pero estaba directamente inspirada por su energía", de hecho la banda se conoció durante la pequeña presentación de los Sex Pistols en el Manchester Lesser Free Trade Hall, el 20 de julio de 1976.
A comienzos de 1978, para evitar la confusión con el grupo de punk de Londres Warsaw Pakt, Warsaw cambió su nombre a Joy Division. Este nombre, que contrasta con su verdadera traducción de "División Alegría", hace referencia al grupo de mujeres judías usadas como esclavas sexuales en los campos de concentración nazis. Durante muchas de las presentaciones de la banda, se podían apreciar jóvenes neonazis, que se sentían identificados con la estética de los miembros de la banda, pensando que Curtis y compañía se sentían atraídos por dicha ideología…nada más lejos de la realidad.
A pesar de su corta carrera y su estatus de "grupo de culto", Joy Division han ejercido una influencia de largo alcance. Las letras melancólicas e introspectivas, así como la atmósfera que cargaba su música, enfatizando el estado de ánimo y la palabra, influyó en el modo de hacer música en los años 80, sobre todo en estilos como el “New Wave” y el “Gothic”
Mientras actuaba con Joy Division, Curtis desarrolló un estilo de baile muy personal que evocaba los ataques epilépticos que sufría, a veces incluso en el escenario, el detalle era que el público llegaba a dudar si lo que estaba presenciando era parte de la actuación o un verdadero ataque. Y este frágil estado de salud contribuyó al contenido de las letras que componía, sobre todo al grabar el disco “Closer”; como dijo Tony Wilson: “Es casi como si al componer este álbum hubiese contribuido a su estado anímico: se sumergió en él…”. La portada del disco, oscura, fúnebre, lo dice todo.
La vida de Ian Curtis terminó de manera trágica un 18 de Mayo de 1980…y su legado…permanecerá siempre.

AQUARELA DO BRASIL

2010-05-07T23:20:00.000-07:00

“Brasil!
Meu Brasil brasileiro
Meu mulato inzoneiro
Vou cantar-te nos meus versos
“O Brasil, samba que dá
Bamboleio, que faz gingar
O Brasil, do meu amor
Terra de Nosso Senhor
Brasil! Prá mim! Pra mim, pra mim
Ah! abre a cortina do passado
Tira a mãe preta do cerrado
Bota o rei congo no congado
Brasil! Prá mim! Pra mim, pra mim!
Deixa cantar de novo o trovador
A merencória luz da lua
Toda canção do meu amor
Quero ver a sá dona caminhando
Pelos salões arrastando
O seu vestido rendado”

He escrito parte de esta maravillosa canción, uno de los “himnos no oficiales” del enorme país del Brasil, y tal como me lo comentó una vez un viejo amigo, es que este aquí todo es “grande”…los puentes, los edificios, las universidades, etc., y su riqueza musical es algo que he admirado durante años, sobre todo la universalidad de la misma, a pesar de la dificultad del idioma.

Si nos pusiéramos a enumerar la cantidad de grandes músicos y estilos que hemos descubierto en este país, podríamos quedarnos cortos, la música del Brasil va más allá de Carlinhos Brown o de Axe.
Podemos disfrutar de una voz alegre y portentosa de Gal Costa hasta el dramatismo, tan sangrante a veces, que Elis Regina le imprimía a sus interpretaciones. De la dulzura de la voz del gran Caetano Veloso – aunque sus letras no siempre son tan dulces- hasta la fuerza de Milton Nascimento, del compromiso político y social de Chico Buarque a una canción sofisticada de Tom Jobin o una balada romántica de Roberto Carlos, del Bossa Nova al MPB...y no podemos olvidarnos de uno de los mejores temas de la historia ”La Garota de Ipanema”, una joya extraordinaria, composición de Tom Jobin y Vinicius De Moraes, acaso la canción más versionada que ha existido.

La música es un arte esencial en la vida de esta nación, sobre todo en Salvador de Bahía. Muchos de los mejores artistas brasileros nacieron y crecieron en la ciudad. Los mejores ejemplos de los músicos mundialmente famosos son: Gilberto Gil, Caetano Veloso, Joao Gilberto y artistas más recientes como Daniela Mercury, Timbalada y Olodum.

Que disfruten del arte de esta gran nación.

BEST VERSION EVER

2010-04-24T15:13:00.000-07:00

A menudo, a los grandes “genios” del cine se les ocurre la brillante idea de hacer un “remake” de una gran película, evidentemente por fines comerciales. En la música suele ocurrir algo similar aunque la motivación para ello suele ser diferente.
Los músicos que se “atreven” con ello lo hacen -por lo general- por admiración a quienes crearon esas obras de arte tiempo atrás. En algunos casos, también hay que decirlo, lo hacen guiados por el sentido del buen negocio y por falta de creatividad.
El resultado en ciertos casos es redondo, y en otros…sin comentarios. Aunque, mientras más famosa o legendaria sea el tema, más alto es el listón. Un caso extraordinario es cuando un álbum sirve para revitalizar todo un género musical prácticamente muerto, como ocurrió en 1991 con el lanzamiento del disco “Romance” del cantante mexicano Luis Miguel, que revivió el gusto por el bolero y dio a conocer las nuevas generaciones este género.
Otro caso es de aquellas versiones que las hace el mismo artista que las creó o hizo famosa tiempo atrás pero que luego hace una del mismo nivel o mejor que la original, un caso de esto es el clásico “Crying” de Roy Orbison, lanzada en Julio de 1961, quien hizo una extraordinaria versión a dúo con K. D. Lang en 1987. La interpretación que hace la cantante canadiense de este tema es sobresaliente.
Lo mejor de una versión, también se encuentran cuando una nueva canción reinventa otra, como en el caso de “With a Little Help From My Friends” original de The Beatles, pero universalmente conocida por la versión que Joe Cocker presentó en 1969 en el Festival de Woodstock.
Un caso excepcional es de la Re-versión, es decir, aquella canción que tuvo una versión original, luego otra que la hizo universalmente famoso, y una tercera versión, que contra todo pronóstico, estuvo a la altura o superó esta segunda , como el el caso de “I Want You”, tema original de Leon Ware,pero que se hizo legendaria con el disco de Marvin Gaye en 1976. Años después, Robert Palmer hizo una interpretación sublime de este gran éxito.
También están, por supuesto, las versiones que son un quiero y no puedo, aquellas que pretenden convertirse en un homenaje, pero el resultado parece apuntar a exactamente todo lo contrario. Ejemplos de esto último, los encontramos por todos lados, pero de esto no vamos a hablar, prefiero a través de este medio hacer una pequeña lista de algunas de mis versiones preferidas, aunque cada uno tenga la suya propia, ahí va:

“Somebody To Love” Jefferson Airplane ( Great Society)
“With a Little Help From My Friends” - Joe Cocker (The Beatles)
“Crying” Roy Orbison y K.D. Lang (Roy Orbison), la de Rebeca del Río también es espectacular.
“Turn, Turn, Turn” –The Byrds – (Pete Seeger )
“En la ciudad de la furia “ – Soda Stereo y Andrea Echeverri (Soda Stereo)
“I Want You” – Robert Palmer (Marvin Gaye - Leon Ware)

SIEMPRE LIBRE NINO BRAVO

2010-04-16T23:41:00.000-07:00

“Libre,
como el sol cuando amanece,
yo soy libre como el mar...
libre...como el ave que escapó de su prisión
y puede, al fin, volar...
libre...como el viento que recoge mi lamento
y mi pesar,
camino sin cesar
detrás de la verdad
y sabré lo que es al fin, la libertad”.

El 16 de abril se cumple un año más de la muerte de uno de un cantante al que es imposible encontrarle algún detractor, sencillamente porque no existen. Un ARTISTA admirado por aquellos que lo conocieron a fines de los años 70 y por mucha gente de las actuales generaciones. Me refiero a Luis Manuel Ferri Llopis, más conocido como NINO BRAVO.
Existe una simple y gran diferencia entre ser un artista famoso y ser un artista popular, aunque este último término haya sido maltratado durante mucho tiempo. La diferencia –para nosotros- radica en que se puede ser famoso pero no querido, en el caso de este cantante español de extraordinaria voz se cumple lo segundo, famoso y amado.
El cantante nacido Ayelo de Malferit, Valencia, 3 de agosto de 1944 – y muerto en Villarrubio Cuenca, 16 de abril de 1973, era de aquél grupo de artistas españoles que en los años 70 viajaron al otro lado del charco, para hacer las Américas.
Aunque parezca curioso los primeros años de vida artística de él, no fueron todo lo auspicioso que de podría creer de un cantante destinado a ser leyenda, sin embargo la historia cambiaría en el verano de 1969, Augusto Algueró le dio "Te quiero, te quiero"; Nino consiguió con ella un éxito arrollador siendo elegida canción del verano, y precisamente esta es uno de los temas más famosos de este querido artista.

Un episodio muy famoso en la vida del valenciano fue en noviembre de 1972, cuando participa en el Festival de la Canción de Río de Janeiro como representante español, donde logra empatar en el primer puesto con David Clayton-Thomas (Estados Unidos). La victoria le sería arrebatada injustamente por el presidente del jurado, Joseph Lee Zhito, que, al ser estadounidense, no podría haber votado por su propio país. En este festival Nino Bravo participó con la canción “Elizabeth” y el material grabado durante este evento refleja la prodigiosa voz que tenía.
La figura de Nino Bravo reapareció con fuerza en el panorama musical de habla hispana en 1995, cuando se editó el álbum "50 Aniversario". En esta producción discográfica se realizaron, gracias a la técnica, duetos entre el desaparecido artista y cantantes de éxito actuales. Pronto se convirtió en el disco más exitoso del valenciano, cuyas ventas se estiman en más de un millón de copias.

La letra que escribí arriba es parte de una canción que el paso de los años, la letra tan hermosa, tan profunda y comprometida, la han convertido en un himno de antología y nadie como Nino para cantarla. Una canción que tiene origen en un episodio penoso, relacionado con el Muro de Berlín, esta cancion se llama "Libre".

Nino Bravo tenía una voz de tenor y con un color o timbre que eran preciosos; tenía un timbre claro cálido, redondo, profundo y cristalino, con un vibrato que lo ajustaba de manera que sonara agradable, además de una perfecta dicción, porque como se darán cuenta, se entiende cada palabra que dice. Por último, como leí alguna vez, la interpretación es el espíritu de la música, porque una voz que no transmite, es eso, sólo una voz…la de Nino TRANSMITIA emociones y sentimientos al escucharla.
Suyos son temas clásicos como “Noelia”, “Un Beso y Una Flor”, “Mi Gran Amor”, “América”, “Cartas Amarillas”, etc. Este en un cálido homenaje para Nino Bravo, siempre libre.

¿WHAT HAPPEN MARVIN GAYE?

2010-04-09T05:45:00.000-07:00

Hoy al escribir este blog, me asaltan numerosas sensaciones por lo especial de esta edición, porque sencillamente voy a escribir sobre uno de los artistas que ha marcado historia, un ícono llamado Marvin Gaye. Este astro, es el artista más grande que haya surgido de la Motown Records -con permiso de Michael Jackson y Steve Wonder – nos dejó hace ya varios años, dando final a una azarosa existencia, sin embargo su legado es sencillamente incomparable.
Lo conocí alrededor de 1983 a través de la canción “Sexual Healing”, su último gran éxito, aunque ignorante en ese momento del legado que desde décadas este extraordinario artista ya había dejado por medio de ése disco antológico llamado "What´s Going On”.
Al respecto de este histórico álbum, mencionamos unas palabras del “Príncipe del Soul”, que están escritas en el disco:"No hace falta que te digan lo estupendo que es, o qué canciones deberían gustarte, o lo grande que es su majestuosidad…",...MAJESTUOSIDAD es el adjetivo apropiado para definir esta obra maestra, grabado en 10 días del mes de Marzo de 1971 y que salió a la luz en mayo del mismo año, después de superar la inicial oposición de Barry Gordy, el "patrón" de la Motown, quien consideraba el disco excesivamente político y alejado del estilo que Gaye le había dado a su carrera en los años 60 y que devino en un enorme éxito comercial, sobre todo con el sencillo "I Heard It Through the Grapevine" que en 1968 vendió 4 millones de copias.
El estilo del disco estaba acorde con la coyuntura de la sociedad americana de aquel entonces y de la temática de muchas de las composiciones que se creaban en esos momentos. Una deliciosa mezcla de Soul con jazz y música clásica, y en el que aborda la protección del medio ambiente, la corrupción política, el abuso de las drogas y la guerra de Vietnam.
Marvin Gaye amenazó a Gordy con no grabar nada más para Motown Records hasta que el disco se publicase. Tres décadas de éxito comercial –además del artístico-, 3 singles en los primeros puestos de las listas, y que este disco sea considerado uno de los mejores de la historia por diferentes estudios en todo el mundo, han justificado las amenazas de Gaye.
Es preciso indicar que el artista se encontraba enormemente afectado por la muerte de su compañera de grabaciones Tammi Terrell, con la que consiguió grandes éxitos como "Ain't No Mountain High Enough" y "Your Precious Love" . En el verano de 1967, Terrel se desmayó en el escenario en los brazos de Gaye por un tumor cerebral no diagnosticado que acabaría con ella; “siento que, de alguna manera, he muerto con ella” diría Gaye tiempo después. Esto y el abuso de las drogas, son dos de las cosas que influyeron en su vida que terminó de manera trágica.
En 1973 Gaye firmó el memorable "Let's Get It On", uno de sus discos más personales y a quien se le considera responsable directo del "baby boom" de ése año, porque sus canciones eran a los índices de natalidad lo que al pan la levadura. Con este disco se cumpliría eso de que “el arte es el apéndice de la personalidad de su autor”.
El artista más importante del "Sonido Motown", nacido 2 de abril de 1939, como Marvin Pentz Gaye, Jr. (la e final la añadió él, tal como hizo Sam Cooke), murió el1 de abril de 1984, la víspera de su 45 cumpleaños, asesinado por su padre, un predicador, ministro de la Casa de Dios (House of God), quien de esta manera creía exorcizar los demonios de su hijo; dando fin a una vida que durante los últimos tiempos se había sumido en una trágica espiral de autodestrucción.
Artista maldito, de culto, leyenda, etc., son algunos de los términos con los que se conocen a este ícono musical de todos los tiempos. Disfrutemos de su obra…que es lo que al final realmente importa.

DRIVING CARS

2010-03-31T12:36:00.000-07:00

Si alguien me pregunta sobre los años 80, lo que inmediatamente se me viene a la mente son una serie de imágenes muy características de esta “glamorosa” década y su moda recargada. A algunos les puede gustar, a otros no; se me viene a la mente, por ejemplo, la moda de los zapatos tenis, los pelos cardados, la vuelta –en cierta medida- a la inocencia de principios de los años 60, y por supuesto, la música. Uno de los grupos emblemáticos de esta década fue THE CARS.
Este grupo nacido en Boston, tenía como una de sus bazas, el uso de los videoclips, además de su enorme talento musical. Nacieron a fines de los años 70, pero se consolidaron a principios de los 80. Mezclaban el arte musical con un concepto claramente visual, lo cual no tiene nada de raro, debido a que en aquella época era casi imposible que una agrupación alcanzara fama y fortuna si no hacía una amalgama de imagen y sonido.
En una oportunidad, al famoso dibujante peruano de Pin Up, Joaquín Alberto Vargas, se le pidió que dibujara la portada del disco “Candy-O” y se le invitó a un concierto de la banda, Al preguntársele sobre su impresión del show, se limitó a decir algo como “De la música no he entendido nada, pero lo que si sé, es que he visto a las chicas más bonitas en toda mi vida”. Aunque esto nos podría dar una pista sobre el público al cual estaba segmentado el estilo de The Cars, ello no implica que sólo lo escucharan “unas quinceañeras”.
La banda de Boston es una de las que mejor muestra dan que se puede hacer buena música para escuchar y a la vez bailarla. Algo raro en nuestros tiempos.
Aunque la caras visibles del grupo desde 1976 eran Ric Ocasek y Benjamin Orr, sin embargo, me gustaría rescatar la enorme trascendencia que dentro del grupo, tenía el guitarrista Elliot Easton, quien además tenía una base muy sólida debido a sus estudios de música en el Berklee College of Music, una de las escuelas más prestigiosas del mundo. Se le puede apreciar tocando una guitarra modelo Gibson SG Signature.
El “Peak” de la banda ocurrió en 1984 cuando lanzaron su álbum más exitosos y uno de los más importante de la década, me refiero al clásico “Heartbeat City”. Este disco está lleno de “hits”, entre ellos la canción que da el nombre al disco, en mi opinión la mejor del grupo, además encontramos a "Drive", "Magic", "Hello Again", este último tema tiene una introducción que se usaba para el comercial de una marca de ropa muy popular en la época.
Eran los tiempos del estrellato a nivel global del grupo, y formaron parte del evento musical por antonomasia de los años 80, me refiero al “Live Aid 1985”. En escena demostraron lo talentosos que eran y lo bien coordinados al tocar. De hecho, su presentación fue una de las mejores del concierto que se realizó en el Estadio J.F.K de Filadelfia, EE.UU.
La agrupación en aquel entonces estaba conformada por Ben Orr (cantante y bajo), Ric Ocasek (cantante guitarra y compositor), Elliot Easton (guitarra), Greg Hawkes (teclados) y David Robinson (batería), ¿el estilo?, una mezcla de Rock y New Wave, este último, el género que mejor define a los años 80.
La banda se disolvió en febrero de 1988, y uno de sus miembros más populares, el carismático Benjamin Orr murió murió de cáncer al páncreas el 03 de octubre 2000. Y cada vez que escuchamos sus canciones, estas nos llevan a una época que parece perdida en el tiempo, pero ¡qué tiempos!. Nuestro homenaje para este notable grupo.
Les dejo una joyas. Que disfruten.

HEY JOE...HEY JIMI HENDRIX

2010-03-20T09:12:00.000-07:00

Este es un extracto de una nota de prensa de Europa Press hace algunas semanas:
“El guitarrista Jimi Hendrix lanzará disco inédito 40 años después de su muerto. El álbum denominado ‘Valleys of Neptune’ se publicará el próximo 8 de marzo. Asimismo, el primer sencillo será el tema ‘Valleys of Neptune’ para el 2 de febrero”
Así que este es el momento de escribir sobre EL MEJOR GUITARRISTA DE LA HISTORIA, Jimi Hendrix, músico legendario y símbolo del Rock, una fuente de la que casi todos los guitarristas beben.Es difícil encontrar a un músico que pueda generar sobre sí tantos elogios de artistas tan dispares y de diversos estilos. Comentaremos aspectos muy puntuales de su trayectoria.

James Marshall «Jimi» Hendrix,nacido en Seattle el 27 de noviembre de 1942, revolucionó el ambiente musical en la segunda mitad de los años 60, en especial a partir de su presentación en el Festival de Monterrey en 1967. En 40 minutos de concierto, Hendrix utilizó su "Stratocaster" en un modo jamás visto antes, llegando a hacerla sonar con los dientes, por detrás de la espalda, contra el soporte del micrófono y hasta contra su amplificador causando un acople ensordecedor.22 Al término de la exhibición, para remarcar su furiosa necesidad de extraer nuevos sonidos al instrumento, le dio fuego con gas líquido para encendedores y la destruyó contra el palco y amplificadores en un éxtasis de feedbacks alucinantes.

Su exhibición durante el cierre del festival de Woodstock, el 19 de agosto de 1969 se transformó en un símbolo mitológico: la imagen del guitarrista que con una irónica y desafiante visión del arte, toca el himno nacional de los Estados Unidos en la que es indudablemente uno de los puntos de inflexión en la historia del rock. Hendrix interpretó el tema en una manera salvaje mezclándolo con feroces simulaciones sonoras de bombardeos y ametrallamientos sobre los barrios de Vietnam, sirenas anti-aéreas y otros ruidos de batalla. Esta imagen tiene una forma y un fondo, ¿la forma?, el músico rebelde e inconformista con la clase dirigente que manejaba los hilos de su país, en plena ebullición de los años 60, guerra de Vietnam incluido, época histórica de los Estados Unidos, ¿la forma?, que a pesar de todo, el hecho de interpretar el "The Star-Spangled Banner”, himno de los Estados Unidos, indicaba que Hendrix era tan patriota como cualquiera de los ciudadanos de su país, incluido los políticos aburguesados de Washington D.C.
Hendrix fue un pionero y un innovador incansable. De su factoría salieron acordes y técnicas que hoy en día se consideran imprescindibles para el desarrollo de la técnica guitarrística del rock. En los acordes empleados encontramos la primera característica del sonido de Jimi. Introdujo la novena aumentada en el rock, algo muy utilizado por artistas de jazz y Rythm & Blues, lo que da una clara muestra de cuáles son sus raíces, y en qué fuentes bebió antes de lanzarse al estrellato.
Pero sin duda alguna, dos de los elementos que más definen el sonido Hendrix, y que han pasado a la posteridad dentro del grupo de los más importantes para el desarrollo de la guitarra son la utilización del vibrato y los bends. Hendrix también fue pionero en cuanto a investigar con las posibilidades del volumen y los efectos electrónicos; tocaba con el volumen y la ganancia al máximo, lo que le permitía experimentar con la distorsión y con el feedback.
Todo lo que se pueda escribir aquí es poco en comparación con el enorme legado que este genio de la música ha dejado para la historia y cuya vida culminó el 18 setiembre de 1970. Para culminar citamos una nota periodística del día de hoy 20 marzo del 2010:

“Casi cuarenta años después de su muerte, Jimi Hendrix regresa a las listas de superventas con el disco de grabaciones inéditas “Valleys of Neptune”. El álbum ha entrado en su primera semana a la venta en el “Billboard 200” de álbumes más vendidos, situándose en el cuarto puesto, con más de 85.000 copias vendidas. Esto ha provocado que otros de sus álbumes regresen al “Billboard 200”: “Are You Experienced” se ha colocado en el puesto 44, mientras que “Electric Ladyland” se ha situado en el 60 y “First Rays of the New Rising Sun” y “Axis: Bold As Love” han llegado a los puestos 63 y 67, respectivamente…”

JIMMY HENDRIX PARA SIEMPRE.

WHITE MAN, BLACK VOICE: MICHAEL MCDONALD

2010-03-13T13:43:00.000-08:00

En 1980 una canción se escuchaba insistentemente en las radios, se llamaba “Ride Like The Wind”, y su intérprete Christopher Cross era un “Top Singer” en aquel entonces. Una de las cosas que más llamaba la atención, era la parte vocal. En primer lugar, la aguda voz de Cross y por otra parte, los coros o “Backing Vocals”, de un cantante que también intervino en una magnífica creación del grupo Toto, la hermosa “I'll Be Over You”.
Durante varios años pensé que esa estupenda voz pertenecía a un cantante “afro- americano” -un término muy mal utilizado por cierto-, pero la sorpresa fue grande para mí, al comprobar que no era así, aunque el origen de la confusión se debía a la tesitura de su voz, que recordaba a grandes artistas de la comunidad negra de los Estados Unidos, y al estilo que ha impregnado su carrera, el “Soul” en su máxima expresión.
Este cantante de extraordinaria voz se llama Michael McDonald, quien además fue miembros de las legendarias bandas Steely Dan, en donde tocó los teclados, aparte de cantar, y The Doobie Brothers, al respecto de esta última, fue con la que logró la consagración definitiva en su carrera, cuando en 1975 reemplazó a Tom Johnston.
Siendo parte integrante de los “Dobbie”, grabó una canción que fue co-escrita con Kenny Loggins, me refiero a la extraordinaria “What a Fool Believes”, dicho tema ganó el Grammy en 1980 como mejor canción y grabación del año. La primera versión data de 1979, en la que despliega todo el talento que tenía en la voz y los teclados y la segunda que le escuché fue una de 1992, a dúo con Loggins, que está incluida en el disco en directo "Outside From The Redwoods"; si les soy honesto, no sé con cual versión quedarme, sencillamente porque ambas son auténticas realizaciones, y además porque es muy difícil hacer una versión que esté a la altura de un sobresaliente tema original.
Como cantante solista, McDonald ha tenido grandes éxitos, y son especialmente notables sus grabaciones a dúo con grandes artistas como James Ingram, con quien cantó "Yah Mo B There", ganando el Grammy 1985 como mejor performance de dúo R&B, y con Patti La Belle, interpretando juntos el clásico “Om My Own”; canción que llegó a ser Nº 1 en USA en 1986; al respecto de esto hay un detalle muy interesante. La canción fue grabada por ambos artistas en estudios separados a 3.000 millas de distancia. Y de hecho, ellos no se conocieron hasta que cantaron el tema en el programa de Johnny Carson.

Es un auténtico placer escuchar las grabaciones de Michael McDonald, quien emplea de gran manera su voz de barítono y cuyo estilo se sitúa entre el Soul Rhythm and Blue y el Soft – Rock; uno de los más sofisticados en mi opinión; un “Hombre Blanco con Voz Negra”.
Que disfruten.

LA VOZ, DE AQUÍ A LA ETERNIDAD ( PARTE II )

2010-03-02T11:31:00.000-08:00

Según Wikipedia Jack Daniel's es una destilería y marca de whiskey de Tennessee conocida por sus botellas rectangulares y su etiqueta negra. La compañía, establecida en Lynchburg, Tennessee, fue adquirida por la compañía Brown-Forman en 1957.
Aunque un amigo me dijo que dicha bebida es más bien un bourbon antes que otra cosa.
El asunto que se preguntarán es ¿qué tiene que ver este licor con nuestro blog que es sobre música?, la respuesta es que no se puede concebir a Frank Sinatra y su grupo de amigos, conocidos universalmente como RAT PACK sin dicha bebida.
El escritor Javier Márquez escribió un libro al respecto de este grupo de amigos llamado Rat Pack. Viviendo a su manera, y tal como lo dice la web del escritor: “Es la primera obra en lengua castellana (escrita o traducida)que narra la historia de uno de los capítulos más memorables y atractivos de la historia de espectáculo estadounidense: el Rat Pack. El libro se centra en la historia de sus tres integrantes principales, tres profesionales del espectáculo, cantantes, actores, presentadores televisivos, humoristas… que unieron sus talentos en diversas ocasiones a lo largo de sus carreras cuando nadie hasta el momento había planteado nada similar; tres grandes juntos en el escenario, en la pantalla, en un disco. Pero la de Frank Sinatra, Dean Martin y Sammy Davis Jr. es también la historia de la ciudad de Las Vegas, de la Mafia, de la política estadounidense en uno de sus periodos más singulares, el de mandato de Kennedy; y sobre todo, es al historia de una fiesta continua, desenfrenada, rodeados siempre de hermosas mujeres, amigos peligrosos y los lujos más deseados”.
Conocí a este grupo de personajes gracias a visionar a través de la tv. la primera versión de de Ocean´s eleven (La cuadrilla de los Once), donde también intervenían Peter Lawford y Joey Bishop, al frente de ellos Frank Sinatra.

"La Voz" murió el 14 de mayo de 1998, y tal como le mencionó un noticiero, su funeral fue un desfile de dolidas estrellas del espectáculo, y como el cantante dijera a los 82 años: “He tenido una vida plena”, la palabra “plena” puede definir una vida como la suya, que tuvo de todo, mucho más azarosa que la de cualquier “rock star”; a lo largo de seis décadas de carrera profesional, Frank Sinatra ganó dos Oscars, dos Globos de Oro, diez Grammys y un Emmy, además de que su repertorio se basó en la obra de algunos de los más importantes compositores populares estadounidenses, como Jimmy Van Heusen, Cole Porter, Sammy Cahn o George Gershwin, aunque fuera Nelson Riddle quien definió su estilo a mediados de los años 50, muestra de ello es uno de sus temas de bandera "I´ve Got You Under My Skin"
Y si hay alguna canción que definió su vida entera esa es “My Way”, y aunque no fuera interpretada primero por él, la letra de la misma describe a la perfección la existencia de Sinatra, parte de la letra dice:

“Pues que es un hombre, ¿qué es lo que ha conseguido?
Si no es a sí mismo, entonces no tiene nada.
Decir las cosas que realmente siente
Y no las palabras de alguien que se arrodilla.
Mi historia muestra que asumí los golpes
Y lo hice a mi manera”.

LA VOZ, DE AQUÍ A LA ETERNIDAD

2010-03-01T00:58:00.000-08:00

Extracto de la película “El Padrino”, al min. 17:

Aparece en escena el famoso cantante Johnny Fontane y enloquece a la gente invitada a la boda de Constanza Corleone (Hija de Don Vito Corleone “El Padrino”)

Kay: no sabía que conocías a Johnny Fontane
Michael Corleone: Por supuesto, ¿te lo presento?,
Kay: Claro que sí
Michael: Mi padre le ayudó en su carrera
Kay: ¿Sí? ¿cómo?
Michael: Escuchemos la canción
Kay: Por favor Michel, cuéntame
Michael: Cuando Johnny estaba empezando su carrera firmó un contrato de servicio personal con una gran líder de banda, como su carrera fue de más a más, el quiso librarse, Johnny es ahijado de mi padre. Mi padre fue a ver al líder de la banda. Le ofreció 10.000 dólares por dejar a Johnny, pero el tipo se negó. Al día siguiente, mi padre fue a verlo, pero esta vez con Luca Brasi. En menos de una hora, firmó su liberación por un cheque de 1.000 dólares.
Kay: ¿Cómo lo logró?
Michael: Con una oferta que no pudo rehusar.
Kay: ¿Y cuál fue?
Michael: Luca Brasi le apuntó a la cabeza… y mi padre dijo que podía elegir entre sus sesos o su firma al pie del contrato. Es una historia verdadera (it´s a true history).

IT´S A TRUE HISTORY…una frase para la historia. Johnny Fontane era un cantante famoso de capa caída, que necesitaba urgentemente actuar una película de guerra, en la que iba a hacer de sí mismo y que relanzaría su carrera. El director de la película se negaba a darle dicho papel, asi que acudió a su Padrino, para que “intercediera” por él. Al final, ya se sabe, le hicieron al director “una oferta que no podía rehusar”.
¿Les suena esta historia a alguien conocido?...siempre se habló sobre la relación existente entre Frank Sinatra y la mafia siciliana en los Estados Unidos, la que le ayudó a participar en la película “De Aquí a la Eternidad” de Fred Zinnemann, y por la que ganó el Oscar como mejor actor secundario en 1954, hecho definitivo que devolvió a Sinatra al estrellato del nunca más se iría a apartar.
Algunas teorías conspirativas decían que Sinatra había utilizado sus "conexiones" para romper con el contrato que lo ataba a la orquesta de Tommy Dorsey (el líder de la Big Band, a la que se refiere Michael Corleone). La historia llegó a Mario Puzo, que se basó en el Sinatra decadente pre "De aquí a la eternidad", a la hora de crear al Johnny Fontane de una novela llamada "El Padrino". Al poco de enterarse, Sinatra cruzó a Puzo en un restaurante. Por ahí andaba John Wayne, quien se ofreció a dar su merecido a ese “gordo come pizzas” que hablaba mal de los amigos. “La Voz” fue directo a Puzo, quien se limitó a responder: "¿desde cuándo un italiano del norte, de ojos azules, amenaza a un italiano del sur, de ojos negros?".
Curioso, pero las palabras de Sinatra sobre la influencia de Dorsey en su estilo son significativas: "lo aprendí todo sobre la dinámica, el fraseo y el estilo por la forma en que tocaba su trombón. Tommy Dorsey fue para mí un verdadero maestro tanto en la música como en el negocio, en todos los aspectos".

Aunque el FBI nunca llegó a tener la pruebas suficientes que incriminasen al cantante, se tiene constancia de que Sinatra mantuvo una gran amistad con Lucky Luciano, el considerado padre del crimen organizado, a quien visitó en La Habana en un par de ocasiones y posteriormente en su exilio en Sicilia, y no solamente con él, sino con muchos otras capos de la mafia italiana en los Estados Unidos, entre ellos Sam Giancanna.

Esta introducción es sólo parte de la historia y la leyenda que se teje alrededor de uno de los gigantes de la música del Siglo XX –y de la historia-, una vida lleno de excesos, éxitos, infidelidades, mujeres hermosas (Ava Gardner, Marilyn Monroe, Grace Kelly, Lana Turner, entre muchas otras), “Rat Pack y Jack Daniels”, etc., PERO, también, de algunas de las mayores joyas musicales que se han podido crear, la lista al respecto es enorme y su figura como ícono americano también, como se dijo una vez: “Sinatra construyó su estilo sobre la base de una comprensión natural de la música popular, tal como la habían entendido Bing Crosby, Fred Astaire, Benny Goodman y Louis Armstrong, explotando la idea de que esta, en todas sus vertientes, debería ser una extensión de la conversación”

Francis Albert Sinatra nació en un barrio de clase media de la ciudad de Hoboken (Nueva Jersey) el 12 de diciembre de 1915, hijo de Natalie Della Garavante, Dolly, era de origen genovés y la de su padre, Anthony Martin Sinatra, provenía de Sicilia.
“La Voz”, como hijo de unos emigrantes italianos, es la representación máxima del “Sueño Americano”, el “American Way of Life”.
Hemos elegido algunas canciones de las mejores canciones de Sinatra, que disfruten de esta primera entrega, entre ellas, su primer nº 1 durante 12 semanas "I´ll Never Smile Again", un dueto con otro coloso llamado Tom Jobin y nuestra canción preferida de él "Night and Day", clásico de Cole Porter, un tema magistralmente interpretado también por "The Temptations".

MORTEN, MAGNE Y PAL

2010-02-23T01:52:00.000-08:00

A mediados de 1985 en las radios de aquel entonces, una canción era tocada de manera incesante en las radios especializadas en pop y rock. Era muy pegajosa para ser sinceros y, por supuesto, muy bailada; fue tal el éxito del tema que se le seleccionó como una de las mejores (yo diría que populares) del año; lo mismo pasó al año siguiente 1986. Un original y espectacular video acompañaba este “hit”. Siendo sinceros, era tan repetitiva la emisión de esta canción, que me daba la impresión de ser una campaña muy bien planificada para que a todo el mundo le gustara tanto; esa canción se llamaba "Take on Me".

Quienes eran los responsables de este “mega hit” eran un grupo de tres chicos, noruegos, que combinaban perfectamente la técnica musical, el videoclip y algo que se conoce como “stage presence” –tan en boga en los años 80-, un trío de Noruega llamado A-HA. También gracias a un programa de televisión de aquellos tiempos, se propaló un sábado por la tarde a fines de 1986 un especial del grupo…y entendí que a veces una sola canción, por exitosa que es, puede opacar al resto de una obra, aunque ESE RESTO SEA MEJOR que un “hit” radial.
A-HA se convirtió en uno de mis grupos preferidos de la adolescencia, y más aún cuando conocí dos temas fundamentales de la banda: “The Living Day Lights” y “ Hunting High and Low”. La primera canción, tema principal de la película de James Bond “Alta Tensión", y la segunda, un verdadero himno, tal vez la canción más coreada en los conciertos del trío, conformado por Morten Harket, Magne Furuholmen y Pal Waaktaar-Savoy . La voz de Morten eran realmente portentosa es aquellos años.

Tal vez el momento de mayor apogeo de ellos haya sido la presentación que ante 198.000 personas dieran en el Estadio Maracaná de Río de Janeiro, como parte del Festival Rock in Río de 1991 –el más grande en la historia del estadio brasileño-; las imágenes del recinto lleno son imborrables. Realmente espectacular y también el show que dieron en 1989 en el mismo país.

El 15 de octubre de 2009, a través de la web oficial, el grupo dio a conocer que se retirarán definitivamente en diciembre de 2010 y que para ello organizarían una gira mundial de despedida. La gira “Ending on a High Note” que abarcará todo el 2010 será la última colaboración de los miembros del grupo como a-ha. El comunicado oficial de despedida dice lo siguiente. :
"Hemos vivido, literalmente, la gran aventura de un cuento de niños, gracias a una carrera más larga y premiada de lo que nadie podía imaginar. Esto nos da la oportunidad de involucrarnos en otros aspectos significantes de la vida, como causas humanitarias, política, o lo que sea - por supuesto a través del campo del arte y la música. Nos retiramos como banda, no como solistas. El cambio es siempre difícil y es fácil encasillarse en algo determinado. Ha llegado la hora de moverse."

La banda da fin a una historia que tuvo auténticos momentos de esplendor y que sufrió también una etapa de declive debido al surgimiento de nuevos estilos de concebir la música, más simples y con menos técnica; esta época ya ha sido superada.Para nosotros significa el fin de un grupo pero también el de un estilo tan personal de hacer música y de toda una época. Adiós A-HA.

GOD SAVE THE QUEEN

2010-02-17T01:49:00.000-08:00

Este es el título del himno que es usado tradicionalmente como oficial en Gran Bretaña, conocido en el mundo entero, “God Save the Queen” (Dios Salve a la Reina), aunque en este caso es de la “Reina del Rock” de quien vamos a hablar, el celebérrimo grupo “Queen”.
Recuerdo haberlos escuchado por primera vez, a mediados de 1980, a través de esa escuela llamada “Disco Club”, ¿la canción? “Another One Bites the Dust”, para ser honesto, no me gustó el tema, aunque pueda sonar increíble, bueno después de todo tenía 8 años, pero mi impresión de este clásico y del grupo en general cambió completamente al verlos en los conciertos “Live Aid” en 1985 y “Queen at Wembley” de 1986. Una combinación de todo lo que uno puede pedirle a una banda de rock… y a la cabeza de Brian May, John Deacon y Roger Taylor, un extraordinario “frontman” llamado Freddie Mercury.
La historia del grupo en sí es muy extensa, asi que hagamos una reseñas muy puntuales. Se forman en 1969, con Taylor, May, y Tim Stafell, llamándose “Smile” aún sin Mercury, cuyo verdadero nombre era Farrokh Bulsara, y se les une Deacon en 1971.
La banda logró trabajar con diversos estilos: Rock progresivo, hard rock, vodevil, music hall británico, heavy metal, rockabilly, gospel, etc.
En 1975 grabó y publicó “A Night at the Opera”, tal vez su disco más famoso y en el cual se encontraba el himno por antonomasia del grupo, nos referimos a "Bohemian Rhapsody”, una canción a menudo elegida como la mejor de todos los tiempos en numerosas encuestas. Un detalle, la banda decidió hacer un vídeo como apoyo para el sencillo; el resultado en general es considerado como el primer "verdadero" vídeo musical en producirse. La primera vez que vi el video, el año 1981, quedé impactado por el desarrollo del mismo, la atmósfera y la energía del grupo.
Es a partir de 1980, que el grupo empieza a utilizar sintetizadores, antes de esto no se había hecho uso de ellos. El productor Roy Thomas Baker aclaró este asunto de la sgte, manera:

“No había estipulación alguna de que no tendríamos sintetizadores, pero la nota 'Sin sintetizadores...' fue impresa en las portadas de los álbumes debido a la carencia de intelecto en los oídos de la gente. Mucha gente no podría escuchar la diferencia entre una guitarra multi-capas y un sintetizador. Nosotros pasaríamos cuatro días grabando un solo de guitarra en capas múltiples y luego algún imbécil de la compañía discográfica vendría y diría: "¡Me encanta ese sintetizador!".

En enero de 1985 se realizó la que debe ser la mayor presentación de Queen, ante 550.000 personas, repartidas en 2 presentaciones, en un macro evento realizado en Río de Janeiro, sí, nos referimos al “Rock in Río” (el auténtico, y no esa burda imitación que se hace ahora)… en aquel entonces nos enterábamos del evento y estuvimos atentos a las incidencias del mismo. He podido visionar la actuación del grupo…el trabajo de “entertainer” de Mercury, la poderosa batería de Taylor, el virtuosismo de May en la guitarra y el genial trabajo de Deacon en el bajo (uno de los mejores bajistas de la historia, en mi opinión), y no me canso de verlos… un grupo hecho a la medida de los conciertos y para un gran público. Se dice que fue vista por 200 millones de personas en 65 países del mundo. Un show histórico para un festival histórico.

El 13 de julio de 1985 se realizó en el estadio Wembley de Londres el concierto benéfico “Live Aid”. En aquella oportunidad, Queen presentó algunos de sus más grandes éxitos, lo que hasta la fecha ha sido considerada como su mejor presentación, considerado además el mejor concierto de la historia. Esta actuación es algo muy especial para mí. Fue transmitida a todo el mundo y me pasé la tarde frente al televisor viendo el evento y esperando el show del cuarteto; que se puede decir de la puesta en escenario y el sonido de “Queen” en dicho lugar…las palabras faltan para describir el dominio de escena y la manera en que Mercury subyugó al público de Wembley de manera que se convirtió en un solo ser, sobre todo en “We are The Champions” ,“Radio Ga Ga” y “We Will Rock You”, basta ver a toda la gente aplaudiendo al unísono. “Queen at Live Aid, 20 Minutes That Changed Music”, es un documental con entrevistas a personas que tuvieron que ver con el evento y personalidades relacionadas con la música; todos coinciden en lo apoteósica que fue la performance.
Freddie Mercury falleció de una bronconeumonía, la cual fue ocasionada por el SIDA, el 24 de noviembre de 1991, dejándonos su legado musical incomparable. Que disfruten.

"EAGLES "...ETERNOS...

2010-02-08T15:08:00.000-08:00

Para empezar esta entrega debo decir que he visto a grandes artistas en concierto y he disfrutado magníficas performances, aunque no pienso mencionarlos, pero estoy agradecido a estos músicos por haberme alegrado la vida durante la hora y media, dos o tres horas que pude escucharles. Aunque algo grande tenía la vida para mí el 21 de Julio del 2009. Aquella noche tuve la oportunidad de asistir al que debe ser el mejor recital que he visto jamás. En el Palacio de los Deporte de Madrid se presentaba por primera –y única –vez el grupo “Eagles” a quienes mucho de nosotros le hemos agregado el pronombre “The” y por lo tanto casi los hemos rebautizado como “ The Eagles”.Un grupo formado por un conjunto de señores sexagenarios, y no es broma, porque la edad promedio de los actuales integrantes debe rondar por los 60 años o más.
Un sueño hecho realidad verles en escena a estos tremendos músicos.De la mejor agrupación queda la mayoría, excepto Don Felder que se alejó – y de muy mala manera - hace algunos años de la banda.
El show nos mostró a una banda perfectamente cohesionada, con un profesionalismo envidiable y un sonido perfecto. El comentario general de los asistentes al espectáculo se centró en el impecable sonido que permitió escuchar con nitidez cada instrumento como si se tratase de la sala de una casa y no de un local con 12.000 espectadores.
Un breve interludio fue el preámbulo para ése himno llamado “Hotel California” , en donde Joe Walsh se lució en la guitarra junto con Steuart Smith; la canción sirvió también para demostrar que la voz de Don Henley no es la de antes debido a que este tema – en su versión original – exige unos agudos que no son fáciles de alcanzar, no obstante este “bache” (si se puede utilizar la expresión) de Henley quedó compensado con la última canción de la noche “Desperado”, todo un clásico que fue interpretada por el fundador de la banda, como sólo él lo puede hacer.
En relación a “Hotel California” cabe destacar que es la pista principal del álbum del mismo nombre editado en 1976, y contra lo que muchos creen, no es una balada, ni una canción de amor, de hecho, la canción y el disco tratan sobre el desencanto del “Sueño Americano” y como California es una especie de microcosmos en el que se ven reflejados todos los resultados negativos de una forma de vida “muy americana”.
Un total de 3 horas, que empezó a las 9 de la noche y terminó a las 12, nos llevó por la historia de esta leyenda de la música…canciones íntimas, country rock, rock…las voces de Glenn Frey y Timothy B. Schmit , tan bien conservadas, sobre todo en “Lyin' Eyes” y “Love Will Keep us Alive “(esta última, una de mis favoritas).
Faltaron canciones como “Tequila Sunrise” o “New Kid In Town”, pero el resto de la selección estuvo sobresaliente
Un detalle muy interesante es el siguiente: En cada canción cambiaron de guitarras y de bajo… habría de calcular la cantidad de instrumentos que trajeron, debido a lo extenso del repertorio, entendemos que ello se corresponde a que están afinadas por cada tema.
Con el público rendido a sus pies “Eagles” demostraron sobradamente porque son una de las mejores bandas que ha dado la música en su historia. Los videos que hemos elegido para la ocasión, son algunos muy especiales, en el último... la agrupación original al completo, y data de 1998, cuando la banda ingresó al Salón de la Fama del Rock and Roll... que disfruten.

TIERRA, VIENTO Y FUEGO

2010-01-31T13:38:00.000-08:00

En la antigüedad, muchas filosofías antiguas usaban un grupo de elementos arquetípicos clásicos para explicar los patrones en la naturaleza. La palabra elemento en este contexto se refiere mas al estado de la materia (v. g. sólido/tierra, líquido/agua, gas/aire, plasma/fuego) o a las fases de la materia (como en las cinco fases chinas), que al elemento o elementos químicos de la ciencia moderna.
Los elementos clásicos de la civilización griega fueron fuego, tierra, aire y agua. Estos representan en la filosofía, ciencia y medicina griega la comprensión del cosmos donde todo lo existente convive. Es una lista creada por el filósofo Empédocles (cerca del 450 a. C.).
Tierra, Viento y Fuego son 3 de estos elementos y que sirvieron además para darle nombre a una de las más grandes bandas de los años 70 y que hicieron de la fusión su bandera: Música disco, funk con el jazz, soul, gospel, pop, blues, psicodelia, folk, música africana y rock and roll.
Este fenomenal grupo fue fundado por Maurice White en Chicago, Illinois, en 1969. Recuerdo la primera canción que escuché de ellos allá por 1979, se llamaba “Boogie Wonderland” en plena efervescencia de la moda de los patines y porque entonces dicha canción era el tema principal de la película “Roller Boogie”. Este tremendo “hit” representa – en mi opinión – la esencia del grupo…excelentes voces (nótese la magníficas interpretaciones de Philip Bailey y Maurice White), tremenda orquestación, arreglos, melodías, sonido exuberante, vientos, líneas de bajo, etc.
Años después conocería más creaciones de ellos, estupendamente producidos, en especial una balada tan bella como poderosa, me refiero a “After The Love Has Gone”, con la voz principal de White y magníficamente acompañado por el resto de la agrupación, en especial por Bailey. La banda sigue haciendo giras aún ya sin White pero manteniendo ese estilo tan cautivador de sus primeros días.
Hemos elegido para la ocasión una selección de algunos temas memorables, espero que disfruten ( prestar atención a la voz de Philip Bailey, especialmente en "Brazilian Rhyme", no tiene pierde).

SIGO SIENDO EL REY

2010-01-17T08:08:00.000-08:00

Existen canciones con un significado que más allá de su lírica se pueden aplicar perfectamente a muchos aspectos de la vida. En este caso me refiero a la famosa ranchera “El Rey” del mítico compositor y cantante mexicano –ya fallecido- Don José Alfredo Jiménez.
Y este tema tan bello, que es la declaración solemne de un hombre hacia una mujer, y en la que le afirma que a pesar de todas las circunstancias que rodean su vida “sigue siendo el rey”, nos sirve para simbolizar lo que significa ELVIS PRESLEY dentro del Rock and Roll, porque a pesar de los grandes cantantes que han hecho brillantes carreras durante estas décadas, y evidentemente, de los gustos que cada uno tiene, que es algo subjetivo, si existe un hecho que es indiscutible y objetivo, es que el artista nacido en Tupelo, Misisipi, el 8 de enero de 1935, y muerto el Memphis, Tennessee, 16 de Agosto de 1977, es propietario de un trono y un título que no se lo va a quitar nadie, y es que después de 30 años , sigue siendo el rey…”El Rey del Rock and Roll”.
Sobre él se ha escrito ya bastante (porque se lo merece), por lo tanto voy a escribir mas bien sobre la relación personal que me une a su música y a su legado.
Supe de Elvis siendo yo muy pequeño, y conocí simultáneamente al cantante y al actor a través de una de aquellas películas que se hicieron para mayor gloria de él, es decir y tal como se lo comentó a John Lennon durante la visita que en 1965 le hicieran The Beatles en su residencia de Bel Air: “Seré un chico de campo que conoce chicas y canta canciones. La última vez que nos alejamos de esa fórmula perdimos dinero.”
Conocí también al “Rey” a través de una película documental de fines de los años 70 llamada “Héroes y Heroínas del Rock”, que lo pasaron un fin de semana y una de las cosas que más me llamaron la atención del artista fueron los movimientos sugerentes que hacía al bailar y que según se comentó en dicho programa, durante la tercera presentación que hizo Presley en el histórico programa de Ed Sullivan, las cámaras le enfocaban de la cintura para arriba. Años después me enteré sobre aquella forma de bailar cuando interpretaba sus canciones y el impacto que durante años ha tenido en sus seguidores…sobre todo en las mujeres.
Una de las cosas más curiosas que recuerdo es que hace unos años, el 2002, a raíz del lanzamiento de la película animada “Lilo & Stitch”, mi hija pequeña, pudo conocer algunas de las canciones de Elvis, y…le gustaron, especialmente dos: "Hound Dog" y "Suspicious Minds".
Hace unos día los homenajes en torno a la figura de Presley se sucedieron en el mundo entero, y no es para menos tratándose de una figura tan emblemática, que vende más discos que cuando estaba vivo, protagonista en 1973 de unos de los programas televisivos más vistos de la historia, el histórico “Aloha From Hawaii”, visto por un número estimado de 1.500 millones de personas.
El 8 de Enero pasado Elvis hubiera cumplido 75 años de estar vivo, pero es tan sólo eso:"hubiera" , por ende algo inexistente, por ahora nos queda recordar al “chico blanco que cantaba y se movía como negro”, al ícono, a la leyenda, a quien después de 30 años y a pesar de todo, sigue siendo…”El Rey”.

AL FINAL LA VIDA SIGUE IGUAL

2010-01-08T14:37:00.000-08:00

El Lunes 04 de enero, a través del noticiero de un canal de televisión me pude enterar sobre la triste noticia del fallecimiento de uno de los más grandes íconos que tuvo, tiene y tendrá Latinoamérica, el cantante argentino Roberto Sánchez, nombre real de “Sandro” o “Sandro de América”, como también se le conocía debido a la enorme influencia que durante años ejerció no sólo entre la multitud de “fans” que le seguían sino también entre los cantantes de su generación y de años posteriores, además de que se le consideraba patrimonio de un continente.
Escuché la música del “Gitano” desde muy pequeño, tal vez la primera canción que recuerdo de él sea la famosa “Rosa, Rosa” aunque posteriormente pude disfrutar de ese tema memorable llamado “Te Propongo”, en compañía de un viejo conocido mío con quien a veces compartíamos charlas y amistad hace varios años y quien era fanático de Sandro. La letra de esta canción era y es realmente magnífica:

“ay te propongo un amanecer cualquiera
aferrada de mi brazo compartiendo una quimera
te propongo simplemente… que me quieras
yo no te propongo ni el sol ni las estrellas
tampoco yo te ofrezco un castillo de ilusión
yo tengo para darte tan solo cosas buenas
triviales y sencillas…
las cosas de este amor”

Hace un tiempo pude ver a través de Internet la entrevista que le hicieron al famoso cantante José Luis Rodríguez “El Puma” en relación al disco de homenaje que le hizo a Sandro en la que declaraba: “Creo que todos somos Sandristas, somos fanáticos de Sandro, Sandro fue un huracán por donde quiera que pasara, yo creo que los actores, cantantes, músicos, todos, tuvimos o tenemos algo que ver con Sandro y a todos nos tocó nuestras vidas…”. Cabe indicar que el apelativo del astro venezolano tiene su origen en una de las más famosas canciones del argentino, nos referimos a “Mi Amigo el Puma”.
Es imposible hablar de la música contemporánea en nuestro idioma y no mencionar a Sandro, quien además tuvo el privilegio de ser el primer artista latinoamericano que abarrotara el Madison Square Garden de New York.
La despedida de este ídolo no podía ser mas multitudinaria: más de 60 mil personas asistiendo a las exequias en el Congreso Argentino; gente de diferentes generaciones, y por supuesto, sus “nenas”, apelativo cariñoso con el que se le conocía a las fanáticas del artista nacido en Buenos Aires en 1945 y quien además fue uno de los pioneros del rock argentino. Conocido también como el “Elvis Argentino” debido a su forma de bailar, similar a la del cantante norteamericano , quien era uno de sus ídolos y con -¡cosa curiosa del destino!- llegaría a compartir el mismo mes de fallecimiento : Enero.
Siempre quedará en la memoria su voz… temblorosa, gutural, y a la vez tan profunda, así como el modo en el que dominaba el escenario y al público... mas que tan sólo cantar, "narraba" las canciones.
Este es un pequeño homenaje a este artista completo: cantautor, compositor, director etc.…, y para terminar, una frase de “El Gitano”: “¿Mi secreto? No tengo: simplemente uso jeans como si fueran smoking y smoking como si fuera jeans”.

SIMPLEMENTE EN DIRECTO

2009-12-26T12:29:00.000-08:00

Recuerdo perfectamente la primera vez que escuche a Simply Red, fue durante la entrega de los BRIT Awards (premios de la música británica) en un lejano 1987, con Mick Hucknall al frente interpretando una canción que convirtió en un clásico de manera inmediata, me refiero a la estupenda “Holding Back The Years”.
No les seguí mucho la pista desde entonces, sólo de manera intermitente, hasta 1991 en que escuché el que, en mi opinión, es su mejor tema, la notable “Stars”, una mezcla de soul, jazz y new romantic, uno de los temas de bandera del grupo y que hizo que me interesara más en ellos, descubriendo a una banda de grandes proporciones.
Asiduo como soy a ver el Festival de Viña del Mar (Chile), me enteré que Simply Red se presentaba en dicho escenario, no había visto ningún video de algún concierto del grupo asi que me resultaba interesante y curioso ver la performance en directo de esta agrupación.
Lo que vi aquel 26 de febrero del 2009 fue el mejor concierto en 50 años de historia del festival (con el permiso de The Police y Tom Jones), una combinación de músicos virtuosos, sonido impecable y un GRANDISIMO cantante como Hucknall que ha sabido mantener su voz intacta a pesar de los años, una banda que en directo interpreta sus temas en de manera tan espectacular que supera largamente a las grabaciones de estudio, de eso no hay duda alguna.
Una nota curiosa antes del show fue que durante la conferencia de prensa un “periodista” le pregunto su opinión sobre tener que compartir escenario la misma noche con unos cantantes de reggaeton de Puerto Rico, la respuesta de Hucknall fue: “Soy un compositor y un cantante, no tengo control de esos temas, es una decisión de la gente que organiza el concurso (sic), asi que tenemos que poner la fe en nuestras habilidades”.
Aquella noche fue “simplemente roja” debido a que la banda inglesa demostró cuales eran esas “habilidades” a las que hicieron referencia. La gente que asistió al espectáculo, en su mayoría jóvenes que fueron a ver a RKM & Ken-Y ( los del dichoso reggaeton) y Paolo Meneguzzi no se esperaban ver una actuación ni a un grupo tan magistral y enormemente profesional, a pesar de que la banda, a excepción del cantante, no es la misma que se formó en 1984, ya que a lo largo de su historia ha ido cambiando de integrantes; de hecho esta actuación formaba parte de su gira de despedida, que coincidía además con 25 años de existencia y varios millones de discos vendidos ,la mejor agrupación de soul, rhythm & blues que ha salido del Reino Unido. Cabe destacar que Mick Hucknall nació en Manchester, ciudad que es cuna de grandes artistas, y que a los 49 años canta mejor que nunca.
No es fácil encontrar un grupo que pueda interpretar sus canciones con una calidad similar a las grabaciones en estudio y menos aún alguna que las pueda superar…pero Simply Red es de las muy pocas.
Espero que disfruten de la selección que he realizado…todas en concierto por supuesto, para aquellos que conocen de su música y para los que no…puedan apreciar este mágico conjunto.

LAST CHRISTMAS

2009-12-24T07:25:00.000-08:00

“Last Christmas
I gave you my heart
But the very next day you gave it away
This year
To save me from tears
I'll give it to someone special”

La Navidad es de todas la fiestas que celebra la humanidad la de mayor importancia, la fiesta universal por excelencia, independientemente de las diferencias ideológicas, políticas y sociales.
Aunque cabe decir que cada uno lo celebra de diferentes maneras. Mientras que en Europa empieza el crudo invierno, en Sudamérica el verano empieza a vivirse en gran intensidad.
Evidentemente la música no puede faltar en estas fiestas sencillamente porque es la manifestación artística más vibrante del espíritu de la navidad. Las melodías navideñas desde sencillas y simple canciones a capella hasta elaboradas y complejas composiciones clásicas y de jazz nos hacen evocar lugares, recuerdos y personas, invitándonos con ello a elaborar nuevas experiencias y nuevos recuerdos.
Una de las primeras canciones navideñas que me gustaron de niño fue “Mi Burrito Sabanero”, aunque luego empezaría a conocer los maravillosos temas de Bing Crosby y ese clásico de todos los tiempos llamado “White Christmas” que debe ser la canción navideña por antonomasia, al autoría de esta excepcional canción le pertenece a Irving Berlin.
La letra líneas arriba son parte de la que es tal vez las canción navideña más famosa de los últimos años, se llama “Last Christmas” y pertenece al grupo Wham, de hecho es una de mis preferidas.
Personalmente durante años me han emocionado muchas de las canciones que han sido creadas para esta época y es imposible evitar la relación tan profunda que existe entre la navidad y la música.
Quisiera desearles desde aquí una FELIZ NAVIDAD a todos ustedes y que sigan disfrutando como yo del placer de conocer la calidad y creatividad de los grandes maestros de la música.

¡BASS, BASS, BASS!

2009-12-19T06:53:00.000-08:00

Hace algunos años, veinticinco tal vez, escuché una canción de unos 8 minutos, bastante extensa para lo que las radios solían poner, pero sumamente agradable y tremendamente rítmica, y como solía pasar en repetidas oportunidades ¡no decían quien o quienes la interpretaban!
Lo cierto es que me pareció estupenda; en aquel entonces no sabía diferenciar a que instrumento le pertenecía tal o cual sonido, simplemente me gustaba el teclado y lo que parecía un continuo tocar de tambores. Esa canción se llamaba “Good Times” del grupo “Chic” fundado por Bernard Edwards, Nile Rodgers y Tony Thompson. En esa canción monumental que empieza con un rumor de motor a reacción se puede hallar la un estribillo de veinte notas de bajo tocado por Bernard Edward (uno de los miembros de la banda), dicho estribillo llegó a definir la música urbana y - por que no- también el hip hop.
Y es de Edwards de quien trataremos ahora. Una vez viendo un video de “Chic” leí un comentario que decía “bass, bass, bass” (bajo, bajo, bajo) y que mejor puede definir a este extraordinario músico (bajista, arreglista y compositor), con una enorme influencia en artistas de diferentes estilos ¿alguno de vosotros ha escuchado “Another one bite the dust” de “Queen” y las líneas de bajo de tal canción?, y a lo largo de su carrera , Edwards creó una líneas de bajo que se han convertido en clásicas y han sido sampleadas hasta las saciedad. Poseedor de una técnica muy particular para tocar el bajo, y es que en la técnica estándar se usan alternativamente los dedos índice y medio de la mano derecha, pero él usaba el pulgar y el índice unidos como si estuviese empleando una púa, para pulsar la cuerda con la parte superior e inferior del dedo índice alternativamente.
Bara los bajistas en general, Edwards es un ícono, independientemente del estilo de música que hagan, quien elevó el rol y la categoría del bajo, creando sesiones rítmicas memorables, influyendo en el funk y en la música disco en su época, y como decía un comentario hace algunos años, a menos que se trate de los casos de Sting o Paul McCartney, es muy raro para un bajista lograr algún tipo de fama o notoriedad en la industria de la música, pero Bernard Edwards con su trabajo, ritmos funky y líneas de bajo flexible, resultó ser...la excepción a la regla.

Y DIOS CREO A LA MUJER

2009-12-07T15:26:00.000-08:00

En 1956 el cineasta francés Roger Vadim dirigió una de las películas más famosas del cine francés “Y Dios creó a la Mujer”, que sólo sirvió para reafirmar a Brigitte Bardot (en el papel de Julliette) como mito del cine. Aunque en el papel la historia de Julliette, la desinhibida huérfana de dieciocho años que vuelve locos a los hombres que la rodean, pueda leerse como un furioso manifiesto por la libertad femenina, el resultado en imágenes se acerca bastante más a una fantasía masculina disfrazada de drama romántico.
Esta película se llamaba “Y Dios Creó a la Mujer” y entendemos que el título tiene que ver con la escritura bíblica que habla de la creación de Eva.
Hemos empezado este artículo para escribir sobre la importancia de la mujer en la música contemporánea
El término música es femenino, procede del griego “mousiké” y hace referencia a las musas, que eran nueve hermanas hijas del Dios Júpiter según la mitología griega. Formaban lo que llamaban “El Coro de las Musas” presidiendo todo arte.
Y musas hemos conocido a lo largo de décadas, desde los lejanos tiempos de Billie Holiday quien transmitía a sus canciones una intensidad inigualable que, en muchos casos, era fruto de una traslación de sus vivencias personales a las letras cantadas hasta Bjork, cantante vanguardista, poseedora de un estilo inclasificable, pasando por Tina Turner o Barbra Streisand; nos hemos movido al ritmo de Aretha Franklin y emocionado con la voz de Jackie de Shannon.
La primera vez que podría decir que me gustó una canción de rock fue cuando escuché a Steve Nicks cantando (o mejor dicho hechizando) “Sara” y a Pat Benatar gritando a todo pulmón “Heartbreaker”
A lo largo de décadas la voz y la fuerza de la mujeres al interpretar una canción nos han llevado a lugares lejanos, elevado la fuerza y el valor…pero también nos han enseñado que no son sexo frágil.
Debido a la versatilidad en la que se han movido, podemos encontrarlas interpretando diversos estilos, desde el folk hasta el rock más visceral, impregnándonos de su personalidad e influencia, lo cual no tiene absolutamente nada de raro…porque ¿acaso no hemos nacido del vientre de una mujer?
Dependiendo de los gustos para uno siempre “su cantante preferida” será la mejor, y hacer un listado de ello también será algo absurdo por lo cual para elegir las canciones en esta entrega ha sido algo muy difícil…pero espero que se sientan satisfechos...aunque lo único de lo que si estoy seguro es que hemos dejado algo muy especial para el final.

ONE HIT WONDER

2009-11-19T14:17:00.000-08:00

Hace varios años, mientras escuchaba mi emisora preferida, Stereo 100, tuve la oportunidad de oír un estupendo tema, con una maravillosa voz de quien sabe era.
Cierto es que a partir de allí, esta canción se convirtió en una de las canciones de mi vida, una de mis preferidas, y que no me cansaría de escucharla todos los días...el detalle, y ahí va el detalle:es que tarde más de 15 años en saber quien la cantaba y como se llamaba la dichosa canción.
El tema del que me refiero se llamaba y se llama "Lotta Love" y la cantaba la hermosa Nicolette Larson, la composición le pertenece nada menos que a Neil Young,y es una combinación de una excelente instrumentación, grandes arreglos;al frente de todo una maravillosa y poderosa voz.

Nicolette Larson pertenece a ese mundo conocido como "ONE HIT WONDER", y...¿qué es?...

Según Wikipedia :En la industria musical, un one-hit wonder (en español: maravilla de un éxito) es un artista que generalmente es conocido por un sólo sencillo exitoso.
Ya que los one-hit wonder son populares durante un periodo corto, sus éxitos suelen tener gran valor nostálgico, y suelen aparecer en recopilaciones de épocas y en bandas sonoras...Los one-hit wonder son comunes en cualquier época de la música pop, pero son más comunes de dentro de periodos de géneros musicales que no duran más que unos pocos años, como el disco y new wave...A pesar de que el término se usa a veces de forma despectiva, los fanáticos suelen tener gran pasión por estas canciones memorables y los artistas que los crearon...

Aunque en asunto de definiciones es algo que tiene diversos matices, ya que también podemos ubicar dentro de este catálogo a artistas que han tenido varias canciones pero que el extraordinario éxito de una de ellas ha significado el desmerecimiento del resto de su obra como es el caso del brasileño Morris Albert y su mundialmente famoso "Feelings"
Están por el otro lado aquellos a quienes el éxito les sonrió por azar del destino...o de una olimpiada,como el caso de Los del Río y su "Macarena", y aquellos que fueron una gran proyecto...pero...se quedaron en sólo eso, un "gran proyecto" como The Knack y las que alcanzaron el éxito de manera efímera debido a una banda sonora de película como el caso de Irene Cara y "Flashdance".
Repasaremos en esta entrega algunos de estos "One Hit Wonder".5 temas que marcaron época, de diferentes estilos...en la variedad está el gusto ¿no?.
El último video es de la canción con la empezé mis comentarios.

UNO MAS UNO = UN DUO

2009-11-02T13:19:00.000-08:00

UNO MAS UNO = UN DUO

La sinergia es un concepto que proviene del griego "synergo", lo que quiere decir literalmente "trabajando en conjunto". Su significado actual se refiere al fenómeno en que el efecto de la influencia o trabajo de dos o más agentes actuando en conjunto es mayor al esperado considerando a la sumatoria de la acción de los agentes por separado, es decir, cuando dos o más elementos se unen sinérgicamente crean un resultado que aprovecha y maximiza las cualidades de cada uno de los elementos.
Hemos empezando a utilizar este término para escribir sobre esta nueva entrega…es decir, sobre los dúos musicales, algunos que han hecho historia por la calidad de su música e interpretación además de sus letras.
Entendemos que artistas con un gran talento podrían haber hecho grandes obras, pero cuando han actuado con un partenaire han logrado auténticas joyas, y además ello ha implicado maximizar la cualidad de cada elemento, en este caso, de cada artista, muestra de esto es el hecho de que muchos cantantes o músicos nunca alcanzaron el éxito esperado en sus carreras en solitario.
Cabe indicar también que ello no implica necesariamente que los integrantes de famosos dúos se hayan llevado bien, todo lo contrario, por ejemplo, son muy famosas las desavenencias entre Roland Orzabal y Curt Smith, los integrantes del famoso dúo “Tears For Fears” o las de “Simon and Garfunkel”;
También se han formado dúos temporales, es decir para editar un disco, un proyecto o también como invitados especiales en algún evento. Existen por supuesto los dúos cuya razón de ser y su existencia es precisamente ser un grupo de dos, ejemplos: “Air Supply” , “The Carpenters”, “Righteous Brothers”, etc.
Aquí les dejo con algunos dúos legendarios, disfruten un poco…por cierto la última canción es una sorpresa…muy rebuscada.

ERASE UNA VEZ TRES HERMANOS

2009-10-28T16:01:00.000-07:00

Erase una vez 3 Hermanos

De nombres Barry, Robin y Maurice; de apellido Gibb, que se iniciaron en la música en los años 60 y crearon algunas de las mejores canciones de la historia constituyéndose además en un de los grupos corales por antonomasia.
Nos han dejado un puñado de hermosas canciones desde su etapa clásica hasta la música disco, con una enorme influencia hasta nuestros días y 40 años de carrera a cuestas.
Recuerdo claramente la primera vez que los escuché hace 30 años (¡como pasa el tiempo!), tenía una tía con varias hijas, que a su vez tenían el disco “Saturday Night Fever” en su casa; no era novedad, en 1978 era imposible no haber escuchado alguna canción de aquélla banda sonora.
Pero antes de la onda disco, este maravilloso grupo ya tenía el respaldo de una carrera sólida, cimentada varios años antes, en Australia (mucha gente aún cree que son australianos),en Redcliffe, Queensland, en donde también realizan presentaciones en teatros y otros escenarios.
¿El origen del nombre? .En un principio se llamaron «The Rattlesnakes», luego «Wee Johnny Hayes & the Bluecats». Fueron presentados al DJ de una radio estación —llamado Bill Gates— por el promotor de carreras de autos Bill Goode, quien los vio actuar en el circuito de carreras de Brisbane. Gates los renombró como «Bee Gees» gracias a una coincidencia que ocurrió luego de la carrera de Brisbane. Bill Gates se juntó con Goode en la casa de los Gibb, donde se encontraban la señora Bárbara Gibb y los hermanos Gibb (the Brothers Gibb) junto con Barry. Gates frente a ésta situación dijo que habían tantos «BG» en la habitación que deberían llamarse así
La historia de esta agrupación suele estar relacionada con un antes y un después de su incursión en la música disco y el enorme impacto que tuvo en el mundo entero, al grado de que los hermanos compusieron 6 canciones que se mantuvieron en el puesto #1 en los Estados Unidos por 25 de 32 semanas consecutivas.
No obstante mucha gente aún mantiene preferencia por la etapa comprendida entre 1967 y 1977, pero ya sabemos…en cuestión de gustos…
Escuché “Melody Fair” y "You Should Be Dancing “ casi al mismo tiempo.Debo admitir que al inicio no me fue fácil reconocer al mismo grupo interpretando temas tan distintos, era natural, a los 7 años no es sencillo.
Decir Bee Gees es igual a decir letras extraordinarias y harmonía vocal incomparable; el ejemplo más grande de lo que significaba hacer música de calidad para el gran público.
Les dejo aquí 4 canciones legendarias...que disfruten.

DISCO RAYADO ...EL ORIGEN

2009-10-19T14:33:00.000-07:00

DISCO RAYADO

El nombre tiene mucho de simbolismo ¿cómo conocimos a The Beatles, Queen o The Mamas and the Papas?, a través de discos de vinilo L.P. o de 45 r.p.m.,disco que con el uso o el mal uso tendían a rayarse, en tiempos que regalar un disco de vinilo tenía el mismo valor que regalar una colonia cara o una prenda de vestir, en tiempos que al escuchar la música, independientemente del género, uno visualizaba en su mente un pentagrama con notas y el trabajo de un artista, un compositor, alguien que se tomaba el tiempo para pensar en crear ARTE.
Hace algunos años, con la aparición del CD, mucha gente daba por descontada la muerte de los discos de vinilo, antaño respetados...pero la historia, a veces nos depara enormes sorpresas, ha hecho que los CD sean un elemento a punto de desaparecer gracias a los avances de la Internet (¡bendita Internet!) y de objetos tan sencillos como un Pen Drive capaces de almacenar miles de canciones y que uno se puede llevar a donde quiera.
En cambio un disco de vinilo tiene un valor agregado que va más allá de lo meramente musical...es el aspecto sentimental, el hecho que la gente relacione a un disco con aspectos resaltantes de su vida.
Con el respeto que siempre hemos sentido por los gustos ajenos, habría que preguntarse si efectivamente lo que se escucha en la actualidad sea en concierto o una discoteca es realmente música...a veces mis amigos más jóvenes no me creen cuando les comento que ir a una discoteca hace unos veinte años atrás era disfrutar...no sólo bailar si no de también escuchar buena música, significaba, aunque mucha gente le cueste creerlo, bailar canciones de Depeche Mode, The Police, The Cure, Tears For Fears o Fleetwood Mac, inclusive Rolling Stones...PERO , los tiempos cambian, y también la concepción de lo que mucha gente cree que es música...yo no considero música lo que hace DJ Tiesto o Sasha. Hace poco en una entrevista, un famoso presentador radial español afirmó que "los DJ no son músicos, no entiendo por que se les considera así", pensamos de la misma manera. Es cierto que la tecnología ayuda mucho en la creación del arte musical y aunque
artistas tan disímiles como Kraftwerk o Steve Wonder han hecho uso de ella para elaborar música, ello no implica que la tecnología reemplace el talento ni mucho menos.
Desde aquí creamos un espacio que sirve de nostalgia para la gente que ha conocido al arte musical de las décadas del 50, 60, 70 , 80 (también los 90) pero también pretendemos que la gente más joven conozca lo que se hizo hace unos años y pueda apreciar el ARTE de la música moderna en su más genuina expresión, que puedan descubrir algo que se les niega a través de los medios, que sirva también de espacio para las opiniones de la gente, que puede mostrar su conformidad o disconformidad...toda opinión es bienvenida.

2009-10-05T13:53:00.001-07:00

RUMORES...SON RUMORES

Hace 30 años, es decir cuando tenía 7, tuve la oportunidad de ver a través de un programa de televisión a una hermosa mujer rubia, con una voz hipnótica, que cantaba de manera sensual una canción -sensual como ella-. Este maravilloso tema se llamaba "Dreams".Esa voz aterciopelada pertenecía...pertenece aún, a Steve Nicks, quien al frente de una poderosa banda llamada Fleetwood Mac , nos hacía soñar, volar hasta el espacio. Ella enfundada de lo que parecía un enorme chal, nos enseñaba además la correcta manera de manifestar la letra y el sentido de una canción.

Esta banda creada a finales de los años 60, se inició con el blues tradicional, virando luego hacia el rock y modificando su estilo finalmente a un pop suave y elegante.

Una curiosidad de la historia de Fleetwood Mac , es que durante un tiempo en los años 70 se creía que Steve Nicks practicaba la brujería...nada se de este se probó, pero escuchando la forma como interpretaba "Dreams" lo mínimo que podemos pensar es que ejercitaba una especie de hechicería.

"Dreams" estaba incluido en uno de los discos clásicos por antonomasia de los años 70 y de toda la historia del Rock, el disco "Rumours".

Bajo la inspiración de la inspiración de Lindsey Buckingham ,"Rumours" (1977), se convirtió en uno de los álbumes más exitosos en la historia de la música actual, al vender más de treinta millones de copias en todo el mundo hasta el año 2003.Ganó el Grammy de 1977 para el Álbum del Año "Rumours", el premio de la revista Rolling Stone para Artista del Año, Mejor Album, Mejor Sencillo, "Dreams", número uno en las listas de la revista Billboard durante seis meses y muchos otros premios en el mundo.

Este es nuestro pequeño homenaje a un disco y una banda antológicos.